Испанская живопись XVII века

Государственное образовательное учреждение

среднего профессионального образования

педагогический колледж №1 Санкт-Петербурга

имени Н. А. Некрасова

Домашняя контрольная работа

по Мировой художественной культуре

ТЕМА: Испанская живопись XVII века

Выполнила: студентка 3-Б группы

Холодова Т. И.

Специальность: дошкольное образование

                                                                                  Преподаватель: Ганцева Н. Г.

Санкт-Петербург

2010 – 2011

Содержание

Введение                                                                                                                   3
1. Золотой век испанской живописи                                                                      4
2. Хусепе де Рибера                                                                                                 6

3. Франсиско Сурбаран                                                                                         11

4. Эль Греко                                                                                                           14
5. Диего Веласкес                                                                                                  15
Заключение                                                                                                            18
Литература                                                                                                             19

Введение

            В начале XVI в., при короле Карле V, Испания наладила тесные связи со многими европейскими государствами, особенно с Италией. Знакомство испанских живописцев с произведениями итальянского Возрождения помогло им овладеть перспективой, научило пользоваться светотенью для передачи объема форм. Они познакомились с анатомией и стали правильнее изображать человеческое тело, научились писать на холсте масляными красками. Но идея безграничной веры во всемогущество человека, присущая итальянскому Возрождению, не могла быть воспринята полностью в стране, где велико было влияние церкви с ее могучим орудием — инквизицией.
Наибольшего могущества церковь достигла при короле Филиппе II, который выстроил самое знаменитое в Испании этого столетия здание Эскориал — новую королевскую резиденцию, которая служила одновременно дворцом, монастырем и усыпальницей королей. Король Филипп пригласил для работы в Эскориале многих итальянских живописцев. Тогда же в Мадрид приехал художник по имени Доменико Теотокопули, грек по национальности, который позднее вошел в историю испанского искусства под именем Эль Греко.
         К концу XVI столетия в Испании уже явно обнаружились все признаки экономического упадка, приведшего к политическому распаду мировой монархии Карла V и Филиппа II и к утрате того господствующего положения, которое занимала Испания в Западной Европе. Безысходность и отчаяние, овладевшие все более широкими слоями народа, сопровождались усилением мистических настроений, религиозного фанатизма, восприятием мира как некоего сновидения. Но, несмотря на все ужасы инквизиции и деспотизма властей, вторую половину XVI – начало XVII веков принято считать «золотым веком» испанской культуры.

1. Золотой век испанской живописи

              Испания XVII столетия - одна из сильнейших мировых держав. Ее владения на разных континентах Земли огромны. Ни одна европейская страна не имела таких обширных колоний с колоссальными богатствами. Но почему-то рядовые испанцы от этого не выиграли. Золото и серебро попадало из Испании в кладовые банков Франции и Италии, Англии и Германии. Хозяйство разваливалось, система управления пришла в негодность. Феодализм и монархия привели государство к кризису. Громадные средства уходили на ведение долгих, разорительных войн, на содержание придворных при королевском дворе и церковь. Король, знать и инквизиция безраздельно властвовали на Пиренейском полуострове. Свободомыслие и безбожие подавлялись без пощады. И все же Испания совсем не та, что была раньше. Отважные мореплаватели и путешественники, уроженцы этой страны, начали осваивать обширный Американский континент. Испанские конкистадоры приходили в заморские страны как захватчики и насильники. Но за морями и океанами открывался и новый мир. Перед пришельцами из Испании возникала панорама иной жизни, иных законов, верований и обычаев. Мир оказался гораздо шире, нежели представлялось раньше. В Испании усваивают гордые мысли о назначении человека, высказанные итальянскими гуманистами эпохи Возрождения, почитают замечательных ученых и мыслителей от англичанина Т. Мора до итальянца Г. Галилея. Именно в этой стране написана бесстрашная и насмешливая книга "Дон-Кихот" М. Сервантеса, в которой в полной мере выразился талант испанского народа. Действительно, в течение длительного времени искусство и литература развивались здесь очень медленно, так как испанцы вели изнурительную войну с полчищами арабских завоевателей. Только в конце XV века пришельцы были изгнаны. В последующее столетие Испания становится единым централизованным государством, укрепляет и расширяет свои пределы. В конце XVI века наступает время расцвета искусства, литературы и театра - эпоха, которую по праву называют "золотым веком". Она называется так не потому, что жизнь стала идеальной. Сословное неравенство, произвол власти и террор инквизиции - многое обременяло человека той поры. Искусство и литература представляют правдивую картину этой жизни. Живопись Эль Греко, Веласкеса, Сурбарана и Риберы, поэзия Гонгоры, пьесы Лопе де Вега, Тирс о де Молина, Кальдерона и "Дон-Кихот" Сервантеса утверждают величие и значимость человеческой личности.

