Актерское искусство

Реферат: Актерское  искусство

Актерское искусство

Актерское искусство в  драме и кино, создание сценического образа, исполнительское творчество.

Актерское (сценическое) искусство  стоит в ряду древнейших, одним  из его источников явились религиозные  обряды. Развитые формы сценического искусства, с диалогами и зачатками  актерской техники, появились на древнем Востоке. На ранних этапах развития драмы в качестве актера обычно выступал сам автор. Из древних цивилизаций  наиболее интересные и совершенные  формы драматического искусства  дала Греция, где из Дионисий в Афинах зародилась драма.

Ранняя древнегреческая  драма была тесно связана с  ритуальными танцами и религией. Актеру воздавались жреческие почести, он облачался в ритуальное одеяние, принятое на празднествах в честь  бога Диониса, – длинный, с тяжелыми складками хитон, полностью скрывавший тело. Он также надевал маску и  обувь на очень высокой подошве (котурны). При скудости признаков  внешней индивидуальности огромное значение приобретало искусство  декламации, актер получал возможность  играть в одной пьесе несколько  ролей, меняя маски. Иногда, изображая  экстатическое состояние или  умопомрачение, актеру приходилось  исполнять неистовые пляски, но обычно телодвижения в трагедии сводились  к минимуму. Знаменитыми драматическими актерами 5 в. до н.э. были Клеандр и  Тлеполем, однако об их сценической  технике не осталось никаких свидетельств.

Комические актеры того времени  также надевали маски, но обувались  в сандалии, носили короткую одежду, спереди прикреплялся огромный фаллос. Двигались они преувеличенно  живо и размашисто. К 4 в. до н.э. уровень  драматургии упал, что привело  к повышению значимости актера; он индивидуализирует маску и даже приноравливает к себе текст пьесы. К 3 в. до н.э. манера исполнения как в  комедии, так и в трагедии становится более жизненной, естественной и  менее скованной, особенно в т.н. «новой комедии», отличавшейся необычайным  разнообразием и жизнеподобием  масок. Древнеримская драма, в основном отталкиваясь в своем развитии от поздних греческих образцов, также  зачастую утрачивала культовое значение и служила главным образом  развлекательным зрелищем; актеры набирались, как правило, из рабов. До начала 1 в. до н.э. римляне не использовали масок  и потому могли совершенствовать свою мимику. Наиболее известным актером-трагиком был Клодий Эзоп, а комиком –  Росций. Затем в подражание греческому театральному стилю пришли длинные  одежды и маски, но одежды более искусные и маски – более реалистичные. Присущий римлянам «культ личности»  поощрял, выражаясь сегодняшним  языком, «систему звезд». Актеры стали  специализироваться в определенных амплуа – женщины, боги, юноши, параситы, – причем каждому полагалась своя выразительная маска, а типизация  подкреплялась реалистичными речью  и жестами. Мастера натуралистической  комедии, римляне разработали соответствующие  костюмы. Помимо масок они использовали мягкие сандалии, ставшие символом комедии.

В 1 в. н.э. завоевывает популярность мим. Реалистичная харàктерная сценка бытового содержания исполнялась в  повседневной одежде и обычно в гриме  вместо масок, изобиловала непристойными  шутками и телодвижениями. Впервые  на сцену были допущены женщины. Величайший артист мима Норбан Сорекс имел собственную  труппу, включавшую и женщин. Последним  драматическим жанром, появившимся  в древнем Риме, стал пантомим –  представление с танцами и  игрой без слов. Актер-декламатор распевал или читал сцены из знаменитых произведений, а пантомимист представлял их жестами и пластикой.

К 6 в. профессиональный театр  в Риме полностью исчезает; драматические  представления вырождаются в  примитивное действо. Среди причин можно назвать тяжелые последствия  варварских набегов, а также цензуру  увеселительных зрелищ, введенную императором  Юстинианом. В театральную культуру Средневековья и Возрождения  сценическое искусство древнего Рима передалось через фольклорную  традицию, народные гулянья и нерегулярное частное покровительство актерам, мимам и танцорам – любителям  либо полупрофессионалам.

