Культура Древней Греции

Введение

Культура Древней  Греции

Культура Древней Греции существовала с XXVIII века до н.э. и до середины  II  века до н.э. Её также называют «античной» - чтобы отличить от других древних культур, а саму Древнюю Грецию – Элладой, поскольку так называли свою страну сами греки. Наивысшего подъёма и расцвета древнегреческая культура достигла в V – IV веках до н.э., став исключительным, неповторимым и во многом не превзойдённым феноменом в истории мировой культуры.

Расцвет культуры Древней  Эллады оказался столь удивительным, что до сих пар вызывает глубокое восхищение и даёт основание говорить о настоящей загадке «греческого чуда». Суть этого чуда состоит, прежде всего,  в том, что только греческому народу почти одновременно и практически во всех областях культуры удалось достичь невиданных высот. Никакой другой народ – ни до, ни после – не смог сделать ничего подобного.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Скульптура Древней  Греции

Древнегреческая скульптура является совершенным созданием античной культуры наряду с эпосом, театром и архитектурой и во многом до сих пор сохраняет значение нормы и образца. Мраморные и бронзовые статуи мастеров Древней Эллады, барельефы и горельефы, многофигурные композиции, украшавшие фронтоны греческих храмов, дают возможность представить себе зарю европейской цивилизации.

Мы привыкли видеть античные образы благородно-невозмутимыми в  своей мраморной белизне. Для  русского зрителя большую роль в  этом играют знаменитые гипсовые слепки, сделанные по античным образцам для  учебных целей по инициативе И.В. Цветаева и положившие начало собранию Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. На самом деле большинство древнегреческих скульптур были ярко раскрашены, а детали (вожжи, поводья коней, мелкие украшения одежды) изготовлены из золоченой бронзы. Поэтому процессия афинских граждан в день праздника великих Панафиней на барельефном фризе Парфенона скорее должна была бы напомнить современному зрителю разноцветный цыганский табор, в котором смешались колесницы, всадники, боги – простые и доступные, как люди, и эллины – прекрасные, как боги (1).

 

Но и без краски эти мраморные рельефы (высотой  один метр), развезенные по музеям мира, вызывают восхищение. Недаром профессор  Б. Фармаковский сравнил их с музыкой. На лекции в Санкт-Петербургском университете в 1909 г. он сказал: «Красоте фриза Парфенона будут удивляться все века и народы, она выходит за пределы места и времени, как красота Девятой симфонии Бетховена или Реквиема Моцарта».

 

Современные представления  о греческой скульптуре неполны, многие памятники были разрушены во время средиземноморских переделов мира, поэтому судить о них остается только по копиям римских мастеров эпохи расцвета империи (I–II вв. н.э.), которыми римляне украшали свои дома и храмы. И хотя статуи мускулистых атлетов-олимпийцев работы Мирона и Праксителя часто ставились в общественных местах (например, в термах), больше всего была востребована созданная Праксителем скульптура отдыхающего грациозно-ленивого Сатира (2), по характеру более римская, имперская, нежели демократическая греческая.

 Эстафету по сохранению  античного греческого искусства  у Древнего Рима приняла Италия  эпохи Возрождения. В это время  начинается коллекционирование  античных памятников. А в середине XVIII в. немецкий просветитель И.  Винкельман издал труд «История искусства древности» – первое научное исследование памятников античной скульптуры.   

В начале XIX в., особенно в  период наполеоновских походов в  Италию и Африку, вновь разгорелся интерес к античному искусству. В Европе создаются главные музеи антиков. Ведутся многочисленные раскопки не только в слоях, покрывающих древние города, но и в море. Со дна Средиземного моря до сих пор извлекают бронзовые статуи – греческие оригиналы.

 

Сведения о древнегреческих  скульптурах можно получить и с помощью нумизматики. Скульптурную группу «Афина и Марсий» Мирона для афинского акрополя смогли реконструировать по рельефу на древней афинской монете.

 

Основная часть

В истории скульптуры Древней Греции можно выделить четыре периода: архаический (VII–VI вв. до н.э.); раннеклассический, или строгий, стиль (первая половина V в. до н.э); классический (вторая половина V – начало IV в. до н.э.); позднеклассический (IV в. до н.э.). Границы периодов расплывчаты, потому что творчество скульпторов могло как «обгонять» свое время, так и «отставать» от него. Главное, что греческая скульптура развивалась в едином направлении – реалистическом. Античный мастер в своем творчестве мыслил конкретными образами по принципу подражания природе (согласно Аристотелю). Благодаря преемственности периодов скульптура изменялась, но сохраняла специфические стилевые черты.

