Драматургия Древнегреческого театра

Драматургия Древнегреческого театра.

 

Театр Греции рождается в VI-V вв. до н.э. в Афинах. Он был тесно связан с жизнью полиса, будучи по существу вторым народным собранием, где обсуждались самые животрепещущие вопросы. Греческий театр изначально возникший из религиозного культа бога природы Диониса, развивался очень быстро. Финансирование и организация театрального представления были одной из обязанностей (литургий) наиболее богатых граждан (так называемая хорегия): театр был государственным институтом. История сохранила пьесы четырех великих драматургов древности, в числе которых Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан. 

    В отличие от современного театра, в Греции не было постоянных трупп, да и профессиональные актеры появились не сразу. Первоначально играли, пели и танцевали сами граждане, для каждой постановки готовились костюмы, маски и очень простые декорации. В Афинах эпохи Перикла обычно не повторяли старых трагедий и комедий. Этим объясняется и огромное число произведений, созданных древнегреческими драматургами. По подсчетам современников Эсхила, Софокла, Еврипида и Аристофана на каждого приходилось более 90 произведений.

     Театральные представления, обычно продолжавшиеся во время общенародных государственных праздников три дня и длившиеся от восхода до заката солнца, носили характер соревнований. К состязаниям допускались три трагических поэта и три комических, причем каждый трагик должен был представить три трагедии и одну так называемую сатировскую драму. Каждое утро, захватив с собой еду и подушку для сидения, в театр собирались все, чтобы своей реакцией вдохновлять исполнителей и сопереживать им, тогда как победителей определяли специальные судьи.                                Театральные представления по обычаю проходили в праздник Великих Дионисий. На круглой площадке — «орхестре» («площадка для пляски») размещался хор. Тут же играли актеры. Чтобы выделиться из хора, актер надевал обувь на высоких подставках — котурнах. Вначале все роли в пьесе исполнял один актер. Эсхил ввел второе действующее лицо, сделав действие динамичным; ввел декорации, маски, котурны, летательные и громоносные машины. Софокл ввел третье действующее лицо. Но и трем актерам приходилось играть много ролей, перевоплощаться в разных лиц. Позади орхестры находилось небольшое деревянное строение — «скена» («палатка»), где актеры готовились к выступлению в новой роли.

      Перевоплощение осуществлялось просто: актеры меняли маски в которых выступали. Нужно помнить, что женские роли исполняли мужчины.  Так же маска была нужна из-за размеров греческого театра: без маски  лица актеров были плохо видны на дальнем ряду. Маски надевали на голову наподобие шлема. Сначала маски делали из дерева и луба, позднее – из гипса. Во временя драматурга Эсхила появились цветные маски, так как было введено окрашивание. Каждому определенному характеру и настроению соответствовала «своя» маска. Так, силу и здоровье представлял смуглый цвет лика маски, болезненность — желтый, хитрость — красный, а гнев — багровый. Гладкий лоб выражал веселое настроение, а крутой — мрачное. Выразительность масок была необходима для наглядности, кроме того, маска выполняла и роль рупора, усиливавшего голос актера. В масках делали приспособление для усиления голоса актера. Внутренняя часть маски около рта выкладывалась серебром и медью и имела вид воронки. Иногда маски были сдвоенные, строенные, это давало возможность небольшому количеству актеров играть несколько ролей, быстро преображаться. Портретные театральные маски стали делать позднее, они чертами лица были похожи на знаменитых людей: царей, полководцев. Это обижало, поэтому со временем портретная маска была запрещена. Полумаски использовали редко. Позднее стали к маскам прикреплять парики, сделанные из пакли, веревок. Голова в своем размере сильно увеличилась. 

В древней комедии большая  часть масок(как и костюмов) должна была вызывать смех, отсюда их карикатурный и гротесковый характер.

 

       Костюм  в Древней Греции обладал той  же функцией, что и маска. Общей  чертой костюмов была яркость  и пестрота. В основе трагического  костюма лежало одеяние жрецов  Диониса – пышное, яркое, многоцветное. Под верхнюю сценическую одежду- хитон актеры надевали «толщинки», на хитон набрасывали плащ- гиматион или хламида. Ноги трагических актеров были обуты в особую обувь, увеличивающую рост - котурны.

        Трагический  актер, лишенный мимики из-за  маски, в утяжеляющих одеждах,  на высоких подставках был  малоподвижен. Он должен был виртуозно владеть движениями и жестом. Комический же актер, напротив, двигаться должен был как можно больше. Он использовал цирковые приемы, кувырки, жонглирование, пел, плясал и т.п. для достижения Буффонады. Комические костюмы отличались от костюмов трагических. Маски актёров были уродливыми, актёры не носили котурнов, они использовали подкладки, увеличивавшие зады и животы.

Неотъемлемой частью комического  представления была пантомима, а  также песни и танцы, зачастую носившие эротический характер. И те, и другие должны были очень четки и красиво говорить. Дикции и голосу придавалось большое значение. Ценилось техническое мастерство: эллины различали 34 манеры актерского произношения.

 

Мужской хитон.

