Колористический анализ произведений Врубеля

Врубель Михаил Александрович (1856–1910), русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном  искусстве. Учился в Петербургской  Академии художеств (1880–1884) у Павла  Петровича Чистякова; уроки акварели брал у Ильи Ефимовича Репина. Особое влияние на Врубеля оказали живопись венецианского Возрождения, итальянцы: Беллини и Карпаччо, ранние византийские мозаики и древние русские фрески, а также английские прерафаэлиты.

В истории мировой  живописи немного художников, наделенных божественным колористическим даром. Врубель занимает достойное место в этом уникальном списке. Врубель всю жизнь углублял и усложнял свою цветовую палитру и нашел на ней новые, прежде неведомые сочетания.

 

Акварели

Понимание цвета  определилось у выдающегося акварелиста еще в годы пребывания в академии. Уже в ранних его листах колористическая основа имеет гармонично взаимодействующие полутона.

 

В «Натурщице в  обстановке Ренессанса» Врубель  создал портрет, отличающийся удивительным мастерством композиции, совершенством пластической лепки формы и необычайной красотой колорита. Несмотря на невероятную сложность тонко нюансированных цветовых сочетаний, живопись «Натурщицы» воспринимается в едином гармоничном звучании. Этот лист оказался незаконченным. Врубель удовлетворился тем, что было открыто им для себя во время отделки деталей.

В последующих акварелях все чаще встречаются темно-зеленые, сиреневые, фиолетовые и охристые тона с тонкой нюансировкой. Возникает сумрачная и тревожная «врубелевская гамма» – фиолетово-синяя с золотом.

 

 

Самобытная  манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий  тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в  его киевские годы (1884–1889), причем в  русле церковного искусства.

 

В искусствоведении и семиотике много исследований, посвященных значению цветового решения картины. Если говорить о трех цветах Врубеля, то они не вполне традиционны для искусства, часто наполняются символическим содержанием. Желтый традиционно рассматривается как цвет Царства Божия, символ Бога-Отца, цвет ослепительно яркой мечты; белый - это Святой Дух, чистота и вера; голубой – надежда на спасение, Бог-Сын, избранничество и далекая мечта о счастье; фиолетовый или пурпурный - это цвет божественной мудрости, а также мистики, волшебства, неясных сомнений.

М.Врубель примерно так и использовал цветосимволы. Цветовая гамма его картин меняется в определенные периоды творчества. Со временем колорит становится темнее, насыщеннее и мрачнее, усиливая трагическое  звучание произведений, но в целом берутся те же краски, что и в первых полотнах. Колористическое решение всегда связано с решением образно-символических и стилистических задач. Предельно узкий выбор красок и необозримое количество их сочетаний у Врубеля направлены на создание индивидуальной символической системы. Условность его живописи заключается не в изображении абстракций, а в символической нагрузке цветового исполнения.

Выбор тех или  иных цветовых сочетаний далеко не всегда подчиняется рациональному  осмыслению автора, чаще это непроизвольное воспроизведение авторского эмоционально-психологического состояния.

Манера мастера  — с его «кристаллическим»  рисунком, дробящим мир на орнаментальные плоскости и в то же время подчеркивающим его единство сформировалась в основном в киевский период (1884-89). Кульминация киевского периода — эскизы росписей Владимирского собора. Врубель создает эскизы для росписи Владимирского собора в Киеве. Самый сильный из них – "Надгробный плач". Цветовое решение – светло-желтый, розовый, небесный.

 

 

Для достижения нужного эффекта он вводил в акварель различные художественные материалы: белила, бронзовый, серебряный порошки, тушь.

 

В акварели прибегал к заливкам только в целях подготовки общего тона. Поверх легкой заливки на первом плане Врубель наносил одну краску на другую, оставляя между ними небольшой просвет. Оставленные чистые места бумаги заполнял мазочками краски, избегая их слияния. Оставшиеся пятна незакрытой бумаги тоненькой кисточкой осторожно покрывал легкими оттенками синего кобальта или охры. «Кобальт и охра – это божественные краски. Они соединяют между собой все разрозненные тона. Ты можешь удалить нужный план уже готовой акварели тем, что быстро покроешь его легким тоном кобальта, и красное при этом не станет лиловым, а желтое зеленым. Они только потухнут и уйдут на задний план», –слова Врубеля.

