Шпаргалка по "Театру, музыке и кино"

В труппу классического индийского театра непременно входили сухтрадхара (ведущий актёр, одно временно и постановщик, и руководитель театра), нати (жена первого актёра и ведущая актриса), стхапака (первый помощник, гримёр и костюмер), приперсвика (второй помощник, выполнявший различные поручения).Особая форма театра Индии -классический танец. По существу это не танец в чистом виде, а танец драма, в котором соединены танец, слово, иногда пение. В XVII в. на юге Индии, в краю прозрачных озёр и лагун, песчаных пляжей, рисовых полей и плантаций пряностей, складывается пантомимическая танцевальная драма - катхакали.

 Представление даётся  либо во дворе храма, либо под  открытым небом. Драма, рассказывающая  о богах и демонах, их любви  и ненависти, обычно разыгрывается  на чёрном фоне ночи. Актёры  в ярком гриме (зелёный, красный  и чёрный) и масках появляются  из тьмы и исчезают во тьме. На протяжении всего действия  они не произносят ни слова. Прологом спектакля служит яростный  бой барабанов, который призван  наполнить актёра энергией. Мастерство  исполнителя катхакали постигают с детства под руководством гуру. Актёр должен понимать внутреннюю суть изображаемого - будь то люди, цветы, птицы и т. д. Особое внимание уделяется точности и выразительности движения.

Билет №12

1. Романтизм в музыке.

Романтизм явился своеобразной реакцией на Просвещение с его культом разума. Его возникновение было обусловлено разными причинами. Важнейшая из них – разочарование в итогах Великой французской революции, не оправдавшей возлагавшихся на нее надежд.

Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и бездуховна, она пронизана духом мещанства, филистерства идостойна только отрицания. Мечта – это нечто прекрасное, совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом.

Если в литературе и живописи романтическое направление в основном завершает свое развитие к середине XIX столетия, то жизнь музыкального романтизма в Европе гораздо продолжительнее. Музыкальный романтизм как направление сложился в начале XIX века и развивался в тесной связи с различными течениями в литературе, живописи и театре. Начальный этап музыкального романтизма представлен творчеством Ф. Шуберта, Э. Т. А. Гофмана, К. М. Вебера, Н. Паганини, Дж. Россини; последующий этап (1830—50-е гг.) – творчеством Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, Г. Берлиоза, Ф. Листа, Р. Вагнера, Дж. Верди. Поздний этап романтизма простирается до конца XIX века.

В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается проблема личности, причем в новом освещении – в ее конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Очень часто с ней связана мысль о творческой личности: человек одинок, когда он является именно незаурядной, одаренной личностью. Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков («Любовь поэта» Шумана, «Фантастическая симфония» Берлиоза с ее подзаголовком– «Эпизод из жизни артиста», симфоническая поэма Листа «Тассо»).

Присущий романтической музыке глубокий интерес к человеческой личности выразился в преобладании в ней личного тона. Раскрытие личной драмы нередко приобретало у романтиков оттенок автобиографичности, который вносил в музыку особую искренность. Так, например, многие фортепианные произведения Шумана связанны с историей его любви к Кларе Вик. Автобиографический характер своих опер всячески подчеркивал Вагнер.

Внимание к чувствам приводит к смене жанров – господствующее положение приобретает лирика, в которой преобладают образы любви.

С темой «лирической исповеди» очень часто переплетается тема природы. Резонируя с душевным состоянием человека, она обычно окрашивается чувством дисгармонии. С образами природы тесно связано развитие жанрового и лирико-эпического симфонизма (одно из первых сочинений – «большая» симфония C-dur Шуберта).

Настоящим открытием композиторов-романтиков стала тема фантастики. Музыка впервые научилась воплощать сказочно-фантастические образы чисто музыкальными средствами. В операх XVII – XVIII веков «неземные» персонажи (как, например, Царица ночи из моцартовской «Волшебной флейты») разговаривали на «общепринятом» музыкальном языке, мало выделяясь на фоне реальных людей. Композиторы-романтики научились передавать фантастический мир как нечто совершенно специфическое (при помощи необычных оркестровых и гармонических красок). Яркий образец – «Сцена в волчьем ущелье» в «Волшебном стрелке» Вебера.