Низ хитона подшивали, т.к. неподшитый, обтрёпанный низ - знак траура или  рабства. Хитоны с рукавами носили только актеры. 

Длинные, до лодыжек, хитоны носили трагические актеры.

Цвет костюма был характерной  приметой роли: цари носили красное.,несчастные – синее с черным. Были и индивидуальные одежды: сетчатый плащ для прорицателя, алая накидка для охотников. 

Котурны – закрытые сандалии (сапоги) на высокой подошве.

Как элемент одежды в повседневной жизни котурны были доступны только обеспеченным людям. В театре Древней  Греции актеры использовали эту обувь  при исполнении трагических ролей. Подошва увеличивала рост героя, придавала ему величавость и  торжественность, а так же возвышала  его над сценой.

Подошва постоянно росла  и постепенно от размера всего, примерно, в 5 сантиметров подошва достигла длины в локоть. Напоминая больше ходули.

В Древнем Риме ботинки  –котурны использовались при исполнении ролей богов или инпереторов, приравнивающих себя к богам.

  Одежды хора в трагедии, вероятно, мало чем отличались от костюмов актеров. Хоревты сатировской драмы носили обтянутое косматое трико и козлиную шкур.

Хор Аристофановской комедии-сказки носил диковинные и фантастические одежды, и являлся то в виде птиц, то в наряде ос или облаков.

 

 

        Обычно  театральные представления начинались  утром, а заканчивались с заходом  солнца. В один день ставили  и трагедию, и драму, и комедию.  Театральные зрелища были особенно  любимы эллинами. Социальные, этические,  политические проблемы, вопросы  воспитания, глубокая обрисовка  героических характеров, тема высокого  гражданского самосознания составляют  жизнеутверждающую основу древнегреческого  театра.

 

Устройство Древнегреческого театра.

 

Театрон – места для зрителей (от гр. глагола «смотрю»)

Орхестра – круглая площадка, на которой находился хор (от гр. глагола «танцую»)

В центре орхестры находился  алтарь бога Диониса. 
На ступенях алтаря на ранних этапах существования театра выступал протагонист.

Скена – особое сооружение, примыкавшее к орхестре. Скена в переводе означает «шалаш» или «палатка».

Введение скены приписывается  Эсхилу.

Внешняя стена скены, обращённая к зрителям, играла в спектакле, важную роль. В трагедии она изображала фасад храма или дворца, а в  комедии обычные жилища или так  же фасад храма или дворца (при  пародировании трагедии).

Введение расписных декораций  приписывалось Софоклу.

Проскений. В греческом театре  V-IV вв. так называлась передняя стена скены или особая декоративная стена, являвшаяся фоном для игры актёров.  В эпоху эллинизма проскений  превращается в сценическую площадку высотой примерно в три метра, на которой выступали актёры.

На обоих концах скены  находились два боковых выступа, которые назывались параскениями. Выступая вперёд, параскениии ограничивали скену справа и слева, улучшали акустику.

Пароды – проходы между скеной и зрительными местами. По ним проходили зрители, а во время представления актёры и хор. Как пишет В. В. Головня, пароды имели своё условное значение, левый проход считался проходом в чужую страну, а по правому появлялись персонажи, приходящие из города или гавани.

Периакты –боковые декорации, трёхсторонние вращающиеся призмы (свойственны для более позднего театра)

 

 

 

Древнегреческая драматургия – родилась из обрядовых праздников в честь бога Диониса, связанная с зимним умиранием и весенним возрождением природы. Дионис – древнегреческий бог плодородия, позже бог виноделия.

Согласно мифу Дионис был сыном верховного бога Зевса и смертной женщины Семелы. Гера, решившая погубить Семелу, уговорила  её попросить Зевса явиться ей в своём божественном обличии. Зевс не смог отказать просьбе Семелы и  выполнил её. Увидев истинный облик  бога-громовержца, Семела погибла. Но перед  смертью она родила недоношенного  неспособного жить ребёнка – Диониса. Чтобы спасти жизнь сыну Зевс зашил  его к себе в бедро, доносил  до положенного срока, и после  этого младенец вторично родился  на свет, уже обладая полноценной  божественной природой.

Из ритуала, посвящённого богу Дионису, и берёт свои истоки античный театр. Культ Диониса в VI-V вв. до н.э. широко распространился в Греции. Праздники в честь этого божества состояли из двух частей: страстной, связанной со страданиями бога, и карнавальной, связанной с его счастливым возрождением. Участники обряда облачались в козлиные шкуры, изображая сатиров (козлоногих существ, спутников Диониса), мазали лицо винной гущей (прообраз театральной маски). Они исполняли песни торжественные и печальные, а так же и весёлые. В основе этой игры  лежал импровизационный дифирамб - диалог хора и запевалы (зачинателя), составляющий неотъемлемую часть культа Диониса. Аристотель (Поэтика, гл 4) писал, что дифирамб делился на две части: «зачин» солиста и последующей партии хора.

         Трагедия  ведет свое начало от запевал дифирамба, а комедия – от запевал фаллических песен.

