Культурология эпохи возрождения

  Он  участвует в разработке теории линейной перспективы, возрождает скульптурный портрет и изображение обнаженного  тела, отливает первый бронзовый памятник. Созданные им образы являются воплощением  гуманистического идеала гармонически развитой личности. Своим творчеством  Донателло оказал большое влияние  на последующее развитие европейской  скульптуры.

  Стремление  Донателло к идеализации изображаемого  человека ярко проявилось в статуе юного Давида. В этом произведении Давид предстает молодым, прекрасным юношей. Красоту его обнаженного  тела подчеркивает изящно изогнутый  торс. Молодое лицо выражает задумчивость и грусть. За этой статуей последовал целый ряд обнаженных фигур в  скульптуре Ренессанса.

  С конца 15 века, когда итальянское  искусство достигает наивысшего подъема, начинается Высокое Возрождение. Для Италии этот период оказался исключительно  тяжелым. Раздробленная и потому беззащитная, она была буквально  опустошена, разграблена и обескровлена вторжениями со стороны Франции, Испании, Германии и Турции. Однако искусство в этот период, как это  ни странно, переживает невиданный расцвет.

  К числу титанов Возрождения относится  прежде всего Леонардо да Винчи (1452-1519). Он был не только гениальным живописцем, скульптором и архитектором, но и  великим ученым, инженером и изобретателем.

  Леонардо  да Винчи, оставаясь гением Возрождения, принадлежал не только своему времени, но и прошлому, и будущему. Он во многом не принял господствовавший в Италии платоновский гуманизм, упрекая Платона  за абстрактную теоретичность. Разумеется, искусство Леонардо было высшим воплощением  идеалов гуманизма. Однако как ученому  ему гораздо ближе был аристотелевский  эмпиризм, и вместе с ним он переносился  в 13 веке, в позднее Средневековье, когда властителем был Аристотель.

  Именно  тогда рождался дух научного эксперимента, в утверждение и развитие которого решающий вклад внес Леонардо. Вместе с тем – опять же, как ученый и мыслитель – он на целые столетия опередил свое время. Леонардо разрабатывал систему мышления, которая получит  распространение после эпохи Ренессанса, в Новое время. Многие его идеи и технические проекты – замыслы самолета, вертолета, танка, парашюта и т.д. – будут воплощены только в 19-20 веках.

  В каждом произведении Леонардо решал  какую-нибудь сложную проблему. Когда  это решение находилось, ему уже  неинтересно было доводить полотно  до завершения. В этом смысле ученый-экспериментатор  в нем брал верх над художником. Здесь он опять же опередил развитие живописи на целые столетия. Только во второй половине 19 века французский  импрессионизм встал на путь подобного  эксперимента, который привел искусство  к модернизму и авангарду.

  Леонардо  избегал всего неподвижного и  застывшего. Он любил движение, действие, жизнь. Его притягивал меняющийся, скользящий формы свет. Он как завороженный следил за поведением воды, ветра. В  своих произведениях он стремился  выразить переходное, меняющееся состояние. Именно такой предстает загадочная и странная полуулыбка его знаменитой «Джоконды». Благодаря этому все  выражение лица становится неуловимым и меняющимся, странным и загадочным.

  Мышление  и рисунок Леонардо рассматривает  как два способа познания действительности, позволяющих анализировать и  понимать ее. Исходя из открытых таким  образом элементов, он осуществляет новый синтез, выступающий одновременно творческим процессом, который в  одном случае приводит к произведению искусства, а в другом – к научному открытию. Леонардо подчеркивает, что  искусство и наука по своей  природе тождественны. У них общий  метод и общие цели. В их основе лежит один и тот же творческий процесс. Однако уже в последующем  – 17 веке пути искусства и науки  разойдутся. Равновесие между ними нарушится в пользу науки.

  Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «Тайная вечерня» в трапезной  монастыря Санта Мария Дела Грацие. Эта работа поражает не только общей  композицией, но и точностью. Леонардо не просто передает психологическое  состояние апостолов, но и делает это в момент, когда оно достигает  критической точки, переходит в  психологический взрыв и конфликт.