Он не доверял  цвету, составленному наскоро из нескольких красок на палитре, и, проверяя себя, наносил его сначала на бумагу. Такой прием работы мастер объяснял тем, что тон палитры холодный, бумага же всегда теплее. Он говорил: «Бумага все терпит. Ты можешь пользоваться ею как палитрой для получения нужного верного тона, а потом эти пятна ввести куда-нибудь в фон. Можешь и почти отмыть для этой цели». Неизбежное при высыхании акварели «затухание» темных участков заставило Врубеля покрывать их разведенным клеем гуммиарабиком. Французские и немецкие акварелисты применяли для этого специальный лак, но в 90–х годах прошлого столетия им еще в России не пользовались.

В знаменитой акварели «Жемчужина» он виртуозно передает перламутровые оттенки. «Эта удивительная игра переливов, – говорил мастер, – заключается не в красках, а в сложности структуры и состоянии светотени, в другой раз я передам цвет только белым и черным». Подобно выдающимся колористам, он стремился искать силу цвета не в пестроте, не в резких диссонансах, а в гармоничных сочетаниях.

 

Чуть позже  им написана миниатюра "Восточная  сказка", цветовое решение -голубой, сиреневый, золотисто-зеленый, бело-розовый. Те же сочетания трех цветов можно увидеть в картине "Гамлет и Офелия" и др.

 

В зрелые годы у  Врубеля возник интерес к созданию сложного, синтезированного цветообраза  на основе трех цветов, ставших уже постоянными. Феерическое великолепие врубелевского колорита в полной мере проявилось в картине "Девочка на фоне персидского ковра". Его узоры, платье девочки - все насыщено оттенками разных цветов. Малиновые, пурпурные, сиреневые, синие, желтоватые краски слились здесь в единое гармоничное звучание. Ни один цвет не "кричит", не выпадает из общей гармонии. В картине "Девочка на фоне персидского ковра" колорит придает изображению поэтичный, сказочный характер.

 

Цветовое разнообразие нашего мира бесконечно, и художник-живописец  стремится передать его с помощью  красок в их самых разных сочетаниях. Но найти на палитре верный оттенок - это еще далеко не все. Ни в природе, ни в живописи соседствующие цвета не остаются безразличными, они всегда придают друг другу новые качества. И потому очень важно, чтобы все краски которые живописец положит на холст, были согласованы друг с другом, не "спорили" между собой.

 Постигая  законы взаимодействия цветов, художник добивается единства, цельности зрительного впечатления.

 

 

Переливающийся  цвет в полотнах Врубеля, их кристаллическая  фактура родственны мозаике. В больших холстах он приглушает многоцветие, подчиняя его общему колориту. С 1890-х годов у него доминирует лиловый цвет сумерек с оранжевыми вспышками догорающего заката. Колорит Врубеля в эту пору символизировал мироощущение мастера, его мифотворчество, «сложное борение духа», чувство тайны и тревоги, разлитое в мире.

 

В лиловом ключе  написаны демоны, сирени, лебеди. Даже красные и дымно-розовые тона («К ночи», «Гадалка») воспринимается как  холодные. Колорит его сумрачно величав. Сине-лиловое, золото и перламутр – Врубель превратил основу колорита многих своих картин в живописно-образный символ для выражения захватывающих его переживаний и чувств.

 

Демон сидящий, (1890)

 

«Демон сидящий» - первая из обширной демонической сюиты. Фигура Демона, словно высеченная из камня. Цветы, которые его окружают, холодные, каменные: художник подсмотрел их формы и краски в изломах горных пород - символизируют чувство отторгнутости, чуждости.

В колорите картины - контрасты. Холодный лиловый цвет "борется" с теплым оранжево-золотистым. Скалы, цветы, фигура написаны по-особому,: художник как бы рассекает форму на отдельные грани и создается впечатление, что мир соткан из глыб драгоценностей.

 

 

Большое значение для творческого процесса Михаила  Александровича Врубеля имели поиски цветовых гармоний. Самобытный и многообразный колорит Врубеля всегда отличают благородство и строгость цветовых сочетаний. Художник любит драматические сопоставления голубоватых, бирюзовых и лиловых цветов.

 

 

Гадалка

1895

Картина написана смесью бронзовых порошков, лаков и масляных красок. Художник работает. Такой технический прием создает живописную поверхность, напоминающую природные рисунки на камнях.

Колористическая гамма строится на преобладающих  сочетаниях оливковых и розовых  цветов. Голубые карты в руках привлекают внимание к ее тонким и гибким пальцам. Серо-розовые оттенки перемежаются со светло-золотистыми. Им вторит оливковое платье, темно-коричневое в тени и охристое на свету.

В картине взаимодействие холодных и теплых цветов, их соседство рождают их взаимообогащение. Благородно и сдержанно мерцание переливов шелковой ткани на фоне тусклого приглушенного в цвете ковра.