Древнегреческая драматургия делится на три жанра:

1) Сатировская  драма 

2) Трагедия

3) Комедия

 

Сатировская драма - один из трех основных видов древнегреческой драматической поэзии, отличитительным признаком которого является хор, изображающий сатиров (козлоногих лесных демонов из свиты бога Диониса). По стилю, языку и метрике сатировская драма занимает промежуточное место между трагедией и комедией. С трагедией сатировскую драму сближают сюжеты и действующие лица, заимствованные из мифологических сказаний (в тетралогической системе Эсхила замыкавшая тетралогию сатировская драма составляла с предшествовавшими ей трагедиями единый сюжетный цикл, с общими героями); характерно, что сатировские драмы писали трагические поэты. В то же время им был присущ сильный элемент грубого комизма, связанного с хором — с похотливыми и жадными до вина, хвастливыми и трусливыми сатирами. От современной ей комедии сатировскую драму отличают большая сдержанность тона и преобладание юмора над сатирой. Известна античная характеристика сатировской драмы как «шутливой трагедии». Большое место в ней занимали музыка и разнузданные пляски сатиров. Становление С. д. как литературной формы традиция связывает с именем Пратина из Флиунта (6—5 вв. до н. э.). Своей вершины С. д. достигла в творчестве великих античных трагиков 5 в. до н. э. — Эсхила, Софокла и Еврипида. Первенство в этом жанре в древности отдавали Эсхилу, от С. д. к-рого дошли лишь фрагменты (самые значительные из них были открыты только в 30—40-х гг. 20 в.). От Софокла сохранилась значит. часть С. д. «Следопыты» (’Ιχνευταί) (открыта в 1912). Единственной С. д., дошедшей в полном виде, является «Киклоп» (Κύκλωφ) Еврипида. В 4 в. до н. э. происходит разложение жанра С. д.

 

      Трагедия. (Tragodia – греч. от греч. Tragos – козел (которого приносили в жертву богу Дионису) и dia - песнь , tragoedia – лат.) Считается, что именно Феспид ввел первого актера (гипокрита), исполнявшего ряд небольших речей-повествований, ведущего диалог с хором, выражавшим реакцию на эти речи в своих песнях.         

Трагический герой - это почти идеальный человек, нравственно благородный и обладающий всевозможными добродетелями. Он совершает роковую ошибку, которая оборачивается ужасными несчастьями, как для него самого, так и для других людей.Сюжет трагедии изображает перемену судьбы одного человека от счастья к несчастью (реже - от несчастья к счастью). 

      По Аристотелю  фабула (последовательность основных  событий) трагедии бывает двух  видов:

Простая – переход от счастья к несчастью осуществляется без перипетий и узнаваний

Сплетённая – переход от счастья к несчастью осуществляется с перипетией, узнаванием или и с тем и с другим

Перипетия – перемена событий к противоположному

Узнавание – переход от незнания к знанию (может быть узнавание людей, предметов, узнавание о том, было или не было совершено какое-либо действие) 

        Характеры,  изображаемые драматургом должны  быть благородными, подходящими  (т.е. соответствовать персонажу), последовательными (их поступки  должны логично диктоваться образом)  и правдоподобными.

        Главная цель трагедии – вызвать в зрителе сострадание и страх. Зритель театрального представления, сострадающий герою и испытывающий страх переживает катарсис (т.е. очищение собственной души от страдания и страха).

      По своей форме трагедия делилась  на несколько частей:

Пролог – часть трагедии до появления хора.

Парод – первая песнь хора

Эписодий – диалогическая часть трагедии между песнями хора.

Стасим – песнь хора.

Эксод – часть трагедии, за которой не следует песня хора.

Коммос – совместная печальная песнь актёров и хора.

        У хора была преобладающая роль, что придавало трагедии характер патетической оратории. Такой вид трагедии сохранялся до первой четверти 5 в. до н.э., в ранних произведениях Эсхила в том числе.         

Вместе с развитием  Афинской демократии, повышения роли отдельного человека - в трагедию вводится морально-этическая проблематика.  В эпоху Греко-персидских войн драматургия отражает противостояние государственного греческого демократизма восточному деспотизму. Героем трагедий становится человек, борющийся за справедливость с внешними силами, с богами. Эсхил превращает трагедию в подлинную драму  введением  второго актера.        

Дальнейшее повышение  интереса к человеческой личности в  древнегреческой драматургии связано  с творчеством Софокла и его младшего современника Еврипида. В трагедиях Софокла главный конфликт происходит между действиями человека, смело вступающего в борьбу за выполнение своего морального долга с божественной силой, подчиняющей себе людей. Софокл наделяет своих  героев такими качествами, как благородство, честность, верность нравственным принципам свободного демократического общества. Теперь божественная сила, правящая миром подвергается критике. Внутренний мир человека становится более интересным для драматургов и и зрителей. В пьесах появляются бытовые элементы. Введение третьего актера дало возможность Софоклу и Еврипиду значительно углубить психологическую характеристику действующих лиц, многосторонне показать их взаимоотношения и соответственно сократить роль хора.