  Второй  вершиной творчества Леонардо стал знаменитый портрет Моны Лизы, или «Джоконда». Это произведение положило начало жанру  психологического портрета в европейском  искусстве. При его создании великий  мастер с блеском использовал  весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты  и мягкие полутона, застывшая неподвижность  и всеобщая текучесть и изменчивость, тончайшие психологические нюансы и переходы. Весь гений Леонардо заключен в удивительно живом  взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадочной улыбке, мистической  дымке, покрывающей пейзаж.

  Рафаэль (1483-1520) является одним из самых ярких  гениев Высокого Возрождения. Он пережил  трудное детство, рано лишился матери и отца. Однако затем судьба, не скупясь, ему давала все, что он хотел, - многочисленные заказы, огромный успех и громкую славу, богатство и почет, всеобщую любовь, включая любовь женщин.

  Рафаэль был архитектором и живописцем. Вслед  за Браманте он участвовал в проектировании и сооружении Собора св. Петра, строил капеллу Киджи Церкви Санта Мария  дель Пополо в Риме. Однако невиданную славу ему принесла живопись.

  В отличие от Леонардо Рафаэль полностью  принадлежал своему времени. В его  произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В  них все ясно и прозрачно, все  прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал  прекрасного человека. В его творчестве царит жизнеутверждающее начало.

  Главной темой его творчества стала тема Мадонны, которая нашла у него непревзойденное, идеальное воплощение. Именно ей посвятил Рафаэль одно из ранних своих произведений – «Мадонна Конестабиле», где Мадонна изображена с книгой, которую листает младенец. Уже в этом полотне ярко проявились важные художественные принципы великого художника. Мадонна лишена святости, она выражает не только материнскую  любовь, но воплощает собой идеал  прекрасного человека. В картине  все отмечено совершенством: композиция, цветовая гамма, фигуры, пейзаж.

  Вершиной  в развитии темы Богоматери явилась  «Сикстинская Мадонна», ставшая настоящим  гимном физического и духовного  совершенства человека. В отличие  от всех других Мадонн Сикстинская  выражает неисчерпаемый человеческий смысл. Она сочетает в себе земное и небесное, простое и возвышенное. На ее лице можно прочитать все  человеческие чувства: нежность, робость, тревогу, уверенность, строгость, величие.

  Микеланджело  Буонаротти (1475-1564) является третьим  великим гением итальянского Возрождения. По масштабу личности он приближается к Леонардо. Он был скульптором, живописцем, архитектором и поэтом. Последние  тридцать лет его творчества приходятся уже на Позднее Возрождение. В  этот период в его произведениях  появляются беспокойство и тревога, предчувствие грядущих бед и потрясений.

  Среди первых его творений обращает на себя внимание статуя «Замахнувшийся мальчик», которая перекликается с «Дискоболом» античного скульптора Мирона. В ней  мастеру удалось ярко выразить движение и страстность юного существа.

  Одним из высших достижений Микеланджело явилась  статуя «Давид», которую он рискнул  изваять из валявшейся без употребления и уже испорченной глыбы мрамора. Скульптура очень высока – 5,5 м. Однако эта особенность остается практически  незаметной. Идеальные пропорции, совершенная  практика, редкая гармония форм делают ее удивительно естественной, легкой и прекрасной. Статуя наполнена внутренней энергией, жизнью и силой.

  Помимо  скульптур Микеланджело создал прекрасные произведения живописи. Самыми значительными  из них являются росписи Сикстинской  капеллы в Ватикане.

  В последние годы жизни Микеланджело занимался архитектурой. Он завершает  строительство собора св. Петра, внеся  изменения в первоначальный проект Браманте.

  В искусстве итальянского Возрождения  особое место занимает Венеция. Сложившаяся  здесь школа существенно отличалась от школ Флоренции, Рима, Милана или  Болоньи. Последние тяготели к устойчивым традициям и преемственности, они  не были склонны к радикальному обновлению. Именно на эти школы опирался классицизм 17 века и неоклассицизм последующих  веков.

  Венецианская  школа выступала их своеобразным противовесом и антиподом. Здесь  царил дух новаторства и радикального, революционного обновления.