С падением Римской империи  и упадком исполнительского профессионализма объявилось множество лицедеев-любителей  – жонглеров, акробатов, менестрелей  и мимов, – бродивших по европейским  городам с сольными представлениями.  Мистерии, новая форма драмы, распространившаяся по всей Западной Европе в Средние века, развились из католической литургии и пастырских наставлений. Поначалу исполнителями были духовные лица и певчие, а действо, иллюстрирующее эпизод из Библии или просто сопровождавшее мессу, совершалось у алтаря или в нефе церкви. По мере становления жанра мистерия восприняла мирские и фарсовые элементы. Со временем мистерии были выведены из церкви и перешли под опеку ремесленных цехов; их стали исполнять на специальных платформах, часто передвижных. Мистерии были главным событием праздника тела Христова в начале лета. Обмирщение драмы продолжалось, латынь уступила место живым языкам, ради увеселения толпы примешивался грубый юмор. Основным видом сцены стали передвижные платформы и «беседки» в различных вариациях.

Позже появились моралите, рационально выстроенные назидательные  пьесы, в которых выступали персонифицированные  Добро и Зло. По мере внедрения  в моралите элементов грубой комики жанр деградировал и его комические черты и дидактику переняли дворцовые  интерлюдии, представлявшие собой смесь  светских и классических элементов  и получившие распространение в  начале правления Тюдоров. К этому  времени в Англии и на материке уже существовали небольшие странствующие  актерские группы, с которых берет  начало елизаветинский театр и разряд актеров-профессионалов.

К 16 в. религиозная драма  в Европе утратила свои позиции. Первые гуманисты способствовали чтению и  постановкам латинских пьес в  школах, светские пьесы писались на родном языке. В Англии, испытавшей сильнейшее влияние древнеримской  драмы, в особенности комедий  Плавта и Теренция и трагедий Сенеки, явилась плеяда поэтов-драматургов  –  К.Марло,  У.Шекспир,  Б.Джонсон. В детские годы Шекспира профессиональные группы актеров перестали быть редкостью в Англии. Защиту от законов против бродяжничества они обычно находили в покровительстве знатных вельмож. В 1576 в Лондоне возводятся первые публичные театры, но пока еще вне юрисдикции городских властей. До этого представления давались в постоялых дворах, банкетных залах, дворцах, школьных часовнях, ратушах и т.п., как в помещениях, так и под открытым небом. С появлением постоянных помещений актерская игра становится профессией, между труппами разворачивается конкурентная борьба, и театры обретают признание, широкую поддержку и финансовую самостоятельность. Искусство актеров-елизаветинцев вырастало на достижениях поэзии и драмы английского Возрождения. Отсюда чрезвычайно условная и риторическая манера исполнения. Требования к сценическому искусству той поры блестяще изложены в указаниях Гамлета (Гамлет, акт III, сц. 2), которые он дает актерам. Лучшими трагиками считались Э.Аллейн и  Р.Бёрбедж, комиками – Р.Тарлтон и У.Кемп.

Для дворцовых маскарадов Якова I И.Джонс разработал искусные декорации и сценическое оборудование, а Джонсон писал для знатных  дам и кавалеров любительские роли мифологических персонажей. Однако эти дворцовые забавы, т.н. «маски», не оказали серьезного влияния на народную английскую драму, которая  процветала вплоть до закрытия пуританами публичных театров в 1642. Традиция актерского профессионализма возродилась  лишь после Реставрации. Елизаветинскому  театру была свойственна большая  степень условности. Актеры всегда выходили в современных костюмах, к какой бы исторической эпохе  ни относилось действие пьесы. Текст  писался стихами и потому торжественно декламировался, что резко разводило  сценический диалог и обыденную  речь. Исполнение женских ролей мальчиками снижало правдоподобие любовных сцен, превращая их в возвышенные  словопрения. Почти лишенная реквизита  сцена вынуждала актеров все  время быть на ногах и расхаживать  по сцене. Наконец, тот факт, что спектакли  давались днем под открытым небом, вменял поэтическому тексту делать указания на место действия, время суток, время  года и год.

