Нижегородский
государственный университет имени
Н.И. Лобачевского.
Исторический
факультет.
Курсовая
работа
На
тему
«Описание
и анализ картины
Ивана
Константиновича Айвазовского «Берега
Далмации»».
НГХМ
Выполнила студентка
1 курса
Мослякова Екатерина
Научный руководитель
Доктор искусствоведения
А.Н. Донин
План:
Введение……………………………………………….2-3
Описание
и анализ……………………………………4-10
Заключение…………………………………………….11-13
Список
литературы и источников…………………..14-16
Введение.
Иван Константинович Айвазовский
- исключительное дарование среди художников.
Он сочетал в себе качества, совершенно
необходимые для художника-мариниста.
В.С. Кривенко очень хорошо передал свои
впечатления от работы Айвазовского над
большим полотном, оживавшим под кистью
мастера: "…По легкости, видимой непринужденности
движения руки, по довольному выражению
лица, можно было смело сказать, что такой
труд - истинное наслаждение". Такой
труд был возможен благодаря глубокому
знанию разнообразных технических приемов,
какими пользовался Айвазовский.
Айвазовский постиг
все тонкости изображения марин
и достиг вершин славы. Его
шедевры украшают одни из лучших
собраний мира и являются гордостью
нашей отечественной школы живописи.
Но успех его работ зависел
не только от таланта и трудолюбия
художника. Его восприятие и создание
мира определялось родиной — Феодосией.
Там он провел лучшие годы своей жизни.
Живопись
Айвазовского сороковых-пятидесятых
годов отмечена сильным воздействием
романтических традиций К.П. Брюллова,
сказавшихся не только на живописном
мастерстве, но и на самом понимании искусства
и на мировосприятии Айвазовского. Подобно
Брюллову, он стремится к созданию грандиозных
красочных полотен, могущих прославить
русское искусство. С Брюлловым Айвазовского
роднит блестящее живописное мастерство,
виртуозная техника, быстрота и смелость
исполнения. Очень ярко это отразилось
в одной из таких картин- «Берега Далмации»,
написанной в 1848 г. Данная картина находится
в Нижегородском государственном художественном
музее. Критики писали, что никто прежде
не изображал свет, воздух и воду столь
живо и достоверно.
В
работе представлена проблема:
как художник сумел
воплотить в морской живописи
чувства и мысли, волновавшие
людей его времени, и придать
глубокий смысл и значимость своему искусству. В чем, на первый взгляд, не всегда
понятная мировая слава картин Айвазовского?
Ведь рядом с ним жили и творили крупные
мастера, такие как: О.А. Кипренский, В.А.
Тропинин, А. Беггров, П. Басин, Н. Дубоский
и другие, ныне почти забытые. Дело все
в том, что великий маринист писал великолепные
картины, но простым и доступным языком.
И эти его работы до глубины души трогают
любого зрителя, от опытного художника-профессионала
до рядового посетителя его выставок,
побуждают вспоминать минуты общения
с природой, морем. Художник заставляет
вместе с собою любоваться прекрасным,
делает зрителя активным сопереживателем,
своим единомышленником.
Описание
и анализ.
И.К. Айвазовский
«Берега Далмации»
1848. х.,м.
123х192 см
НГХМ
К концу первой половины XIX века
в рамках русского романтического
пейзажа выделилось новое течение
- маринизм (морские пейзажные картины).
Маринизм – или Марина - (ит. marina,
от лат. marinus — морской) — морской
вид, картина (также рисунок,
гравюра), изображающая море. Основное
в жанре марины — воплощение морской стихии
в различных состояниях, а также изображение
борьбы с нею человека, попавшего в шторм.
В качестве самостоятельного жанра марина
появилась в Голландии в начале XVII в. Основоположником
данного жанра в русской живописи был
Иван Константинович Айвазовский. В XIX
столетии изображенное море, морская стихия
влекла к себе художников многих стран.
В морских видах дольше всего жила традиция
романтизма. Пейзаж в этот период понимается
как портрет данной местности. Писав с
натуры, он выражает миропонимание художника
через изображенный вид реального пейзажа,
хотя и идеализируя его.
Большое
значение Айвазовский придавал
рисункам, сделанным с натуры. Это
были в основном изображения
прибрежных городов, в данном случае
Хорватии. Острым твердым графитом Айвазовский
рисовал лепящиеся по уступам гор, уходящие
вдаль городские постройки или отдельные,
понравившиеся ему здания, «вписывая»
их в пейзажи. Самыми простыми графическими
средствами – линией, почти не пользуясь
светотенью, он достигал тончайших эффектов
и точной передачи объема и пространства.
