Особенности искусства Японии

     Тосёгу  построен  по принципу нарастания впечатлений  по мере движения. Сначала надо пройти по центральной аллее, затем через гигантские ворота и подняться по лестницам. По мере перехода с одного уровня на другой можно полюбоваться панорамой больших и малых храмов. Все здания выполнены из дерева, украшены лаковой росписью, резьбой и позолотой от этого они напоминают деревянные золоченые шкатулки. В центре ансамбля возвышается отливающее золотом главное святилище, стены которого покрывает деревянная скульптура, в частности изображения традиционных для Востока трех обезьянок: одна закрывает лапами глаза, другая — рот, третья — уши: «Ничего не вижу, ничего не скажу, ничего не слышу...».

     Посередине  святилища находится алтарь, где  в жертву духам синто приносится обычная пища. Знаменитый Священный мост пламенно-красного цвета — сооружение из камня и дерева, созданное три столетия назад, примыкает к комплексу храма Тосегу. По оригинальности силуэта  и органичности сочетания с окружаюшим ландшафтом ему нет равных во всей Японии.

     В Средние века принципиально новым  типом японской архитектуры стал замок. Прежде всего он играл оборонительную роль. Вокруг него возводились укрепленные стены и рвы с водой. Внутри замок представлял собой сложную систему защитных сооружений. Главным из них всегда была башня - тэнсю. Она воплощала силу и могущество владельца замка. Башня состояла из нескольких постепенно уменьшающихся кверху прямоугольных ярусов с выступающими черепичными крышами и фронтонами.

     Собственно  жилище помещалось не в укрепленных  башнях, а в расположенном на территории замка деревянном здании. В XVI в. из скромного жилища самураев оно превратилось в пышный парадный дворец внушительных размеров.

     Интерьеры дворца также соотносились с властью и богатством владельца. Даже потолки покрывались богатой орнаментальной росписью и резьбой. Декоративное убранство постепенно нарастало от первого зала к главному месту официальных приемов, где обязательно выполнялись настенные росписи по золотому фону. В этом огромном зале уровень пола был выше, чем в других — признак избранности этого места, предназначенного для сегуна и его наследника. Сегун восседал перед своими подданными на невысоком возвышении на фоне написанной на стене гигантской сосны — символа долголетия, силы и могущества.

     Жилые дома. Основа конструкции традиционного японского дома — деревянный каркас с тремя подвижными стенами и одной неподвижной. Легкий каркас обладает гибкостью, что уменьшает силу толчка при землетрясениях. Стены не выполняют роль опоры, поэтому они могут раздвигаться или даже сниматься, служить одновременно и дверью, и окном.

     Для архитектуры и убранства японского дома характерны экономность и простота. Японцы не окрашивают свои жилища снаружи, и деревянные части дома со временем становятся серыми, однако такой цвет считается приятным, создающим умиротворенное настроение. Пол жилых комнат покрыт соломенными циновками татами. По периметру пола проходят пазы, которым соответствуют такие же пазы в потолке. По ним и передвигаются раздвижные стенные рамы сёдзи из легких планок, оклеенные с внешней стороны полупрозрачной бумагой, пропускающей свет. Раздвижные внутренние перегородки, обтянутые шелком, могут делить помещение в зависимости от потребностей.

     В главной комнате дома делается ниша — токонома, где выставляются картина-свиток и композиция из искусно подобранных цветов — икебана, В другой нише и специальном горшке помещается необычайно маленький, похожий на игрушечный, сад, и котором растут карликовые деревья —бонсай. Эти композиции отличаются тонко выверенной гармонией. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     СКУЛЬПТУРА

     Самым древним видом изобразительного искусства в Японии является скульптура. Первые образцы японской пластики восходят к III — V вв. н. э. Буддийские статуи VI — VII вв. и полные живой непосредственности статуэтки из дерева, камня, бронзы, глины, лака разных размеров создавались для украшения храмов.

     В главном здании Хорюдзи — Кон-до — помещается бронзовая скульптурная группа, выполненная скульптором Тори (Рис. 3). Изображение Будды на троне из лотоса, объединенного нимбом с двумя ботхисатвами, олицетворяет идею милосердия. Фигуры отличают вытянутость пропорций и аскетическая красота. Вероятно, это произведение создано под воздействием китайской пластики.

     С течением времени в изображениях персонажей буддийского пантеона — ботхисатв, стражей, а также драконов, львов, слонов и прочих символических животных становится заметным более строгое следование канону.

