Детские мечты

Автор работы: Пользователь скрыл имя, 17 Июня 2014 в 15:57, дипломная работа

Краткое описание

В соответствии с целью были поставлены такие задачи:
Раскрыть тему дипломного проекта.
Определить особенности выбранного жанра.
Выполнить поисковую работу; собрать дополнительный материал, выполнить эскизы;
Описать средства выполнения работы.

Содержание

ВВЕДЕНИЕ...……………………………………………………………………………..5

1.ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

1.1 Из истории декоративно прикладного искусства…………….……………………..7
1.2 Технология декоративной живописи………………………….……………………14
1.3 Колорит. Значение цвета…………………………………………………………….19
1.3 Композиция…………………………………………………………………………..28

2.ДЕКОРАТИВНОЕ ПАННО «ДЕТСКИЕ МЕЧТЫ» В ТЕХНИКЕ ДЕКОРАТИВНОЙ ЖИВОПИСИ

2.1 Выбор темы…………………………………………………………………….…….32
2.2 Работа над эскизами …………………………………………………………….…..34
2.3 Колористическое решение………………………………………………………..…36
2.4 Идейное содержание и композиционное решение……………………………...…38

ЗАКЛЮЧЕНИЕ………………………………………………………………..……….40

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ……………………………………………………………..41

Вложенные файлы: 1 файл

Panno.doc

— 206.00 Кб (Скачать файл)

 

 

1.2 Технология декоративной  живописи

 

 

Декоративность – совокупность художественных свойств, усиливающих эмоциональную выразительность и художественно организационную роль произведений пластических искусств в окружающей человека предметной среде. Художественные приемы, обусловливающие декоративность произведения искусства, богаты, многообразны и специфичны для каждого вида искусства. Важную роль в создании эффекта декоративности произведения играют декор, (в т.ч. орнамент или его детали), выразительность природной фактуры материалов и присущих им особенностей пластической формы, композиции, организация линейных ритмов, пластических объемов и цветовых пятен, интенсивность звучания цвета, выразительность и фактура красочного мазка и др. Декоративность является одним из главных художественных средств произведений декоративно-прикладного искусства. Она присуща и произведениям изобразительного искусства, как станковым, так и монументально декоративным (скульптура, настенная живопись, мозаика и т.д.), вступающим во взаимосвязь с архитектурой и образующим художественный ансамбль. В этом случае декоративность часто играет подчиненную роль и выступает в органичном единстве с идейно художественным содержанием и образным строем произведения или художественного комплекса.

Сложность декоративной живописи, которая заключает как бы совершенно самостоятельный раздел курса со своими достаточно ярко выраженными особенностями. В декоративной живописи в отличие от живописи академического плана по-другому преломляются общие закономерности изобразительного искусства. В этой связи, особенно на первом плане перехода, возникает целый ряд сложностей.

В практической нужно  ясно представлять, какие закономерности декоративных построений могут быть использованы в каждом конкретном случае, как зависит та или иная концепция декора­тивного решения, например, от того, что является объектом работы: натюрморт, пейзаж или портрет. В самом понятии декоративной живо­писи объединяются очень разные по своим возможностям явления. Если говорить о декоративности цвета, то надо обратить внимание на то, что качество декоративности цвета присуще произведениям не только раз­ных школ и направлений, но и произведениям разных эпох, которые мы связываем с начальным периодом живописи. Пример: «Парусное судно» – роспись из гробницы Каемакха в Гизе V в. до н. э.

Необходимо знать о том, что декоративность цвета может иметь очень большой диапазон применения – от незначительного форсирования цвета в станковых по своему характеру решениях, то есть в живописи, в которой сохраняется полноценная трактовка пространства, до декоративных решений, где сам декоративный эффект может строиться на нескольких пятнах открытых цветов с полным отсутствием сложной цветовой среды.

Упрощенные системы обычно связывают с графикой, особенно с графикой рекламного характера. Но их необходимо рассматривать в общем диапазоне цвета в изобразительном искусстве как крайнюю часть этого диапазона, тем более что общие закономерности использования цвета в равной степени относятся и к разным видам живописи, к графическим решениям, в которых используется цвет, к прикладному искусству и к произведениям скульптуры, в которых присутствует цвет. Если Вы рассматриваете минимальные средства с точки зрения количества используемых в декоративных решениях цветов, то надо знать, что даже один цвет дает достаточно большие возможности для построения декоративного эффекта (имеется в виду не только черный цвет, который широко используется в графике, но и любой другой цвет). В основе любого декоративного решения лежит, прежде всего, тональный строй.