Айвазовский всегда начинал писать картину
с неба, или как он называл его вслед за
своим учителем по Академии художеств
М. Н. Воробьёвым - воздух. Какой бы величины
ни был холст, Айвазовский писал "воздух"
не останавливаясь, даже если он растягивался
до 12 часов. Именно таким титаническим
усилием достигалась передача воздушности
и цельности цветовой гаммы неба. Айвазовский
стремился как можно быстрее закончить
картину, дабы не потерять настрой и динамичность
работы, донести до зрителя остановленное
мгновение из жизни морской стихии. Вода
на его картинах - это беспредельное, не
бурное, но колыхающееся, суровое, бесконечное
море. А небо, если возможно, ещё бесконечнее.
На данной картине линия горизонта делит
картину пополам, то есть небо занимает
равную часть с морем. На небе видны легкие
полупрозрачные облака- несколько горизонтальных
полос. Они тянутся по всей длине картины.
От неба к горизонту цвет переходит из
светло-голубого, небесного цвета в розовый
и желтоватый. По линии горизонта, расположены
Хорватские горы в туманной дымке. Горы
и небо от солнечного света окрасились
в желто-розовые тона. В заливе Адриатического
море- штиль. По линии горизонта в правой
части полотна расположены дома и постройки,
маяк. Из-за туманной дымки их почти невозможно
четко разглядеть. На морских волнах играют
лукиот солнца, расширяясь по мере
приближения к краю картины, к суше. Айвазовский
применил лессировку. Часто художник лессировал
волны у их основания, чем придавал глубину
и достигал эффекта прозрачной волны.
Иногда лессировка использовалась для
затемнения значительных плоскостей картины.
Но Айвазовского не считал лессировку
обязательным заключительным этапом работы,
как это было у старых мастеров при трехслойном
методе живописи. Лессировка у Айвазовского
часто применялась им в начале работы
(наносил как красочный слой на белый грунт),
а не только как завершающие работы. Чтобы
вода была более «живой» он покрывал полупрозрачным
слоем краски значительные плоскости
картины и используя при этом белый грунт
холста как светящуюся подкладку. Ему
это удавалось благодаря умению правильно
распределить красочный слой различной
плотности по холсту. В правом нижнем краю
полотна море пастельно-голубого цвета,
в месте где лодка отбрасывает тень и закрывает
море от солнечный лучей, цвет воды мутно-зеленоватого
цвета. Правее от центра картины изображены
два корабля. Один на пол борта закрывает
второй. Паруса находятся в состоянии
«покоя». Флаги красного цвета, паруса
белого. От солнца паруса приобретают
розоватый оттенок. Корабли отражаются
на морской глади. На них видны силуэты
большого количества людей.
В левом
краю картины, на берегу изображены
три человеческие фигуры-две женские
и мужская. На одной женщине белое платье,
на второй малиновое. У второй в руках
корзина с цветами. Одна обнимает другую
за плечо. Мужчина лежит на песчаном берегу,
подперев руку под голову. Рядом с ним
лежит веревка тянущаяся к пришвартованной
лодочке. На лодке два весла и она принадлежит
к типу шлюпок. На берегу растет редкая
зеленая трава. От чуть заметных колебаний
морских волн на песок вынесло небольшое
количество водорослей зеленовато-коричневого
цвета. Землю и камни Айвазовский писал
грубыми щетинистыми кистями. Краска в
этих местах обычно положена плотным слоем.
Айвазовский
никогда не перегружал холст
краской. Его метод работы способствовал
этому. Красочный слой на картинах
мариниста нанесен с тонким
расчетом. Палитра Айвазовского
на протяжении шестидесяти лет творческой
деятельности, естесственно, претерпела
ряд изменений, но ограниченный подбор
красок для каждой отдельной картины оставался
у него неизменным на протяжении всей
жизни. Наивно было думать, что в своем
творчестве Айвазовский применял только
те шесть красок, о которых как как-то говорил
один из знакомых живописца, археолог
и историк Обух Л. Колли. Палитра мариниста
была богаче и разнообразней. Но для каждой
картины он брал три-пять, редко больше
красок тех цветов, какие ему нужны были
для данного случая. Каждая картина художника,
независимо от времени ее создания, как
правило, выдержана в каком-либо определенном
тоне. Этот определенный цветовой строй
картины создавался подбором палитры
соответствующего красочного состава.