Панно «Утро». 1897

Холодный колорит  панно, сотканный из зеленых тонов  – от светлых, разбавленных белилами, до темно-изумрудных, создает ощущение прохладной освещенности раннего утра, когда диск солнца вот-вот появится из-за невидимого горизонта.

 

Проект майоликового камина. 1899-1900

Эскиз выполнен акварельными красками, которые здесь  теряют свою обычную прозрачность и  нежность, они звучат интенсивно и  ярко. Общая цветовая гамма традиционно  для Врубеля строится на изысканном сочетании холодных синих, фиолетовых, лиловых, серых тонов. Декоративность колорита умножена также вкраплениями бронзовой краски.

 

Среди наиболее значительных произведений портретного  жанра, выполненных Врубелем в технике  масляной живописи, выделяется великолепно  найденным колористическим решением «Испания». (1894). Врубель применил сложную систему построения живописно-красочного слоя, ведя корпусную кладку насыщенных лаком красок стальным мастихином и реже щетинной кистью.

 

Можно говорить и о «музыкальности» созданных  воображением художника образов, написанных как бы с помощью цветовых «аккордов» – одновременно «звучащих» цветовых пятен и интервалов между ними.

Нет человека, более  восприимчивого к литературному, музыкальному и театральному искусству. Музыка Римского-Корсакова  стала счастливым поворотом в  творческой судьбе художника. В его картинах отчетливо возникают новые трепетные переливы радужного спектра, связывавшего его живопись с музыкой композитора.

В перламутровой  гамме написаны акварели «Тридцать  три богатыря» и «Царевна Волхова».

 

Цветовой ключ картины Врубеля всегда неразрывно связан с ее эмоциональным строем, поэтому так многообразна цветовая гармония его картин.

Диапазон цветовых исканий художника был очень  велик. Так, в 1900 году Врубель исполняет  великолепные самобытности колорита работы, решенные в совершенно различном цветовом ключе.

В картине «Сирень» (1900) преобладает холодный лиловатый, ночной свет. Ветви с прохладно-зелеными листьями обрамляют тонкую женскую  фигуру. Зыбко и эфемерно существование  этого образа. Картине предшествовало множество живописных натурных этюдов. В этих этюдах художник очень обобщенно намечает соотношение зелени и цветов сирени, В картине по сравнению, например, с эскизом 1900 года появилась «сплавленность» цвета, тональное единство, в котором особенно значительным кажется богатство и разнообразие колорита.

Несмотря на таинственную сказочность замысла, в этой картине поражает точность близких к натуре цветовых соотношений.

Колорит картины  отличается удивительным богатством лиловой  и зеленой гаммы, тончайшими переходами от нежных прозрачных тонов к насыщенному цвету. Картина написана по серому, местами просвечивающему грунту, что вообще характерно для М.Врубеля. Концентрация фиолетовых оттенков порождает иллюзию, что атмосфера насыщена ароматом сирени.

Цвет в картинах Врубеля – это окрашенный свет, пронизывающий изнутри грани кристаллической формы. В колорите Врубеля преобладают краски холодной части спектра – это специфически ночной, лунный колорит.

 

«Пан» (1899)

Картина представляет целостный сплав приглушенно-зеленых, холодно-серебристых тонов. Голубизна глаз Пана перекликается с синевой мелькающей в кустах реки, с цветами фиалок, светящимися, как драгоценные камни.

 

Если в картине  «Пан» звучит светлая лирика и  гармония, то иной по своему образно-эмоциональному строю является картина «К ночи» (1900). Она наполнена волнением и беспокойством. Фантастически-сказочно горят в лучах заката красные цветы чертополоха. Они словно светятся изнутри. Сочетание этих пламенеющих цветов, написанных темпераментными мазками, и лилово-синего неба придает картине что-то будоражащее, таинственное. В лучах заката фигура человека, грива и круп богатырского коня кажутся слитками темной бронзы. Тревога проскальзывает в напряженных цветовых аккордах. Как всегда у М.Врубеля, колорит картины необычайно  эмоционален.

 

Впечатления от цветовых гармоний, увиденных в натуре, подчас не фиксировались художником в этюдах, однако они оказывались  тем фундаментом, на котором строились  в дальнейшем цветосочетания его  картин.

 

 

В работе Врубеля  над портретом часто ясно проступала одна своеобразная черта его цветового видения. Рисунки к портрету Н. И. Забелы подчас снабжены легкими контурными обозначениями цветовой «мозаики» будущего портрета. Это свидетельствует о яркости цветового видения портрета, причем с такой конкретностью, при которой художник может как бы схематически обозначить границу каждого цвета.