Внимательный зритель  всегда определит вехи в истории  греческой скульптуры и не спутает  декоративность архаических кор  и куросов со строгими аналитическими статуями Поликлета, а гармонию высокой классики Фидия с позднеклассическими страстными произведениями Скопаса.

Главная тема пластического  искусства Древней Греции – человек  – разрабатывалась и доводилась греческими ваятелями до совершенства. Скульптура, как правило, носила общественный характер. Получая заказ на статую, мастер стремился воплотить в ней эстетический идеал, понятный всем его современникам.

Логическое построение художественного образа способствовало легкости его понимания, что, в свою очередь, диктовало строгий ритм и ясность композиции. Так возникло искусство, в основе более рационалистическое, чем эмоциональное, хотя и чувств с каждым новым периодом прибавлялось.

Сочетая в своих произведениях  идеальность форм и возвышенность  содержания, греческие мастера предпочитали легендарные сюжеты, а сцены повседневной жизни, процессы труда изображали реже.

Истоком греческой скульптуры с некоторыми оговорками (слишком  мало осталось материальных свидетельств) можно назвать крито-микенскую  культуру. По легенде, первыми ваятелями Греции были «дедалиды», ученики Дедала – искусного архитектора и скульптора царя Миноса. Плита с рельефом Львиных ворот микенского акрополя – единственный образец монументальной каменной скульптуры в искусстве эгейского мира (3).

С самого появления скульптуры (около 670 г. до н.э.) совершенствовалась обработка художественного материала. Статуи отливали из бронзы (4), высекали из песчаника, известняка, мрамора, вырезали из дерева, лепили из глины и затем обжигали (т.н. терракота). Статуи гравировались, глаза, губы, ногти были вставными. Применялась хрисоэлефантинная техника (5).

Самый распространенный тип архаической  статуи – стоящие мужские и  женские фигуры, задрапированные  в длинные одежды. Они представляли богов, богинь или жертвователей, имена которых были начертаны на базах или самих скульптурах. В VI в. такие скульптуры в большом количестве украшали храмы, площади, некрополи. Их авторами были ионийские мастера из городов Малой Азии или с островов Ионийского архипелага.

На примере статуй женщин, найденных на острове Самос, – «Гера Самосская» и «Богиня с зайцем» (обе скульптуры сохранились без головы) – можно проследить характерные особенности архаической скульптуры. Фигура «Богини с зайцем» фронтальна и неподвижна, мелкие складки хитона, словно каннелюры колонны, подчеркивают эту неподвижность. Зато фигурка зайца передана греческим мастером свободно и живо. Такое соединение условности форм с живыми деталями характерно для архаики. Статуя не была изображением богини, она представляла жрицу или простую женщину, идущую с дарами к богине Гере от богатого человека, носившего азиатское имя Херамий, начертанное на складках хитона (6).

Куросы, коры

        Наиболее ранние из дошедших до нашего времени произведений – куросы и коры, созданные в эпоху архаики. Фигуры куросов (юношей) устанавливались в общественных местах, в особенности вблизи храмов. Эти юные и стройные, сильные и высокие (до 3м) обнажённые атлеты получили название «архаических Аполлонов», так как воплощали мужской идеал красоты, молодости и здоровья. Куросы удивительно похожи друг на друга, даже их торжественные позы всегда одинаковы: прямо стоящие статичные фигуры с выставленной вперёд ногой, руки сжаты в кулак ладонями, вытянуты вдоль тела, черты лица лишены индивидуальности. Они напоминают образцы египетской пластинки, но всё же в них чувствуется стремление передать строение человеческого тела, подчеркнуть физическую силу и жизненность.

Фигуры кор (девушек) – воплощение изысканности и утончённости. Их позы так же однообразны и статичны, но как при этом изящны их хитоны и плащи с красивыми узорами из параллельных волнистых линий, как оригинальна цветная кайма на краях. Круто завитые локоны, перехваченные диадемами, разделены пробором и спускаются на плечи длинными симметричными прядями. И ещё одна характерная для всех кор деталь: загадочная улыбка.

Греческая скульптура представлена именами  таких ваятелей, как Поликлет, Мирон  и Скопас, Пракситель, Лисипп и Леохар. Они создали произведения, служившие  примером для подражания скульпторам  последующих времён.

      Скульптурные каноны Поликлета и Мирона

Настоящим гимном величию и духовной мощи Человека стали произведения Поликлета (вторая половина V в. до н. э.). Излюбленный образ античного мастера – стройный юноша атлетического телосложения, которому присущи «все добродетели». Его духовный и физический облик гармоничен, в нем нет ничего лишнего, «ничего сверх меры». Воплощением такого идеала явилось замечательное произведение Поликлета «Дорифор».

