Итальянский дизайн 50-60

25. Итальянский дизайн 50-60-х годов.

 

В 1950-е годы казалось, что в дизайне главенствует США, но но в конце 50-х главенство американской культуры пошатнулось - внезапно дизайн стал приходить из Италии. Феномен итальянского дизайна объясняли тем, что у него было "меньше традиций позади" после второй мировой войны.

Как серьезное явление  индустриальный дизайн формировался в 50-е годы. Одним из важных этапов развития итальянского дизайна стал стиль "Оливетти".

 

ПРО ОЛИВЕТТИ:

 

Изначально Оливетти была фабрика по изготовлению пишущих  машинок. Она существовала не только в 50 ые годы. Образовалась она раньше еще в 10 ые годы. Начиная с 30ых годов фабрика стала быстро развиваться, увеличиваться, она так быстро росла, что к 60-ым годам выпускала уже не только пишущие машинки, но и самое различное конторное оборудование. В этой области они производили почти треть всей мировой продукции.  Решающую роль в таком быстром росте фирмы сыграли ДИЗАЙНЕРЫ. Хозяева фирм раньше других поняли и оценили роль дизайна. В 30-ые годы на фабрику были приглашены художники и даже поэты, появился руководитель отдела рекламы и публикаций. Так образовалась одна из первых дизайнерских групп в Европе.

 Ближе к 50-ым годам  выпускаются сенсационные по  своим эстэтическим качествам модели пишущих машинок «Лексикон 80» и Леттера 22» (Для них характерна скульптурность пластики, соединившая в себе художественную органическую концепцию и новую технологию литья под давлением). Это был огромный успех!! Отсюда возникает выражение «стиль Оливетти».

 

«Стиль Оливетти»  это не приверженность к каким то пластическим формам (Хотя вообще, машинки были сделаны по новой технологии-пластификат, легко гнущийся материал….защет этого они были как бы литой формы и этот материал позволял создавать констукции без единого винта). Нет характеристики какой именно должна быть вещь в этом стиле. Стиль Оливетти-это просто стремление сделать любую вещь красивой, даже фабричные здания строились красиво!Письма, деловая корреспонденция, исходящяя от фирмы должны быть сделаны и написаны с хорошим литературным вкусом-все должно быть привлекательным, первосортным.

 

В середине 50-х вся  Европа и Америка пила кофе из итальянских  кофеварок, ездила на итальянских скутерах и носила итальянские костюмы. Фурор итальянского дизайна в мебельной отрасли произошел в 60-х, когда наряду с классической традиционной итальянской мебелью было решено производить мебель современную. Тогда же прошла первая выставка мебели i Saloni Milano, на которой было представлено современное видение итальянского дизайна. Об итальянцах заговорили по всему миру. Говорили о том, что они создают дизайн будущего, который никого не оставляет равнодушным. Пытаясь объяснить феномен быстрого успеха итальянского дизайна, специалисты приходили к выводу, что главная заслуга в том, что дизайнерам предоставили полную свободу.

 

В фирме «Оливетти» работали очень многие выдающиеся прогрессивные  представители искусства и архитектуры, литературы. В конечном счете деятельность этих людей в рамках фирмы явилась большим вкладом в общественную культуру.

 В конечном  счете это уже была не просто контора, а зрелище. Так, стиль «Оливетти» стал формировать эстетическое восприятие, вкус и потребности заказщика. «Оливетти» существует и по сей день в авангарде мирового дизайна.

 

 

26. Развитие европейского дизайна в 60-70-е годы XX века. Поп-арт и оп-арт. Футуристический дизайн, «космическое» формообразование. Радикальный дизайн, антидизайн.

 

 

60-е.Освоение космоса. Мебель самой разной формы. Широко используется пластик различных цветов многослойный. Бытовая цветастость. Космические полеты – мода и часть формообразования. Доминирующие цвета белый и серебряный. Кресло – шар, шарообразные радио и телевидение. Стримлайн. Космические мотивы в одежде и мебели.

Футуристическая мода 60-х. В середине 60-х годов коллекция французского кутюрье Андре Куррежа (Andre Courreges, 1923), вышедшая в начале 1965 года, в корне изменяет моду. Коротко подстриженные модели, одетые в белое или черно-белое, в узких прямых брюках, коротких юбках и коротких белых сапогах, белых очках с прорезью для глаз, произвели сенсацию. Это была мода для молодежи, которая должна была сознательно выделиться из общепринятой моды. Она была составной частью нового красивого мира, в котором фантазии будущего с помощью технического прогресса переносятся в реальность. Андре считал, что в будущем все будут одеваться подобным образом - в платья обтекаемых форм, носить плоскую обувь или комбинезоны астронавтов. Возник футуристический стиль в моде.

70-е. Нежелание жить  по послевоенным признакам. Конфликт  «отцы и дети». Хиппи – идея  свободы от всего. Ранняя эстетика  хиппи – натуральность (не  мыться, не расчесываться). Длинные волосы, рваные джинсы и длинные юбки. Этнические мотивы.

 

В конце 50-х в обстановке процветающего «американского общества потребления» возникло новое течение  в искусстве - поп-арт.

Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, возвышая ее самые обыденные, ординарные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновение из так называемого «низменного искусства». Тщательно изучая рекламу, мир средств массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляя в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские бланки.

Самыми известными представителями  поп-арта были Роберт Рашенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс и Джеймс Розенквист, Энди Уорхол.

Дизайнеры стиля «поп»  искали менее серьёзный смысл в своих произведениях. Это стиль для молодых. Идея производства добротных и долговечных товаров уходит на второй план, уступая место лозунгу «сегодня использовал – завтра выбросил».