  Художники венецианской школы отдавали предпочтение не форме и рисунку, но цвету, игре света и тени. Изображая природу, они стремились к раскрытию богатств, присущих самой живописи. Именно Венеции  принадлежит заслуга открытия чистого  живописного начала, или живописности в ее чистом виде. Венецианские художники  первыми показали возможность определения  живописности от предметов и формы, возможность решения проблем  живописи с помощью одного цвета, чисто живописными средствами, возможность  рассматривать живописное как самоцель. По этому пути пойдет вся последующая  живопись, покоящаяся на экспрессии и  выразительности.

  Родоначальником венецианской школы является Джорджоне (1476-1510). В своем творчестве он выступил как настоящий новатор. У него окончательно побеждает светское начало, и вместо библейских сюжетов он предпочитает писать на мифологические и литературные темы. В его творчестве происходит утверждение станковой картины, которая уже ничем не напоминает икону или алтарный образ.

  Главой  венецианской школы является Тициан (ок. 1489-1576). Его творчество – наряду с творчеством Леонардо, Рафаэля  и Микеланджело – является вершиной искусства Ренессанса. Большая часть  его долгой жизни приходится на Позднее  Возрождение.

  В работах первого периода Тициан прославляет беспечную радость  жизни, наслаждение земными благами. Он воспевает чувственное начало, пышущую здоровьем человеческую плоть, вечную красоту тела, физическое совершенство человека. Этому посвящены  такие полотна, как «Любовь земная и небесная», «Праздник Венеры», «Венера и Адонис».

  В работах второго периода чувственное  начало сохраняется, однако оно дополняется  растущим психологизмом и драматизмом. В целом Тициан7 совершает постепенный  переход от физического и чувственного к духовному и драматическому. Происходящие изменения в творчестве Тициана хорошо видны при воплощении тем и сюжетов.

  В поздних произведениях Тициана  трагическое звучание все более  усиливается. Об этом свидетельствует  полотно «Оплакивание Христа».

  Возрождение, существующее вне Италии, обычно называется Северным. Его представляют такие  страны, как Нидерланды, Германия, Франция, Англия, Испания. В то же время относительно искусства Нидерландов ситуация остается неясной. С одной стороны, нидерландские художники первыми  начали пользоваться масляными красками, а за ними последовали итальянские. Хронологически, в эпоху Возрождения, в Нидерландах творили такие  известные мастера, как Ян Ван  Эйк, П. Брейгель.

  С другой стороны, их творчество далеко не все считают возрожденческим. Такого мнения, в частности, придерживается нидерландский ученый Й.Хейзинг, относя их творчество к позднему Средневековью.

  В Германии наиболее известным художником Возрождения является Альбрехт Дюрер (1471-1528), творчество которого развивалось  под сильным влиянием итальянского искусства. Страсть к живописи проявилась у Дюрера очень рано – в 13 лето он написал первый свой автопортрет. Более поздний «Автопортрет» (1500) становится настоящей удачей и приносит ему широкую известность. В нем  проявились основные черты искусства  Возрождения: правдивость и достоверность, точный расчет, а также идеализация  и возвышение человека.

  К числу высоких достижений художника  относится картина «Адам и  Ева», на которой обнаженные тела прародителей человечества вылеплены с редким великолепием, наделены естественными  пропорциями и движениями.

  Последним живописным произведением Дюрера является полотно «Четыре апостола», состоящих  из двух панно, на каждом из которых  изображены по два апостола: на левом  – Иоанн и Петр, на правом –  Павел и Марк. Каждый наделен яркими индивидуальными психологическими чертами.

  Искусство французского Возрождения представляет, прежде всего, Франсуа Рабле (1494-1553). Он был не только великим писателем-гуманистом, но и монахом, ботаником, врачом.

  Главным творением Рабле стал роман «Гаргантюа и Пантагрюэль», состоящий из пяти частей, последняя из которых вышла  в свет уже после смерти писателя. Роман покоится на фольклорной основе, он написан сочным, народным языком с явным вызовом хорошему вкусу, насыщен пословицами и поговорками. В нем много буйного вымысла, фантастики.

  Главными  темами романа являются воспитание, война  и жизнь обитателей Телемского монастыря.