Актерам-елизаветинцам не было чуждо и искусство импровизации, в особенности комедиантам вроде  Кемпа. В том же 16 в. в Италии появляется театр, который вовсе отказался  от сценария и полагался исключительно  на способность актеров к экспромту. Это представление, известное как  «комедия дель'арте», во многом отталкивалось  от традиций мимов и менестрелей, насчитывавших уже многие столетия. Это была вульгарная, «низкая» комедия, и для ее представления требовались  только помост, актеры и зрители. Героями  являлись хорошо известные типажи, зародившиеся еще в древнеримской  комедии: любовный треугольник –  Пьеро, Коломбина и Арлекин; врачеватель-шарлатан Доктор; скупой купец Панталоне; бахвал и трус Капитан. Актеры придерживались лишь общей линии сюжета и импровизировали  по ходу действия. Объединяя в одном  лице мима, акробата, танцора, музыканта  и комедианта, они вносили в  представления новизну и занимательность, заставляя работать воображение. Актеры выступали в масках и традиционных костюмах и разъезжали от города к  городу организованными труппами. Один из таких коллективов, «Джелози», привлекал  в конце 16 в. внимание многих путешественников. В конце концов комические положения  и остроты приелись, но, прежде чем  выродиться, комедия дель'арте успела оказать влияние на драму и  балет Италии, Франции, Испании и  Англии.  См. также КОМЕДИЯ ДЕЛЬ АРТЕ.

К концу 17 в. в английском театре имели место нововведения, отразившиеся и на исполнительском  искусстве: возникли закрытые театры, появились декорации и искусственное  освещение, на сцену были допущены женщины. Но театру Реставрации были еще свойственны  множество условностей и стилизованная  манера исполнения, будь то торжественный  стих героической пьесы или бестолковая  сценка из утонченной сатирической комедии. Выдающиеся актеры того периода –  Т.Беттертон и Нелл Гвин.

Во Франции актерская  игра в 17 в. также не отличалась особой реалистичностью, во многом благодаря  господству поэтики классицизма, чьи  жесткие правила равнялись на древнегреческую трагедию. Строки Корнеля, Мольера и Расина декламировались  в манере, исполненной благородства и величия, движения и жесты были рассчитанно скупыми, актеры обращались не столько друг к другу, сколько  к зрительному залу.

Осмысление актерской  игры как искусства начинается лишь в 18 в.  Д.Гаррик и Д.Дидро задались вопросом, должен ли актер сам испытывать душевные состояния, которые изображает, или же надо с помощью определенных приемов уметь пробудить в зрителях эти чувства. Впрочем, подобные теоретические споры мало влияли на саму игру, и в 19 в. преобладала «романтическая», т.е. аффектированная, выспренняя манера исполнения: ставились тогда по большей части мелодрамы, дававшие исполнителю возможность щегольнуть декламацией и пластикой. Этого соблазна не избежали даже великие – Рашель,  Сара Сиддонс, У.Ч.Макриди, Кины и Кемблы,  Г.Ирвинг и Б.Три.

Лишь к концу 19 в. появляются тенденции реалистической манеры актерской  игры. Впервые они проявились в  массовках спектаклей Мейнингенского театра, поставленных Георгом II, герцогом Саксен-Мейнингенским, одним из первых великих постановщиков современности. Однако «реализм» этого режиссера-диктатора  сомнителен, поскольку он манипулировал  актерами, словно марионетками. Под  впечатлением от спектаклей Мейнингенского театра  К.С.Станиславский начал разрабатывать собственные приемы ансамблевой игры, что привело его к созданию такой исполнительской системы, при которой актер, опираясь на собственный опыт, добивался перевоплощения в создаваемый образ. Система Станиславского повлияла на современное сценическое искусство во всем мире, а открытия в области психоанализа позволили актеру глубже проникать в душевный мир своего персонажа.

Научный подход коснулся и  других аспектов сценического действия. Костюмы и декорации изготавливаются  в соответствии с историческими  данными, мебель нередко заимствуется из музеев. Современное осветительное  оборудование свело на нет необходимость  в избыточном гриме; голос и речь приблизились к разговорным.

Список литературы

Для подготовки данной работы были использованы материалы с сайта http://www.krugosvet.ru/