Представители гиперреализма

В конце этого периода Рихтер отказывается от «серого» или геометрического минимализма 1960-х и создает собственный тип абстрактного неоэкспрессионизма, восхищавшего полихромией многочисленных красочных полос в их вещественности и реальности. Он многократно увеличивает на холсте сфотографированные микрофрагменты своих же абстрактных фактур, добиваясь особенного эффекта зримой акустики внутреннего пространства, который дает созерцание, усиленное микроскопом. Техника рисования через микроскоп известна со времен Кандинского. Здесь же не рисование, а фотографирование позволяет разогнать зеркальное отражение капли краски до чрезмерных величин, сделать его похожим на небесный мираж, на сияющую пространственную галлюцинацию.

 Дэвид Хопкинс вспоминает  в связи с этими картинами высказывания Сальвадора Дали, который «хотел делать фотографии снов, раскрашенные от руки» [7, с. 33]. Кроме того Рихтер добивается от живописи впечатления имматериальной фотографической фактуры, имитируя совершенно гладкую глянцевую поверхность. Он переводит плоскость холста из вещественного, предметного состояния в состояние пограничной материи света, возвращая искусство живописи к проблеме, которую, каждый по-своему, решали в 1950-х годах автор полированных белых картин Роберт Раушенберг и создатель хроматических абстракций Марк Ротко. Рихтер привносит в задачу сделать живопись «радиацией», которую сформулировал для американских художников рубежа 1950—1960-х годов Климент Гринберг. Абсолютное качество живописи как возвышенного, прекрасного искусства здесь поддерживает суггестия фотографии, нездешнего, запредельного присутствия.

Свои работы Рихтер определил как  «фиктивные модели», отражающие «Конструкции» (1976, собрание Бекман), одного из ранних произведений этого типа; абстракция основывается не на предметах, которые каким-то образом анализируются или разрушаются, т. е. на первично формальном процессе. В гораздо большей степени конструкция картины опирается на нарисованные элементы, форма которых суггестивно создает пространство в виде устремляющихся в глубину линий или в виде плоскостей, занимающих определенную позицию в пространстве. Даже проведенные сверху в виде импровизации линии или углообразные маркировки, которые здесь внезапно распространяются по поверхности» находятся внутри пространственного устройства. Они его пересекают или вычеркивают, находясь постоянно на службе иллюзорности изображения. Версия Рихтера об абстрактности состоит в том, что в живописи следует работать на материале иллюзорности, а не на материальности, Рихтер постоянно забирает кусок из материальности при обработке абстрактных картин, изображая художественные жесты как нечто относительное, вместо того, чтобы подчеркивать их наличие.

Позже Рихтер передвинул эту свою безысходную, отчаянную, но все-таки новаторскую практику на новые рубежи, продолжая оспаривать культуру peinture, как он предпочитал выражаться, упрекая ее в связях с традиционной эстетикой («peinture», писал Рихтер, стоит на пути выразительности, сколько-нибудь отвечающей нашему времени), и при этом продолжал писать абстрактные

полотна, порой цветные, порой по-прежнему только серые, на сей раз используя  массовую печатную продукцию, любительскую и профессиональную фотографию.

В 1980-х годах появился другой Рихтер с яркими гео- метричными абстрактными полотнами. А уже в начале девяностых постеры с этими картинами висели в витринах магазинов, торгующих рамками и паспарту, вместе с портретами Мэрилин Монро Энди Уорхолла и потешными уродцами сюрреализма Хуано Миро. Абстрактные полотна в те годы Рихтер изготавливал необычным образом, большими шпателями или скребками с резиновой насадкой нашлепывая и размазывая по холсту относительно простые цвета так, чтобы получились непредсказуемые тона, расплывшиеся пятна и полосы наложенной внахлест краски. Результат выглядел прямой издевкой над теорией распределения цвета, а случайная и механистическая манера наложения красок оспаривала принципы художественной композиции. Например, картина «Абстрактная живопись (576-3)» (1985). «Здесь, — говорил Рихтер, — я старался сочетать конструктивные элементы картины с зонами, в которых содержатся деструктивные элементы, хотел найти баланс между композицией и антикомпозицией». 0 сходной картине более раннего периода он сказал: «здесь есть что-то деконструктивистское и странным образом разбалансированное — и есть элементы очень тщательной композиции» [6, с.71].

Начало XXI века становится для Рихтера  временем наибольшего признания, благодаря  его ретроспективе в МоМа, которая  проходит в 2002 году с огромным успехом. В 2003 году картины Рихтера показывают в зале Немецкого музея Гуггенхайма в Берлине. Выставки Рихтера отмечают второй пик возрождения фигуративной живописи в искусстве постмодерна.