Цвет всего изображенного на картине Айвазовский
полностью подчинил основной красочной
гамме, в которой выдержана картина. В
данном случае, здесь основным является
розовый цвет. В этой гамме живописец писал
не только небо и воду, но, изображая землю
и горы, скалы и растительность, людей,
пользовался теми же цветами. Этим он достиг
большей обобщенности, сплоченности всего
красочного строя, той цельности живописного
впечатления, которая так характерна для
искусства Айвазовского. Строгий критик
И.Н. Крамской писал П. М. Третьякову: «Айвазовский,
вероятно, обладает секретом составления
красок, и даже краски сами секретные;
таких ярких и чистых тонов я не видел
даже на полках москательных лавок». Произведения
Айвазовского выделялись среди работ
современных ему живописцев колористическими
качествами. В 1840-е годы во время прохождения
выставки в Берлине рецензент местной
газеты объяснил повышенное звучание
цвета в работах русского художника тем,
что он же глухонемой и этот недостаток
компенсируется обострённым зрением.
В методе работы
Айвазовского на протяжении всей жизни
не было существенных изменений, хотя
материалы, техника живописи в различные
периоды его творчества были различны.
40—60-е годы являются периодом, когда Айвазовский
любил гладкую, блестящую, лаковую живописную
поверхность картин. Как правило, картины, написанные
Айвазовским до 70-х годов, покрыты лаком
из мягких смол. Картина, покрытая мастикой,
на другой день шлифуется большой кистью
или мягкой тряпкой, отчего живопись приобретает
мягкий, ровный блеск. Грунт на холсте положен
плотным слоем, имеет матовую поверхность
и по всем признакам был эмульсионным.
Прекрасная сцепляемость красочного слоя
с грунтом, отсутствие выхода масла на
оборотную сторону холста, блестящая поверхность
живописи — все эти признаки хорошего
эмульсионного грунта наблюдаются в картине.
Обычно подобные мастики варят из воска,
скипидара и мягкой смолы. Техника работы,
подбор красок и материалов изменялись
художником неоднократно. Эти перемены,
конечно, не обусловливались изменением
чисто внешних, вкусовых склонностей мастера,
а определялись новыми творческими задачами,
которые разрешал мастер и при которых
даже внешний вид картины, ее живописная
поверхность, как одно из средств выражения
в живописи, играет свою роль. Эти изменения
были обусловлены теми процессами в развитии
русской живописи, которые произошли на
протяжении XIX века.
Картина
«Берега Далмации» имеет горизонтально-ориентированный
формат. Выполнена в воздушной
перспективе, она характеризуется
исчезновением четкости и ясности
очертаний предметов по мере
их удаления от глаз наблюдателя. При этом
дальний план характеризуется уменьшением
насыщенности цвета, таким образом — глубина
кажется более светлой, чем передний план,
поэтому для передачи глубины пространства
в картине ближайшие предметы изображены
художником в их собственных цветах, удаленные
приобретают розовый оттенок. Метр и ритм,
спокойный и размеренный, детали для отсчета
находятся примерно на одной плоскости.
Метрическая повторность определяется
равномерным чередованием одного или
нескольких элементов. В данном случае
это группа людей, лодочка, корабли и пристань
с маяком. При большом числе графических
элементов метр приводит к монотонии,
затрудняет обнаружение одного или нескольких
требуемых элементов, информация о которых
необходима в данный момент наблюдателю.
Более интересные композиционные
возможности дает другой вид
повторности - ритм. В дополнении
к простому метру, который обычно
сопровождает ритмические чередования,
ритм предполагает в себе также
закономерное изменение некоторых характеристик:
расстояний между элементами, их числа
в группах, формы или размеров элементов
и т.д. В данной картине ритм определяется
три удара-пауза-удар-пауза-два удара-пауза-удар.
Промежутки между элементами играют ту
же роль, что и паузы в музыке. Если кроме
пауз ввести акцент, то есть усиление некоторых
определенных элементов, то это сделает
ритм еще более четким. Повторение
ритма осуществляется легче, если число
элементов в ряду нечетно. Ритм можно охарактеризовать
количественно, но далеко не всегда это
условие необходимо. Важно, чтобы ритм
можно было ощутить зрительно. Причем
ощущение ритма может быть создано не
только особым расположением и формой
элементов, но и, например, свето-цветовыми
соотношениями. Идея света играет весьма
значительную роль в творчестве художника.