     В VIII в. с укрупнением храмов изменился и облик буддийской пластики — создаются монументальные, героизированные статуи божеств. В этот период зарождается скульптурный портрет. Поиски острой характерности отразились в миниатюрной рельефной сцене «Нирвана Будды», включенной в  пьедестал пагоды храма Хорюдзи, где изображено оплакивание Будды монахами.

     В IX-X вв. появляются более чув огвенные образы многоликих и многоруких божеств. Была разработана каноническая система выразительных жестов и движений. Скульптуры в ос новном изготовлялись из дерева и лака. Все статуи раскрашивались.

     В ХН-ХШ вв. в пластике появились новые тенденции. Получили распространение портреты дзэнских монахов и крупных политических деятелей Их образы, созданные скульпторами школы Ункэя, отличают индивидуализация лиц и тяготение к созерцательности и отрешенности от мира. В огромной бронзовой статуе Будды в  Камаку-ре ощущается стремление к простоте и значительности. Полузакрытые глаза и загадочная улыбка чуть склоненной головы оставляют впечатление внутренней силы.

     Уникальное  явление представляют собой миниатюрные  скульптуры — нэцкэ (Рис. 4). Искусство нэцкэ достигло расцвета в XVIII в. — первой половине XIX в. Нэцкэ возникли в связи с тем, что национальный японский костюм — кимоно не имеет карманов, и все необходимые мелкие предметы (трубку, кисет, коробочку для лекарств, веер и др.) прикрепляют к поясу с помощью шнурка. С одного его конца подвешиваются вещички, а с другого — брелок-противовес нэцкэ с отверстием для шнурка. Предназначение нэцкэ диктует мастерам компактную, округленную, приятную на ощупь форму без хрупких выступающих деталей. Для изготовления этих фигурок применяются разные породы дерева, слоновая кость, керамика, лак и металл.

     Нэцкэ — искусство городского сословия, позволяющее судить о духовных запросах, повседневных интересах, нравах, обычаях горожан. Небольшие фигурки отличают тщательное исполнение, виртуозность обработки и необычайная выразительность образов, наделенных живыми  характерами. Излюбленные персонажи нэцкэ - бродячие актеры и фокусники, уличные торговцы, ремесленники, птицеловы женщины за домашними занятиями' странствующие монахи, мудрецы, воины и др. Кроме того, мастера нэцкэ изображали богов и традиционных героев легенд. Множество нэцкэ выполнено в виде театральных масок.

     Японцы  до сих пор любят фигурки «семи  богов счастья», среди которых  наиболее популярны Дайкоку и  Хотэй (Рис. 5). Дайкоку — божество богатства изображают с молотком, крысой и мешком волшебного риса. Хотэй (или «Холщовый мешок») отвечает за приятное общение, веселье и благополучие, помогает воплощать в жизнь заветные желания. 

     ЖИВОПИСЬ

     Для традиционной японской живописи характерно большое разнообразие стилей, форм и техник. Живописные произведения могли иметь форму висячих свитков, свитков горизонтального формата, разворачивающихся по мере рассмотрения, могли быть в виде отдельных альбомных листов, они украшали веера, ширмы, стены. Основу же всех стилей при всем их многообразии составляют два главных направления: континентальное (привнесенное из Китая и Кореи) и чисто японское.