В высшей степени характерен для музыкального романтизма интерес к народному творчеству. Подобно поэтам-романтикам, которые за счет фольклора обогащали и обновляли литературный язык, музыканты широко обращались к национальному фольклору – народным песням, балладам, эпосу (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс, Б. Сметана, Э. Григ и др.). Воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, они опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возрождали старинные диатонические лады. Под влиянием фольклора содержание европейской музыки ярко преобразилось.

Важнейшим моментом эстетики музыкального романтизма была идея синтеза искусств, которая нашла наиболее яркое выражение в оперном творчестве Вагнера и в программной музыке Берлиоза, Шумана, Листа.

2.Истоки белорусского театра: народные игры, обряды. Скоморохи и роль их творчества в становлении театрального искусства Беларуси.

Белорусское сценическое искусство зародилось в то время, когда человек начал осознавать свое место в окружающем мире. Истоками послужили на родные верования, ритуалы, обряды. Сначала в обрядах, хороводах, народных играх принимали участие все, без разделения на актеров и зрителей.

Разделение началось с достижения определенного уровня цивилизации, когда возникла необходимость в опытных мастерах, специалистах своего  дела. Первыми профессиональными белорусскими актерами были скоморохи, которые до XI века назывались по-разному: гудцы, плясцы. В их творчестве синтезировались все виды сценического искусства - драматическое, музыкальное, вокальное, танцевальное, цирковое, эстрадное. Традиции скоморохов,  которые выступали в разных формах фольклорного театра, дожили до XX века.

Широкое распространение с начала XVI века получил школьный театр. Он функционировал во многих городах и местечках при католических и православных духовных учебных заведениях. Так в Минской губернии возник театр при иезуитском коллегиуме. Он был польского происхождения и стал средством борьбы католицизма против право-славья и лютеранства. Сюжеты для театра заимствовались из Библии и Евангелия, а спектакли ставились исключительно на религиозные темы. Они проходили на торжественных школьных актах или по случаю политических праздников.

В свецкой жизни значительное место заняли сценки интермедий на свецкие темы, преимущественно комедийного, бурлескного плана. Еще большей популярностью и народной любовью пользовался кукольный театр батлейка. Показы проходили не только в городах, но и в отдаленных крестьянских домах. Батлейка на протяжении долгого сущест-вования переросла в уникальную театральную газету, поражающую и удивляющую зрителей и в нашем XX веке.

Наивысшим достижением фольклорного театра стала народная драма, которая сильно приблизилась к профессиональному искусству. Немногочисленная по каноническим сюжетам,  она вновь же очень богата  интермедийными народными сценами.

Многогранной выдалась театральная жизнь в XVIII веке. В этот период были основаны многие частные, городские и крепостные театры. 13 июня 1746 года в Альбе под Несвижем была сыграна комедия В.Радивила "Дасцiпнае каханне", ровно на десять лет раньше, чем появился первый спектакль в Ярославле "отце русского театра" Ф.Волкова. Работали коллективы в Несвиже, Слониме, Гродно, Шклове, Могилеве, Чечерске и в ряде других городов и местечек. Так в конце XVIII века в губернских городах Беларуси были построены зимние и летние театры. Строительство проходило на пожертвования и казенные деньги. Открывались кафе-шантаны - рестораны с возвышением  для сценических представлений, репертуар которых состоял из песен, романсов, танцев прошлых лет, часто непристойного характера. Строились цирки, балаганы, устанавливались льготы для зазывания публики.

С 40-х годов XIX столетия В.Дунин-Марцинкевич ведет целенаправленную работу по созданию белорусской профессиональной драматургии и организации национального театра современного типа. Усилия завершились постановкой 9 февраля 1852 года в Минске спектакля "Сялянка" на либретто В.Дунина-Марцинкевича , музыку С.Манюшки и Кржижановского, выступал симфонический оркестр под руководством Д.Стефановича. После восстания 1863 года выступления театра на белорусском языке были запрещены царскими властями, и на протяжении нескольких лет спектакли шли нелегально. Было разрешено гастролировать по губерниям Беларуси русским и украинским театрам, а также труппам императорских артистов. В 1890 году был построен городской театр архитекторами Введенским и Козловским. Теперь это здание театра им. Я. Купалы.

Возрождение белорусского сценического искусства происходило в начале XX века. Фундамент закладывали драматурги К.Каганец, Я.Купала, Я.Колас, К.Буйло, Ф.Олехнович, Л.Радевич и другие. Театральную работу вели И.Буйницкий, А.Бурбис, Ф.Жданович.