Особой популярностью  пользовался пластик.

В связи с тем, что поп-дизайн ориентировался, главным образом, на молодежный рынок, товары были дешевыми и, как следствие, часто посредственного качества.

Характеристика: поп-арт, культивирование мусора, одноразовая мода (одел – выбросил). Платья из бумаги, мебель из гофрокартона. Комиксы, пластиковая мебель. Поп-арт – анти-искусство, радикальный дизайн. Низменное искусство. Вдохновлялись обыденными вещами: банки, электроника, страницы журналов, банковские билеты, фотки. Чудовищные размеры, гигантизм. Энди Уорхол (Мерлин, банки), Лихтенштейн, Джонс. Сексуальная свобода. Создание инсталляций и трехмерных конструкций. Сборно-разборные вещи, чтоб человек мог фантазировать и создавать индивидуальные вещи. Оп-арт (Вазарелли). Анти-дизайн. Студия Алхимия. Соединение популярной культуры и радикального китча. Коллекции «баухауз1» и «баухауз2».

 

Поп-арт в графическом дизайне проявляется в следующем: 
а) использование ярких цветов; 
б) мультипликационная стилистика образов: двухмерность, декоративность; 
в) гибкость и пластичность двухмерных локальных пятен, выразительные мягкие силуэты; 
г) неожиданные композиционные решения, динамичность композиции; 
д) сознательная китчевость, использование техники коллажа; 
е) использование образов звезд политики, кино и шоу-бизнесса.

Оп-арт. Новым в подходе оп-арта было то, что это искусство являлось строго беспредметным. Оно развилось частично из геометрической абстракции. Значительное место в оп – арте занимают конструкции, воздействие которых зависит от света и движения и не может быть достаточно передано в альбомной репродукции.

Направление оп-арт, названное  из-за увлечения его сторонников  оптическими эффектами, с учётом физико-психологических особенностей зрительного восприятия. Художники  этого направления были заняты в  основном созданием оптических иллюзий.

Главным теоретик оп-арта –  Виктор Вазарели. Большая часть его работ выполнена в чёрно-белой гамме. Он разрабатывал концепции кинетизма и двухмерности картинной плоскости. Применив аксонометрическую проекцию, он имитировал движение самого зрителя и тем самым достигал особой динамики.

Графический дизайн быстро ассимилировал приемы оп-арта: в  логотипах, обоях, рекламных плакатах стали использовать оптические иллюзии или хотя бы повторяющийся рисунок из кругов, полосок и т. п.

Поп-дизайн вместе с другими  течениями антидизайнерской направленности противостоял «современному движению», заявлявшему «меньше – значит лучше», и привел к радикальному дизайну 70-х.

«Радикальный  дизайн» возник в конце 60-х как своеобразная реакция протеста на господствующий в это время «хороший дизайн». Возникший одновременно и близкий ему по понятию «Антидизайн» отличался несколько большей экспериментальной направленностью и политизацией. Он старался изменить общественное восприятие модернизма посредством утопических предложений и проектов.    Желание проектировать элегантные изделия больше не было, старались думать концептуальнее и глобальнее, по новому смотреть на процесс предметного формообразования.

Радикально настроенная  молодежь искала новые альтернативные формы. В итоге она предпочла  делать «дизайн без предметов» –  дизайн поведения, отказавшись от канонических методов проектирования и заменив  их игрой. 

Антидизайн - это не просто игнорирование или незнание законов дизайна. Это сознательное их несоблюдение, цель которых намеренно запутать человека, осознанно дать ему запрашиваемую информацию в таком виде, чтобы ему было максимально трудно ей воспользоваться. Начало использования в 60-х гг новых материалов пришлось как нельзя кстати для выражения новых настроений представителей «радикального дизайна». Итальянская мебель приобретает всё большую экстравагантность - надувные диваны, кресла, подушки и даже лампы. И несмотря на своеобразие формы, нетрадиционная мебель была очень удобной, благодаря использованию новых технологий набивки, что произвело переворот в производстве мягкой мебели в Италии. Милан, Флоренция, Турин стали основными центрами сосредоточения «радикального дизайна». Создаваемые «радикальными дизайнерами» рисунки, фотомонтажи, чертежи утопических проектов выражали протест против существующего дизайна, а конкретные объекты были редкостью, а если и создавались, то носили ироничный или провокационный характер.

Классическим образцом «Антидизайна» является кресло-мешок «Sasco» итальянских дизайнеров (Пьеро Гатти, Чезаре Паолини, Франко Теодоро, 1968). Несмотря на «антидизайнерские» декларации, с точки зрения выполнения главной функции — удобно сидеть, кресло-мешок безупречен. Кожаная оболочка не туго наполнена пластмассовыми гранулами. Наполнитель легко принимает форму, удобную для сидящего, и столь же услужливо меняет ее для следующего пользователя.

Основными центрами «Радикального  дизайна» в Италии были Милан, Флоренция, Турин, где объединенные в группы дизайнеры занимались развитием  кардинально нового направления  в поисках «человеческого я». Конкретные объекты создавались все реже, а если и создавались, то с политическим, ироничным, провокационным смысловым  содержанием, так как философия  «радикального дизайна» была полностью  антикоммерческой. Формы заимствовались из поп-арта и дизайн утопии.

Участники движения “радикальный дизайн” считали, что модернизм  больше не является передовым течением и движущей силой культуры. Радикальный  дизайн предпочитал проектированию новых продуктов разработку альтернативной среды обитания, нового жизненного пространства. Вскоре движение стало  доминантным в мире дизайна, в  нем принимали участие такие  дизайнеры, как Гаэтано Пеше, Алессандро Мендини, Андреа Бранци и многие другие.