     Примерно  до десятого века в японской живописи, безусловно, доминировало китайское направление, кара-э, причем преимущественно буддийского содержания. С десятого века начинает появляться японская живопись, ямато-э, совершенно непохожая на китайскую. Самые ранние произведения в стиле ямато-э представляли собой роспись складных ширм и сдвижных экранов. Несколько позднее появились многометровые живописные свитки эмакимоно, иллюстрирующие литературные произведения, объединяя рисунки и текст,  а также живописные произведения на отдельных листах альбомного формата (сооси). Наиболее ранние из сохранившихся свитков — эмакимоно относятся к XII в., они служат иллюстрацией классических произведений японской литературы периода Хэйан — «Гэндзи моногатари» («Повесть о Гэндзи» (Рис. 6), история похождений блистательного принца Гэндзи), «Исэ моногатари», «Хэйкэ моногатари» (повесть о войне между домами Тайра и Минамото) и т. д. К XIV в. жанр эмакимоно угасает, будучи вытесненным монохромной живописью тушью в дзэнской манере, суми-э, которая далеко выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского искусства. В это же время развивается жанр полихромного портрета, к которому обращаются многие дзэнские художники, например великий Мусоо Сосэки и его ученик Мутоо Сюуи. Однако преобладающим жанром на протяжении XIV—XV вв. был монохромный пейзаж в стиле сансуйга; произведения в этом жанре украшали дворцы аристократов. Представителями этого жанра были, как правило, высокообразованные художники; основу их принципов изображения природы составляют китайские философские концепции, восходящие к даосизму, конфуцианству и чань-буддизму (принципы природной и социальной гармонии и идеализация природы как безупречного божественного творения). Наиболее известными художниками этого периода являются Минтё (1352—1430), Дзёсэцу (первая половина XV в.), Тэнсёо Сюубун (ум. в 1460 г.) и Сэссюу Тооёо (1420—1506), не довольствовавшиеся простым следованием китайской традиции, а пытавшиеся утвердить собственный подход к монохромному пейзажу. Сэссюу принадлежит выдающееся произведение японской живописи “Длинный пейзажный свиток”, датированное 1486 г., имеющее в длину 17 м при ширине 4 м. На свитке изображены четыре времени года. В 1481 г. официальным художником при дворе Асикага становится Каноо Масанобу (1434—1530), положивший начало одной из ведущих школ японской живописи, творчески объединившей принципы китайской живописи с традицией ямато-э. К школе Каноо, пользовавшейся особыми покровительством сегунов Асикага и Токугава, относится целая плеяда блестящих художников, развивавших направление живописи Каноо из поколения в поколение. К важнейшим школам японской живописи эпохи Эдо относят школы Тоса и Римпа, специализировавшиеся в стиле ямато-э. Школа Тоса, находившаяся под патронажем императорского двора, процветала с начала XV по конец XIX в. В основе сюжетов, предпочитавшихся художниками этой школы, были классические произведения японской придворной литературы. Для стиля Тоса характерны изысканная, деликатная линия, богатая палитра, тщательная прорисовка деталей и плоская декоративная композиция. Школа Римпа возникла в 1600 г. Ее основоположниками считаются Таварая Соотацу (ум. в 1643 г.) и Хонами Кооэцу (1553—1637), а самым выдающимся мастером признают Огата Коорин (1656—1716), чьи работы вдохновляли не только японских художников, но и западных: так, популярный в Европе в конце XIX — начале XX вв. стиль «арт-нуво» («модерн») во многом обязан достижениям художникам школы Римпа, которые прославились изысканным декоративным дизайном своих композиций, представляя классические сюжеты и декоративные мотивы в новой, необычной трактовке. Написанные на парных ширмах “Красные и белые цветы сливы” – самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого Коорина, шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи. В эпоху Эдо процветали также и другие направления живописи: школы — Маруяма-Сидзэёо, Акита, Итоо и др. Было популярно также направление намбан — буквально «южный варвар» — так японцы называли европейцев. Художники, работавшие в стиле намбан, подражали западной живописи, по-своему использовали западные сюжеты и пытались использовать законы перспективы. С начала XVIII в. в Японии в моду входит стиль бундзинга — буквально «просвещенная живопись». Художников этого направления — их иногда называют «японскими импрессионистами» — вдохновляла южно-китайская живопись эпохи династии Юань, называемая в Японии нанга. Наиболее выдающиеся художники этого направления Икэ-но Тайга (1723—1776), Урагами Тёкудо (1745—1820), Окада Бэйсандзин (1744—1820), Таномура Тикудэн (1777—1835) и др. творчески переосмысливали принципы традиционной японской и китайской пейзажной живописи, пытаясь придать своим работам настроение глубокой лиричности и неповторимой индивидуальности.

     Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая (1760-1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота жизни, интерес ко всем ее сторонам – от случайной уличной сцены до величественных явлений природы. В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую знаменитую серию гравюр “36 видов Фудзи”, за нею последовали серии “Мосты”,  “Большие цветы”, “Путешествия по водопадам страны”, альбом “100 видов Фудзи”. “36 видов Фудзи”, представляющие священную гору японцев в разные времена года и суток, при разном освещении, из различных мест страны – издалека, вблизи, с моря, сквозь заросли бамбука, явились по существу первым в японском искусстве образом родины, одновременно конкретным и обобщенно-символическим (Рис. 7).