Перед нами греческий образец совершенного человека, в котором сочетаются физическая красота и одухотворённый облик. Юный ангел держит на плече тяжёлое и длинное копьё. Свободно и уверенно стоит он на земле. Юноша погружен в собственные мысли, его лицо спокойно и благородно, осанка естественна и величава. С удивительным мастерством художнику удалось предать пластику здорового мускулистого тела копьеносца. В этой скульптуре использован хиазм  - основной приём древнегреческих мастеров для изображения скрытого движения в состоянии покоя. Плечи атлета развернуты, но левое (с копьём в руке) приподнято чуть выше другого. Вес тела приходится на правую ногу, а левая свободно опирается на землю кончиками пальцев. Колени оказываются на разном уровне, симметрия правой и левой сторон тела нарушается. Такое изображение позволяет передать контраст напряжения и расслабления мышц.

Известно, что Поликлет задался  целью точно определить пропорции  человеческой фигуры, согласно своим  представлениям об идеальной красоте. Вот некоторые результаты его  математических вычислений, которые будут использованы художниками будущих поколений. Голова человека должна составлять 1/7 всего роста, лицо и кисть руки – 1/10, ступня – 1/6. Свои мысли и расчёты Поликлет изложил в теоретическом трактате «Канон», который, к сожалению, не сохранился до наших дней.

Скульптором, воплотившим идеал  силы и красоты Человека, стал Мирон (середина V в. до н. э.). Время не сохранило ни одного его подлинного произведения, все они дошли  до нас в римских копиях, но и по ним можно судить о высоком мастерстве этого художника. Обратимся к одному из шедевров древнегреческой скульптуры, знаменитому «Дискоболу».

В образе юноши-атлета воплощены черты  прекрасного и гармонически развитого  человека, в котором красота физически  тренированного тела сочетается с нравственной чистотой и духовным благородством. Энергичным, мощным движением левого плеча вперёд он приготовился к метанию диска. При этом он испытывает колоссальную физическую нагрузку, но внешне остаётся спокоен и сдержан. Создаётся впечатление, что скульптора интересует не столько физическое усилие атлета, сколько его волевая сосредоточенность и сила духа. Мастерски запечатленное мгновение делает это произведение вечным и непревзойдённым памятником искусства.

Статую лучше всего рассматривать  спереди. Здесь движение предельно сконцентрировано во всех его составляющих. При взгляде сбоку поза атлета воспринимается несколько странной, а экспрессия движения угадывается с большим трудом. О своеобразии этой скульптуры так сказал один из римских ораторов:

«Где ещё можно найти такое же искажённое и сложное движение, как у Дискобола? А между тем, если бы кто-нибудь стал упрекать произведение Мирона за отклонение от правильной нормы, разве не извратил бы он этим самым искусство, в котором ценно именно новое и трудное изображение!»

Скульптурные  творения Скопаса и Праксителя

Характерные черты скульптуры первой половины IV в. до н. э. отразились в произведениях великих мастеров – Скопаса и Праксителя. Несмотря на существующие между ними различия, их объединяет стремление к передаче энергичных действий, а главное – мира чувств и переживание человека. Страсть и грусть, мечтательность и влюблённость, неистовство и отчаяние, страдание и горе становятся объектом творчества этих художников.

Скопас (420 – ок. 355 гг. до н. э.) был уроженцем острова Парос, богатого мрамором. Именно с этим материалом работал великий скульптор, но почти все его произведения уничтожены временем. То немногое, что сохранилось до наших дней, свидетельствует о высочайшем художественном мастерстве и виртуозной технике обработки мрамора. Страстные, порывистые движения его скульптур, кажется, теряющих равновесие, сцены битвы с амазонками передают пыл сражения и упоение боем.

Одним из совершеннейших творений Скопаса является статуя Менады – нимфы, воспитавшей юного бога Диониса. Скопасу принадлежат также многочисленные изваяния на фронтонах, рельефные фризы, круглая скульптура. Он так же известен как зодчий, принимавший участие в украшении знаменитого Галикарнасского мавзолея.

Пракситель (ок. 390 – 330 гг. до н. э.), уроженец Афин, вошёл в историю скульптуры как вдохновенный певец женской красоты. Образы атлетов, по всей вероятности, не очень интересовали художника. Если он и обращался к идеалу прекрасного юноши, то прежде всего подчёркивал в его фигуре не физические качества, а стройность и изящество, радость и безмятежное счастье. Таковы «Гермес и Дионис», «Отдыхающий Сатир» и «Аполлон Сауроктон» (или Аполлон, убивающий ящерицу).