2. Хусепе ди Рибера

           Реализм в начале XVII века становился господствующим методом испанской живописи, свойственным не только трактовке светских, но и религиозных сюжетов. Во втором десятилетии валенсийский художник Франсиско Рибальта (1565-1628) писал уже святых так, как будто видел в них нищих испанских монахов. Подобная конкретность образов святых и трактовка их как людей из простого народа, значительных и одухотворенных, особенность испанских религиозных картин «золотого века». Наиболее ярко она воплотилась в творчестве Хусепе ди Риберы (1591 - 1652). Рибера родился в городе Хативе, на юге Валенсии. Совсем молодым он уехал в Италию и больше, никогда не возвращался на родину. В 1613 году Рибера жил уже в Риме. Он изучал там произведения великих мастеров Возрождения, втягивался в круг интересов современных итальянских художников. Его творческий метод формировался в сложной обстановке художественной жизни Рима начала XVII века.

Искусство академистов было чуждо Рибере. Он примкнул к караваджистам. Реалистический метод увлек его своими возможностями - художника волновали впечатления, полученные на улицах большого города, врезывались в память лица, выделенные из толпы. Он зарисовывал в альбоме характерные головы, набрасывал уши, рты, носы. Натура в то время была для него откровением, и он вдохновенно изучал ее, отвергнув на некоторый период иные методы и авторитеты.

К 1620 году Рибера окончательно обосновался в Неаполе. Город в то время входил в испанские владения, и при дворе сменявших друг друга вице-королей, неизменно покровительствовавших художнику, Рибера был всегда окружен соотечественниками. Несмотря на долгие годы жизни в Италии, по духу он всегда оставался испанцем, и его живопись никогда не утрачивала связи с традициями родного искусства.

Первые значительные произведения Рибера создал в области графики. К числу его лучших листов относятся «Святой Иероним» (1621), «Покаяние святого Петра» (1621), «Мученичество св. Варфоломея» (1624), «Пьяный Силен» (1628). Рибера трактует эти сюжеты как события, знакомые ему по жизненным впечатлениям, вносит в них добросовестность наблюдателя, Тщательно прорисовывает тела, увлекает зрителя драматическими или забавными ситуациями. Прославляя героизм святых, он в это время не столько подчеркивает их величие, сколько стремится пробудить в зрителе сочувствие к их страданиям. Античные сюжеты чужды Рибере, как испанцу. Переводя легенду в бытовой план, он акцентирует вульгарность языческой вакханалии.

Рибера достиг высокого совершенства в технике офорта (Офорт - разновидность гравюры. Мастер наносит рисунок иглой по лаку, покрывающему медную пластину; затем нанесенные линии протравливаются кислотой. С полученного таким образом углубленного изображения делаются оттиски). Гравюра обогатила и живопись художника - дала ему мастерство рисунка и композиционных построений, виртуозность трактовки света и тени, глубокое понимание тональных отношений в скупой колористической гамме.

В конце 20-х годов Рибера обратился к живописи. Зрелый мастер, он стремился к искусству более монументальному. Не отказываясь от прежних сюжетов, образов и манеры, он создает теперь картины, в которых содержание трактуется более драматично и насыщенно, а образы становятся более героизированными. Таковы произведения Риберы «Св. Иероним» (1626, Эрмитаж), «Мучение св. Андрея» (1628, Будапешт) и самое знаменитое из них - «Мучение святого Варфоломея» (1630, Прадо).

Величие подвига страдающих и гибнущих за идею людей - главная тема всех этих картин. Идеал своего героя Рибера видит в людях простых, значительных, сильных духом. Их палачи суровы и жестоки. Борьба принимает драматический, напряженный характер.

Композиция картин строится на принципе максимального выделения главного действия - оно вынесено на переднюю площадку, которая смотрится как сценические подмостки: точка зрения художника -- снизу вверх, главные фигуры рисуются на фоне неба, если есть толпа присутствующих, то она угадывается только по отдельным головам, помещенным обычно на более низком уровне. Сочувствующие лица передают отношение художника к происходящему.