Внимательный зритель почувствует, что,
изображая волны, облака, воздушное пространство,
Айвазовский по сути дела изображает свет,
осязает его. Свет в его искусстве – символ
жизни, веры и надежды. Это не что иное,
как по-своему переосмысленная идея божественного
света, света познания, имеющая давние
устойчивые традиции в армянской культуре
и получившая блестящее воплощение у позднейших
армянских мастеров. Эту традицию Айвазовский
воспринял через прославляющие солнечный
восход средневековые песнопения, которые
он хорошо знал и постоянно слышал в армянских
церквах. Не случайно, говоря о своих картинах,
он заметил: «Те картины, в которых главная
сила – свет солнца <...> надо считать
лучшими». На полотнах Айвазовского свет
ниспускается из невидимого источника,
мощным снопом прорезая тьму. Изображая
широкие просторы моря и неба, художник
передавал природу в живом движении, в
бесконечной изменчивости форм: то в виде
ласковых, спокойных штилей, то в образе
грозной, разбушевавшейся стихии. Художник,
обладая прекрасным чутьем смог постигнуть
ритмы движения волны, что дало ему возможность
изображать их поэтично и увлекательно.
Айвазовскому присуща специфическая система
цветового мышления, выводящая его искусство
за рамки принятых в XIX веке живописных
канонов. На одной и той же марине художник
создаёт удивительно прозрачные, поражающие
своим великолепным звучанием сочетания
красного, синего, жёлтого, зелёного, розового.
Айвазовский
старался работать быстро, чтобы
красочный слой сохранил подвижность,
так же старался не пользоваться повторными
прописками, опасаясь появления жухлости-
мутных тонов. Белый грунт холста являлся
для него основой, которая дает прозрачность
положенным на него слоям краски. Таким
приемом пользовались далеко не все художники,
так как он был гораздо сложнее принятого
у мастеров трехслойного метода, при котором
в спокойной, не торопливой, последовательной
обстановке подготавливались и прорабатывались
основные формы картины. Зато способ, которым
пользовался Айвазовский, оставлял ему
большую свободу для импровизации, чем
он так дорожил в процессе работы. Завершающему
этапу работы Айвазовский уделял большое
внимание, так как последние мазки не только
придавали законченность изображению,
но и сообщали ему тот трепет и движение,
каким полны лучшие картины художника.
Заключение.
Долгую, плодотворную жизнь прожил
Иван Константинович Айвазовский.
Высокое живописное мастерство,
повышенная эмоциональность его
искусства, яркие образы моря
принесли ему заслуженный успех.
Восторженными откликами современников
были встречены многие его произведения.
Объясняя причины необыкновенной популярности
художника, В. В. Стасов писал: «У Айвазовского
есть своя действительно поэтическая
жила, есть порывы к истинной красоте и
правде». Творческая биография художника
достаточно ясна и прозрачна. Айвазовский
не знал взлетов и падений. Его не преследовали
неудачи, не огорчала немилость властей,
не тревожили нападки критики и равнодушие
публики. Созданные им произведения покупали
Николай II, Александр III и другие европейские
монархи. Айвазовский объездил всю Европу,
побывал в Америке и Африке. Беспрецедентным
явлением стали 55 его прижизненных персональных
выставок. Некоторые из них совершили
всеевропейское турне. Творческий стиль
Айвазовского получил признание еще при
жизни художника. Вот как отзывается о
его заслугах Президент Академии Художеств
в 1897 году по случаю 60-летия творческого
пути Айвазовского: «В настоящее время
Айвазовский состоит почетным членом
императорской Академии художеств, причисленным
к Главному морскому штабу с званием живописца
сего штаба, действительным членом императорской
Академии художеств, почетным членом императорского
русского географического общества, почетным
членом Московского художественного общества
и членом многих европейских Академий
художеств. В морских пейзжах
Айвазовского нашли свое отражение черты,
близкие традициям армянской культуре,
а то есть: мечтательность, эмоциональность
и теплая цветовая атмосфера. Художник и многолетний директор
Феодосийской картинной галереи им. Айвазовского
Н.С. Барсамов в последней своей монографии
(которая выгодно отличается от прежних
его книг) писал: "Айвазовский иногда
строил колорит картины на резком противопоставлении
основных цветов палитры, чем достигал
большой насыщенности и яркости цвета.
В его пристрастии к яркому колориту, иногда
приобретающему характер острых, пряных,
красочных сочетаний, можно видеть врожденную
склонность, объяснимую в известной мере
происхождением и средой, в которой он
вырос.