     «Ики» и «суй» — эстетические принципы городской культуры периода Эдо, отражавшие вкусы образованных и материально обеспеченных представителей торгового сословия, не привязанных, тем не менее, к деньгам и материальным благам, способных оценить красоту и роскошь, но не ставящих целью своей жизни исключительно чувственные наслаждения — они способны взглянуть на это как бы со стороны. Принципы ики и суй нашли свое отражение, в частности, в стиле укиё-э.

     Укиё-э  — это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства  периода Эдо. Он появился в первой половине XVII века, во второй половине XIX в. пришел в упадок. Расцветом укиё-э считается XVIII век. Обычно под укиё-э понимают популярные и широко распространенные в период Эдо жанровые произведения — живопись и, в особенности, гравюру. Термин укиё, заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби» — так именуется мир сансары, мир преходящих иллюзий, где удел человека — скорбь, страдания, болезни и смерть. Этот мир, с точки зрения традиционно мыслящих японцев, такой же иллюзорный и преходящий, как сновидение, и его обитатели не более реальны, чем существа из мира грез. В центре внимания художников укиё-э были обитатели этого непостоянного мира преходящих удовольствий: прекрасные дамы, как правило, — знаменитые гейши и куртизанки (жанр бидзинга), актеры театра кабуки, воспринимавшиеся в ту эпоху как «куртизаны» мужского пола (жанр якуся-э), эротические сцены (так называемые сюнга — «весенние картинки»), сцены любования прекрасными природными явлениями, праздники и фейерверки, «цветы и птицы» (катёга), а также знаменитые виды природных ландшафтов. По мере развития направления укиё-э рамки отражаемого им среза бытия все время расширялись: появилось много картинок укиё-э, иллюстрировавших известные литературные произведения, а также военные хроники гунки-моногатари; в конце концов ко времени расцвета жанра он охватил буквально все аспекты повседневной жизни всех слоев японского общества. Темой укиё-э стали также исторические сюжеты: изображения знаменитых самураев (жанр муся-э), особенно эпохи Сэнгоку Дзи-дай, батальные сцены, сцены кровопролития, изображенные очень натуралистично, пожары и борьба с огнем, а также мир признаков и демонов, фантастические гротески и т. д. Первым мастером укиё-э, начавшим подписывать свои работы, то есть относиться к ним как к произведениям высокого искусства, стал Хисикава Моронобу (ум. в 1694 г.), объявивший себя мастером ямато-э и имевший огромный успех. Его первой известной работой стала серия иллюстраций к поэтическому сборнику «Букэ хякунин иссю», изданному в 1672 году в Эдо (нынешний Токио), ставшим к концу XVII века главным центром производства гравюр. Всего Моронобу стал автором серий иллюстраций более чем к 150 книгам. Также он считается создателем авторской гравюры так называемой итшлаи-э, «отпечаток на одном листе» — то есть гравюры как отдельного, самодостаточного художественного произведения. Моронобу основал школу Хисикава, ставшую одной из основных эдоских школ укиё-э. Моронобу был известен не только как мастер гравюры, но и как автор живописных произведений укиё-э, и как дизайнер декоративных орнаментов косодэ. После смерти Моронобу жанр укиё-э, потеряв своего главного вдохновителя, некоторое время переживал творческий застой, выход из которого предложили Тории Киёнобу (1664—1729) и Кайгэцудо Андо, оба — ярые поклонники Моронобу, не принадлежавшие к числу его учеников, но ставшие основателями собственных школ укиё-э. Революцию в укиё-э произвел Судзуки Харунобу (1725—1770), в 1764 году впервые применивший технику цветной печати, названной нисики-э, «парчовые картинки», или Эдо-э, эдоские картинки. Около 1770 года новый взлет пережил жанр якуся-э: выступившие новаторами Кацукава Сюнсё (1726—1793) и Иппицусай Бунте впервые стали изображать актеров как конкретных личностей, исполняющих конкретные роли, добиваясь портретного сходства с самим актером, в то время как на более ранних гравюрах отличить изображенных на них актеров можно было только по их личным гербам на одежде. Стиль Кацукава Сюнсё в значительной степени определил творческую манеру его знаменитого ученика и преемника — Кацукава Сюнэя (1762—1819), а также повлиял и на ранние работы другого ученика, ставшего впоследствии великим мастером укиё-э, — Кацусика Хокусая (1760—1849). Воспеванием женской красоты прославились такие художники, как Исода Корюсай и Китао Сигэмаса (1739—1820), избравшие прекрасных обитательниц веселых кварталов, занятых повседневными бытовыми заботами. Работы Сигэмаса были выполнены, как правило, в форме обан (39 х 26 см).