Выбор драматических моментов; сильные, разнонаправленные, уравновешивающие друг друга движения; резкая игра света и тени, подчеркивающая объемность форм; строгая колористическая гамма, выдержанная преимущественно в коричневых тонах; живопись тяжеловесная, с плотным красочным слоем, на котором видны следы темпераментной кисти художника, таковы характерные особенности ранних картин Риберы.

Подобно многим современным ему живописцам, Рибера не мог уже ограничиться исключительно религиозными сюжетами. Жизнь непосредственно, прямолинейно вторгалась в его искусство. Среди полотен художника появляются отдельные изображения городских люмпенов, привлекающих его выразительностью облика («Архимед», 1630, Прадо).

Развитие творчества Риберы шло по линии углубления характеристик, нарастания одухотворенности и красоты лиц. Он постепенно отказывался от многофигурных композиций, перенося акцент с драматизма ситуаций на сложность внутренних переживаний героя. Уже как сложившаяся, эта черта проявилась в картине на библейский сюжет «Иаков со стадами Лавана» (1634, Эскориал), изображающей пастуха, в волнении ожидающего прихода) возлюбленной. Человек остается здесь наедине с природой. Пейзаж со сломанным бурей деревом и грозовыми облаками как бы отражает душевную драму героя. Рибера стремится как можно более реально передать окружающее пространство. Колорит картины становится холоднее, более соответствует дневному освещению, фон высветлен для того, чтобы придать ему воздушность. Хотя красочный слой по-прежнему остается плотным, но Рибера теперь накладывает жидкие слои краски на подмалевок так, что они просвечивают один из-под другого. Фон вследствие этого облегчается, становится более богатым в оттенках.

В середине 30-х годов в искусстве Риберы сильнее зазвучали античные мотивы. Он пишет языческих богов, а обращаясь к христианским легендам, воспевает юного святого Себастьяна, Марию Магдалину, Мадонну прекрасными, как герои мифологии. Палитра его в этот период становится сверкающей, многокрасочной. Но даже в этих произведениях Рибера далек от академизма. Его образы лишены абстрактности, чувство современности никогда не изменяло художнику. Рибера постиг главное в искусстве Древней Греции и эпохи Возрождения: свойственную ему силу обобщения, умение увидеть человека во всем его совершенстве. Возвращаясь снова в последующие годы к искусству суровому и сдержанному, Рибера обогащает его новыми достижениями. Очень отличны одна от другой картины «Диоген» (1637, Дрезден), «Святая Инеса» (1641, Дрезден), «Хромоножка» (1642, Лувр). Но все эти образы объединяют возвышенность, одухотворенность, глубина чувств. Они выражают кредо художника - его восхищение силой человеческого духа, независимо от того, философ ли это, хрупкая, но мужественно отстаивающая свою веру девушка или несчастный, искалеченный, но радующийся жизни ребенок. Фигуры одиноко помещены на холсте, выдвинуты на передний план картины, четко рисуются на светлом воздушном фоне, акцентирующем их силуэт.

«Пророки» (1638--1643), написанные Риберой для монастыря Сан Мартино близ Неаполя, становятся олицетворением физической мощи человека и его интеллектуальной силы. Их обычно сравнивают с пророками Микеланджело в Сикстинской капелле, но Микеланджело вдохновляли идеалы гуманизма, а Рибера находит своих героев в самой действительности.

Рибера был чрезвычайно популярен среди живописцев Неаполя. Он оставил после себя многочисленных последователей. Его гравюры широко распространились по всей Европе и еще при жизни художника в 1650 году были изданы в Париже. Но наибольшее признание и славу Рибера завоевал на своей родине, куда постоянно привозили его работы.

В творчестве Риберы и современных ему соотечественников было много сходного. Их роднит острое реалистическое видение, одинаковая трактовка святых как народных героев, интерес к городским низам, свежесть колористического решения картины. Особенно сильным влияние художника было в Севилье, наиболее передовом и просвещенном городе Испании XVII века.

3. Франсиско Сурбаран

Франсиско Сурбаран (1598-1664) родился в Андалусии, в маленьком городе Бадахосе. В Севилью он приехал в 1613 году. Первым его учителем был малоизвестный художник-ремесленник Вильянуэва. По-видимому, Сурбаран посещал также мастерскую Пачеко, так как был близко знаком с Веласкесом. В 1617 году он снова уехал в провинцию - Льерену и оставался там до 1629 года, когда власти Севильи официально пригласили его на должность главного художника города.