Творческий путь Герхарда Рихтера полон крутых поворотов. В его творчестве сочетается, как кажется, несочетаемое: от гиперреализма до экспрессивной живописи, от полихромной абстракции до реалистического пейзажа, от концептуальной серии до минималистического объекта.

Отсутствие стилистической логики вместе с повторением одних и тех же мотивов, постоянное метание между абстракцией и фигуративностью — все это внушает мысль, что Герхард Рихтер никогда не интересовался никаким стилем. При этом, будучи необычайно разностильным по форме и глубине своего искусства, он как настоящий большой мастер оставался верен одной идее: «тайна реальности» в картине и проблема адекватности этого отражения.

Но главная ценность художника  состоит в том, что действительно  выделяет Рихтера на фоне не менее  выдающихся современников: «сделать красиво». Рихтеровские версии абстрактного экспрессионизма, минимализма, фотореализма и гиперреализма, а также его эксперименты с постмодернистской фотографией всегда привлекательны, эстетически безупречны и, что самое интересное, всегда базируются на вполне традиционных, классических постулатах. В картинах сохраняются такие визуальные понятия, как принцип живописной гармонии, сбалансированность колорита и композиции: эти художественные нюансы широко известны и понятны на бессознательном уровне почти каждому, но, будучи воплощенными на деле, всегда сражают наповал. Главное, что отличает работы немецкого художника, — все они написаны «в стиле Рихтера».

2.3 Скотт Прайор

 Скотт Прайор (Scott Prior) - американский художник, представитель американского реализма и гиперреализма. Родился в Эксетере, Нью-Хэмпшир, Северная Калифорния. В 1971 поселился в Нортхэмптоне, штат Массачусетс. Образование получил в Университете штата Массачусетс, степень бакалавра изобразительных искусств в 1971 году. Обучался в художественном колледже Академии искусств в Сан-Франциско. Его ранние работы были несколько ирреальными, сочетающими элементы научных технологий, мифологии и искусства Северного Ренессанса.  
С 1980-х годов Прайор начинает писать картины в жанре современного реализма и гиперреализма. Картины Скотта Прайора находятся в Бостонском музее изобразительных искусств, в музее де Кордовы в Линкольне, Дэнфорд музее, Роз Арт музее и других общественных и частных собраниях. Работы Скотта Прайора регулярно участвуют в групповых выставках в Соединенных Штатах и за границей. С середины 2001 творчество Скотта Прайора отмечено ретроспективными выставками его сорока пяти картин в музее Кордовы, галерее Нэнси Хоффман в Нью-Йорке и первой художественной галерее Бостона.  
Персональные выставки:  
Галерея Сары Бейн, Бри, Калифорния.  
Интернэшнл Гэлери, Вейл, Колорадо.  
Южная галерея, Истон, Мэриленд.  
Музей искусств Фредерика Вайсмана, Малибу, Калифорния.  
Музей Плейн Эйр Шоу Бауера, 
Санта Ана, Калифорния.  
Городской художественный музей, 
Пасадена, Калифорния.  
Скотт Прайор является действительным членом Калифорнийского Художественного Клуба, Ассоциации художников Laguna Plein Air и Ассоциации художников Oil Painters of America. Картины Прайора являют собой тонкий диалог близких ему людей, мест обитания, обычных вещей и обстановки. Образы в его работах, независимо от того, какими бы обычными они не выглядели, несут в себе поэтическое начало и мифические мотивы. Скотт Прайор живет и работает в Нортхэмптоне. 

На картине «Нэнни и Роза» художник Скотт Прайор изобразил свою жену Нэнни вместе с домашней любимицей собакой

Розой летним днем на веранде дома в Нортхэмптоне. Гиперреалистическим  картинам Скотта Прайора 

свойственны тщательность живописания  образов близких ему людей и изящная детализация мест обитания, обычных

вещей и обстановки. Кропотливо выписаны соседние здания, терраса и цветущий куст белой сирени; кресло-качалка,

мирно дремлющая собака, красные  вязаные носочки на ногах Нэнси  и теплые солнечные блики - все это

символизирует атмосферу тихого покоя  и уюта.

На картине «Стол для пикника  зимой» американского художника-фотореалиста Скотта Прайора изображена поляна в 

парке и забытый в это время  года стол для пикника. Сквозь темно-зеленые  ели и оголившиеся деревья пробивается

низкое зимнее солнце. Густая дымка  придает ему красно-желтый оттенок. Прошло жаркое лето - веселое время, когда 

в лесу было полно людей; и тут  и там раздавался звонкий смех, наперегонки носились дети. Стол накрывался

яркой скатертью, душистые фрукты теснились на тарелках, пахло жареным мясом и вином... Потом была желтая

хлопотливая осень, а теперь зима - покой и долгий сон под белым  одеялом.