Одна из самых важных проблем в декоративной живописи – это организация целого. Студенту целесообразно начать работу с эскизов. Стадия эскизной разработки – это отбор основных цветковых компонентов, поиск тонально-композиционной конструкции, выбор живописной концепции решения и выбор принципа решения формы, а также раскладка основных цветовых пятен, закладка ритмической основы будущей композиционной системы произведения и основы колористических связей. Здесь определяют, по какому из двух путей пойдет разделение колористической системы: по пути использования в этюдах цветового строя, заданного учебной постановкой, или по пути создания новой колористической системы, которая отвечает развитию авторского замысла. Любое колористическое построение имеет свою логику. Эта логика связана с законами выразительного искусства. Чем меньшими средствами достигнут тот или иной эффект в живописи, тем выше будет степень его выразительности. Система, построенная с помощью двух цветов, будет более выразительна, чем система колорита четырех, пяти и большего количества цветов. Чем меньше тональных или цветовых акцентов, тем выразительнее будет декоративное построение.

Таким образом, работа над декоративными решениями требует строгого дозирования средств на всех этапах работы.

Техника живописи - совокупность приемов, которыми определяется эстетико-практическое знание художника, направленное к наилучшему пользованию красками и другими материальными средствами для наиболее совершенного исполнения картины. Существует различные техники живописи, немного подробней опишу разновидности масляной живописи.

Алла прима (от итал. alla prima — «в первый момент») — разновидность техники масляной живописи. Техника –а-ля прима (алла прима) в настоящее время используется чаще других как в большей степени отвечающая задачам изображения «формы в среде», пленэрной живописи с присущей ей воздушностью и прозрачностью, мягкостью колорита и непосредственностью манеры исполнения.

Суть этой техники заключается в следующем. Художник стремится к передаче в красках всего, что он видит в натуре: цвета, светотени, не расчленяя процесс работы на отдельные этапы. При этом работа, как правило, ведется «по сырому». Уже после первого сеанса художник по невысохшему красочному слою определенным образом освежает появившуюся на ней подсыхающую пленку.

Существует ряд способов поддержания красочного слоя в свежем состоянии. Незаконченный этюд ставят лицом к стене в прохладном, но не сыром помещении. Можно употреблять медленно сохнущие цинковые белила. В другом случае перед началом очередного сеанса пленку на красочном  слое (если она все-таки появилась) растворяют лаком для живописи (межслойные лаки) или протирают поверхность красочного слоя срезом дольки чеснока или лука (этот способ употребляли старые мастера).Такая предварительная подготовка красочного слоя к последующей работе предотвратит жухлость краски, положенной на непросохший слой. Как правило, живопись в технике «а-ля прима» ведется красками в тюбиках, без употребления разбавителя. Лишь в тех случаях, когда консистенция каких-либо красок значительного гуще остальных, следует для удобства письма уравнять ее разбавителем. Работая пастозно, художник должен учитывать, что в начале работы слой краски не должен быть слишком толстым, особенно в первом сеансе. Избыток красок удаляется мастихином, а фактурному письму отводятся последующие сеансы, на которых в процессе завершающего обобщения работы наиболее мощные мазки и цвета предельной силы появятся там, где художник определил самые активные цветовые акценты мотива.

       Многослойная  живопись - разновидность масляной  живописи, требующая расчленения работы на ряд последовательных этапов: подмалевок и прописи. Эти этапы разделяются перерывами для полного просыхания краски. Подмалевок- это первый живописный слой, сделанный по рисунку или напрямую сразу по грунту. Подмалевок пишется жидко разведенными масляными красками с целью найти основные цветовые и тональные отношения, обще, без деталей с расчетом на будущую подробную прописку. Иногда подмалевок делают водорастворимыми красками, такими как акварель или темпера по клеевым или эмульсионным грунтам и затем покрывают дополнительно слоем клея или разведенным скипидаром даммарным или мастичным лаком. На наш взгляд это не оправданно и целесообразнее все-таки делать подмалевок масляными красками.

Второй слой-это прописка. Прописку по подмалевку допустимо начинать лишь после полной просушки подмалевка. Прописку желательно закончить также как и однослойную живопись, тогда картина выглядит целостно и свежо. Если это не получается ввиду большого размера картины и следовательно нехватки времени на ее завершение за один сеанс, то допустимо нанесение нескольких красочных слоев после полной просушки каждого низлежашего слоя. Однако в этом случае следует помнить, что сцепление красочных слоев между собой гораздо слабее, чем с подмалевком и возникает вероятность осыпания красочного слоя, особенно при неправильном режиме хранения картины.

Пуантилизм (фр. Pointillisme, буквально «точечность») — стиль письма в живописи, использующий чистые, не смешиваемые на палитре краски, наносимые мелкими мазками прямоугольной или круглой формы в расчете на их оптическое смешение в глазу зрителя, в отличие от смешения красок на палитре. Оптическое смешение трех основных цветов (красный, синий, желтый) и пар дополнительных цветов (красный — зеленый, синий — оранжевый, желтый — фиолетовый) дает значительно большую яркость, чем механическая смесь пигментов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем с дальнего расстояния или в уменьшенном виде.