Первая половина и середина 20-х годов прошла в общем русле белоруссизации и было немало достижений в области драматургии, режиссерского и актерского творчества. С конца 20-х и в 30-е годы усиливается идеологическое давление, ряд драматургов и театральных деятелей были репрессированы. Большой потерей стало закрытие в 1937 году Третьего белорусского театра.

В годы Великой Отечественной войны крупнейшие коллективы были эвакуированы в тыл, где продолжали ставить спектакли. На оккупированной территории работал Минский белорусский театр, в партизанских отрядах развивалась самодеятельность.

В послевоенный период большинство театров возобновило работу в Беларуси, ставились в основном спектакли на современную и военную тематику.

В конце 50-х начале 60-х годов на сценическое искусство меньше давила идеология. Это позволило осуществлять стилистические интерпретации, обогащалась образная палитра спектаклей. В 90-х годах возможность самовыражения переросла в создание альтернативных театров.  

Сегодня в Беларуси систематично проводятся фестивали, конкурсы, смотры сценического искусства. В Гомеле фестиваль "Славянскiя тэатральныя сустрэчы" из регионального перерос в международный. Международный фестиваль "Белая вежа" проводится в Бресте. Показ спектаклей малых форм проходит в Молодечно на фестивале "Маладзечанская сакавiца". В Минске периодически организовываются международные фестивали кукольных театров, а также драматических моноспектаклей. Вместе с этим белорусские коллективы все чаще участвуют в фестивалях, которые проводятся в Англии, Германии, Польше, Испании. О их участниках и достижениях более полно Вы сможете узнать, посетив ссылки на историю отдельных театров.

Билет №13

1. Музыкальный импрессионизм.

Музыкальный импрессионизм (фр - впечатление) - музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века - начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») - и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде, первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле «Послеполуденный отдых фавна». Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет, прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Достаточно только перечислить названия наиболее ярких произведений Дебюсси или Равеля, чтобы получить полное представление о воздействии на их творчество как зрительных образов, так и пейзажей художников-импрессионистов. Так, Дебюсси за первые десять лет пишет «Облака», «Эстампы».

По известному выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе.

Симфоническая сюита «Море от рассвета до полудня» достойным образом подытоживает пейзажные зарисовки Дебюсси. Несмотря на часто афишируемое личное неприятие термина «импрессионизм», Клод Дебюсси неоднократно высказывался как истинный художник-импрессионист.

Одно из произведений Сати - «Героический прелюд ко вратам неба».

Сильное влияние на творчество Дебюсси и Равеля оказало также и творчество самых ярких из представителей «Могучей кучки»: Мусоргского (в части музыкального языка и выразительных средств), а также Бородина и Римского-Корсакова (как в плане гармонических, так и оркестровых изысков).

Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.

Развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока, негритянских спиричуэлс США и др.

В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма - это арфа и флейта.

2. Советское немое кино – фильмы С Эйзенштейна, выразительная пластика В. Пудовкина, оригинальность художественного решения в творчестве А. Довженко.

Дата рождения: 10.1.1898

Дата смерти: 11.2.1948

Режиссер, сценарист, продюсер, актер, художник.

Поиски современного кинематографического языка -- открытие новых возможностей монтажа, ритма, крупного плана, ракурса -- были осуществлены в снятой на «Мосфильме» серии историко-революционных картин: «Стачка» (1925), «Броненосец Потемкин» (1925), «Октябрь» (1927, совместно с Г. В. Александровым). Эйзенштейн добился синтеза действия и изображения, слова и музыки. Для его стиля характерны метафоричность, экспрессия, тяга к символической образности.

В 1924 году Эйзенштейн снимает полнометражный фильм «Стачка», который получает в 1925 году на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже серебряную медаль. В 1958 на Всемирной выставке в Брюсселе он возглавил список 12 лучших фильмов всех времён. В этом фильме Эйзенштейн впервые в мировом кино показал революционную массу как движущую силу истории. Идейно-эстетические принципы "Стачки" были развиты и углублены в кинофильме "Броненосец „Потёмкин" (1925), одном из высочайших достижений советского и мирового киноискусства. Фильм с классическим совершенством воплотил тему революции как борьбы за классовое равенство, свободу и человеческое достоинство. В 1952 году в списке десяти лучших фильмов всех времён и народов, составленном 58 кинорежиссёрами Европы и Америки по предложению Бельгийской Синематеки, «Броненосец „Потёмкин“» занял первое место.