На картине «Озеро в сумерках»  американского художника Скотта Прайора дом самого художника  на берегу озера,

теплый безветренный вечер, деревья  отражаются на зеркальной поверхности  озера, легкая дымка над водой. В  доме

горит свет, опустели кресла во дворе, сушится белье на веревке, в природе  состояние покоя. Удивительным

образом окружающая природа соединяется с этим приветливым домом в единое целое: двор не опустел, он не один,

а вместе с людьми, которые в  доме с сияющими веселыми окнами смеются, пьют чай, укладывают спать детей. Как 

большое ласковое животное готовится  ко сну и утомившееся за день озеро.  

Джон Де Андреа

Джон де Андреа, или Эндреа (John De Andrea) - известный американский скульптор, яркий представитель гиперреализма  в искусстве. Родился 24 ноября 1941 в  Денвере, штат Колорадо, США. Образование  получил в университете Колорадо в 1965 (степень бакалавра изобразительных искусств). Продолжил обучение в 1968 году в университете Нью-Мексико в Альбукерке. Джон де Андреа, пожалуй, самый знаменитый и наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов. Его выполненные в натуральную величину работы отмечены ироническим отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры («Умирающий галл», «Влюбленные», «Сидящая янтарная блондинка»), воспроизводящие роденовские позы - своего рода китчевые антигерои, пародирующие идолов коммерческой рекламной красоты. Их цветущая плоть контрастирует с внутренней пустотой моделей, состоящих в антипигмалионовских отношениях со своим создателем («Автопортрет со скульптурой»). Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но и модными атрибутами современный деловых интерьеров, натуралистически детализированные «ню» рассчитаны на эстетический шок. Работы Джона де Андреа находятся во многих музеях и частных собраниях Европы и США.

2.4 Бернардо Торренс

Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) — испанский  художник - гиперреалист. Родился в столице Испании Мадриде в 1957. В работах Торренса очевидна и жесткая контурность и многозначительность образов, которые всегда являлись знаками испанского реализма. Этот канон в испанском искусстве был установлен в семнадцатом столетии художниками Сурбараном, Риберой, Веласкесом. Испанские реалисты в своих картинах концентрировали внимание на нескольких объектах или на единственном отдельном объекте. Эти объекты (образы), живописуемые испанскими художниками с большой тщательностью и представленные с изящной детализацией, в картинах севильских мастеров обладают некоей мистической мощью и силой. Точно такие же качества свойственны и образам в гиперреалистических работах Торренса.  
Объекты его картин, это прежде всего мужчины и женщины, оторванные от непосредственной среды, и в этом смысле они схожи образам персонажей средневековых этических пьес. На картинах Бернардо Торренса они часто представлены нагими, в полном расцвете юности. Они позируют с ритуалистической благородной сдержанностью, демонстрируя чуткую любовь, хрупкую красоту, гордость, иногда ущербность и горе, собственно, фундаментальные образные основы мужских и женских энергий.

Торренс отдает долг художникам Севильи  семнадцатого столетия, и сам признает, что получает специфическое вдохновение от созерцания работ Веласкеса. Работы Микеланджело, мастера формы, жеста и линии, являются также важным источником его творчества. Картины Торренса принимают постоянное участие в многочисленных групповых выставках работ художников-гиперреалистов в Европе и США.

Персональные выставки Бернардо Торренса: 2005 Галерея Бернардуччи и Мейзеля, Нью-Йорк; 2004 Галерея Мариески, Милан, Италия; 2002 Центр современного искусства, Пальма де Мальорка, Испания; 1997 Центр  Сала Пелайрас, Пальма де Мальорка, Испания; 1993 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания; 1993 Галерея Майсснера, Нью-Йорк; 1992 Художественная галерея, Майами, Флорида; 1992 Галерея европейского искусства, Женева, Швейцария; 1992 Галерея "Художественная Азия", Гонконг, Китай; 1991 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания; 1988 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания. Картины Бернардо Торренса находятся во многих частных и общественных собраниях в США, Канаде, Италии, Испании и Германии. 

и Ло Чен, или Хило Чен (Hilo Chen) – современный  американский художник. Работает в  жанре гиперреализма. Чен (наст. Юи Люм) родился в 1942 на Тайване и уже позже в 1970-х годах получил американское гражданство. Образование и степень бакалавра получил в архитектурном колледже Чанг Ян на Тайване. В 1968 совершил поездку в Париж. Хило Чен пишет картины в стиле ню и флористику: цветы и цветочные натюрморты. Профессиональное мастерство Чена, как художника-гиперреалиста, отмечается критиками не иначе, как в превосходной степени. Тона кожи обнаженных моделей в его картинах кажутся более реальными, чем в жизни.