 

 

 

 

 

 

 

 

       

 

       

    

 

 

 

 

    1. Колорит. Значение цвета

 

 

Колорит в живописи – важнейший элемент художественной формы, служащий раскрытию образного содержания произведений искусства.

Термин «колорит» происходит от латинского слова «соlог», что означает цвет, краска.

Колорит в живописи – это «характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой, строй как одно из средств правдивого и вырази­тельного изображения действительности».

На протяжении веков, начиная с XVI века, среди художников шел спор о примате формы или цвета, рисунка (линии) или колорита в живописи, который решался в основном идеалистически в поисках абсолюта, в отрыве одного понятия от другого.

Художники эпохи Возрождения оценивали рисунок как первооснову живописи, но в эту же эпоху наряду с линеарной школой флорентийцев возникла живописно-колористическая школа венецианцев – Джорджоне, Тициана, Веронезе. Энгр считал, «что цвет дополняет живопись   украшениями,   но   она   не больше, чем придворная дама из свиты». Аналогичную идею высказывал Давид: «Линия – это контур реального, цвет – не больше, чем мираж».

Даже некоторые представители русской реалистической школы живописи XIX века придерживались аналогичных взглядов. П.П.Чистяков говорил: «Высокое искусство, как неотъемлемое достояние духа человеческого, проявляет себя в сущности в черте. Эффект, колорит – это все вспомогательные средства, ими нужно уметь пользоваться в меру».

Однако наряду с приведенным выше отношением к цвету как «вторичному» качеству живописи и лишь вспомогательному средству дополнения и украшения формы история искусств дает нам многочисленные примеры использования цвета и коло­рита в живописи как активного средства в построении художественного образа.В произведениях Тициана и Веронезе, Рембрандта и Рубенса, русских художников В.Сурикова, В.Серова, К.Коровина, М.Врубеля, П.Кончаловского, А.Лентулова и многих других активно используется колорит для выражения художественно-образного содержания творческого замысла. Известный армянский художник Мартирос Сарьян говорил, что живописец выражает мир и свое отношение к миру прежде всего в цвете.

Теория колорита претерпевала значительные изменения с развитием теории, истории и практики искусства. В XIX веке Гегель дал определение колорита по отношению к валёрной живописи. Сущность колорита, по его словам, «заключается в употреблении всех красок так, чтобы обнаружилась независимая от объекта игра отражений, составляющая вершину колорита; взаимопроникновение цветов, отражение рефлексов, которые переливаются в другие отражения и носят столь тонкий,    мимолетный    и    духовный характер, что здесь начинается переход в музыку». И далее он писал, что «большое разнообразие колорита не есть просто произвол и случайная манера расцветки, которой не было бы № гегит паШга, но оно заключено в природе самих вещей».

В XIX веке в основе теории колори­та и художественной практики лежала идея подражания природе. Мастером колорита считался художник, умевший взять цветовой тон освещенных предметов, свойственный их природе, и придать гармонию цветовым сочетаниям живописного произведения.

В начале XX века немецкий исследователь Э.Утитц классифицировал разнообразные формы использования цвета как средства художественной выразительности и выделил три основных типа организации колорита в изобразительном искусстве – полихромию, гармонию и колоризм.

Полихромия, по мнению Утитца, сводится к раскраске и применяется в скульптуре, архитектуре, орнаменте, плакате. Гармония применяется в тех

видах искусства, где необходима созвучность цветов, которая придает художественному    произведению определенное настроение и влияет на содержание. Колоризм как принцип организации цветового строя, по мнению Утитца, возможен только при подражании натуре, присущ только живописи и редко применяется в декоративно-прикладном искусстве.

 

На наш взгляд, применение цвета в орнаменте только посредством полихромии (раскраски) неправомерно, так как орнамент создается с использованием средств гармонических сочетаний цветовых тонов, что влияет на содержание орнаментальных мотивов и их эмоциональное воздействие.

Другой немецкий ученый Ф.Енике выделяет три вида колоризма цветового строя картины, построенного по принципу подражания природе: абсолютный колорит, преувеличенный колорит, тональный колорит.

Абсолютный колорит передает все модификации цвета и тона изображаемой   натуры»   преувеличенный   колорит – преувеличенную насыщенность цветовых сочетаний натуры, тональный колорит передает не реальные цвета изображаемой натуры, а преднамеренно гармонизованные и выраженные через общий цветовой тон.

Колорит является средством художественного выражения в живописи и как элемент художественной формы неразрывно связан с идейно-смысловым и образным содержанием живописного произведения. Колорит выражает неповторимое мировосприятие художника, его эстетические взгляды и в опосредованном виде общую художественную культуру эпохи.

Информация о работе Детские мечты