Модерн в изобразительном искусстве

   Тулуз-Лотрек в 80-е годы лишь начинал формировать свой стиль. (пример «05_Тулуз-Лотрек) Начинал он с натурных изображений и лишь в конце десятилетия стал приближаться к своему стилю. Тогда же он обрел свой мир, утвердил свою иконографию, связанную с тем самым «двойным преображением», о котором мы говорили применительно к Гогену. Этим миром стал мир театра, цирка, бара, кафе с его знаменитыми танцовщицами, наконец, мир публичного дома. В танце, в цирковом представлении жизнь уже выступала преображенной законами искусства. Тулуз-Лотрек продолжал это преобразование своей кистью: удлинял фигуры, доводил до высокой степени гротескную выразительность контура, преображал сущность масляной краски, уподобляя ее пастели или темпере, использовал выразительность непокрытого холста. Он всюду как бы приоткрывал, обнажал, но тут же эстетизировал. Такой подход к реальности косвенно напоминает позицию мастера архитектурного модерна, который обнажает конструкцию, но тут же, словно спохватившись, декорирует ее, боясь, что она сама не выдержит эстетического испытания. Наиболее последовательного выражения стиль Тулуз-Лотрека, пожалуй, находит в плакате.

   Сын голландца и бельгийки, Жорж де Фёр родился в Париже и был истинным парижанином по духу. Ценитель женской красоты, как жрец, поклоняющийся единственному божеству, Жорж де Фёр воспел в своем искусстве Женщину, воплотив ее в изящных и утонченных формах модерна. (пример «06_Жорж де Фёр»). Первые же представленные художником акварельные работы в салоне "Роза + Крест" приносят ему известность. Выступая в роли дизайнера, он выстраивает для своего божества "храм". Его интересует, что окружает женщину: одежда, мебель, внутренняя отделка помещений, начиная с туалетной комнаты и будуара. Фёр использует только самые дорогие и ценные материалы: оникс, серебро, позолоченное дерево, сливающиеся в единой гармонии нежно-серых цветов.

   Помимо  живописи и дизайна художник успешно  работает и в других областях искусства: увлекаясь ковроткачеством, создает эскизы для ковров, делает иллюстрации в любимой им технике акварели, в частности, к "Вратам грез" М. Швоба. В 1900 г. по заказу Бинга он оформляет фасад павильона на Всемирной выставке в Париже.

   В 1894 году первый свой плакат создает  в Париже Альфонс Муха (чешский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн»). Накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра. За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения.  В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя. (пример «07_Альфонс Муха»)

   В эти годы он приобрел широкую известность  как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя.

   После возвращения в Чехию в огромном Хрустальном зале замка Збирог недалеко от Праги он принялся за работу. В течение последующих восемнадцати лет из-под его кисти вышло двадцать монументальных полотен, изображающих переломные вехи в истории славянских народов, в частности, «Славяне на исторической родине», «Симеон, царь Болгарии», «Проповедь Яна Гуса», «После Грюнвальского сражения», «Ян Коменский покидает родину» и «Отмена крепостного права в России».

   Если  Франция с заметным усилием развивала  те начала, которые зародились в 80-е  годы, то Англия в большей мере жила плодами прошлого. Она без особых скачков шла вперед. Существенного различия между 80-ми и 90-ми годами 19 века не было. 90-е дали Обри Бердсли. (пример «08_Обри Бердсли»)

   Бердсли не получил художественного образования; он начал рисовать самоучкой, подражая Дюреру, Микеланджело и Боттичелли. Бердсли рисовал карикатуры и экслибрисы, оформлял фронтисписы, форзацы, книжные обложки и афиши, но все же самыми яркими его работами остаются иллюстрации. Рисунки Бердсли отличаются простотой и смелостью композиции, динамический движением линии и резкими контрастами света и тени, выдающими влияние японских эстампов, высоко ценившихся в эти годы. В эти годы доминировала прикладная проблематика. Даже Бердсли сформировался не как мастер станковой графики, а как журнальный и книжный мастер, иллюстратор.

   Большую роль в художественной жизни Австрии  играл Венский сецессион, основанный в 1897 году под председательством  Густава Климта. Имея академические истоки, отталкиваясь от традиций знаменитого австрийского живописца Макарта, Климт к рубежу столетий преодолевает академизм. В своих росписях Большого зала Венского университета, относящихся к рубежу столетий (1899-1903), он впервые формулирует свой собственный стиль, построенный на соотношении натурного и крайне условного, на орнаментально-декоративной основе, чрезвычайно плоскостный, временами почти абстрактный.

   Климт преобразил традиционные аллегории  и символы в новый язык, с  большим ударением на эротику, и  потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали  все круги — политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. (Пример «09_Густав Климт»)

   «Золотой  период» творчества Климта отмечен  позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной в многих работах художника, начиная с Дворца Афины (1898) и Юдифи (1901), но наиболее известной его работой этого периода является Поцелуй (1907—1908).

   О картине «Поцелуй»: На скале, на краю цветочной поляны, в золотой ауре, стоят полностью погружённые друг в друга, отгороженные от всего мира влюблённые. Из-за неопределённости места происходящего кажется, что изображённая на картине пара переходит в неподвластное времени и пространству космическое состояние, по ту сторону всех исторических и общественных стереотипов и катаклизмов. Полное уединение и повёрнутое назад лицо мужчины лишь подчеркивают впечатление изоляции и отрешённости по отношению к наблюдателю.

   Картина часто описывалась критиками  как «Союз» с указанием на орнаментальную символику одеяний мужчины и женщины. Однако сама символика опровергает это название: мужчине соответствуют, характерные его полу «жесткие» формы, прямоугольные бело-черно-серые поля, тогда как женщине «мягкие» формы, цветочные, пёстрые округлые элементы. Поэтому, хотя они и соединены посредством золотого одеяния, фона и объятия в единое целое, они все же отличаются друг от друга орнаментом. Однако эта разница является чисто символической и практически исчезает на фоне общей орнаментализации картины.

   Ореол, окружающий слившихся воедино в поцелуе, определяется мужчиной, который своей спиной формирует его очертание. В противоположность мужчине, женщина изображена на картине в пассивной роли. Она стоит преклонив колени — явный символ подчинённости.

   О картине «Три возраста женщины»: Полотно символизирует круговорот жизни, являющийся одним из центральных мотивов творчества Климта. Противопоставление молодости и старости художник выразил стилистическими контрастами и различиями в восприятии действительности. С одной стороны молодая женщина со спящим ребенком на руках — мирская Мадонна, сама погружённая в состояние, похожее на сон, пассивная, стилизованная, вплетённая в орнаментальный фон полотна. С другой стороны изображенная в профиль старуха, в отчаянии прикрывающая лицо. Тем самым контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.

   В 2003 году в Италии выпущена памятная золотая монета достоинством в 50 евро. На аверсе монеты изображён фрагмент картины Климта «Три возраста женщины».

   В Польше самым крупным мастером модерна был С. Выспяньский - живописец, график, мастер оформительского и прикладного искусства, сценограф, личность чрезвычайно разносторонняя. (пример «10_Станислав Выспяньский») В изобразительном искусстве стремился к реализации национального начала в стиле модерн. В эскизах витражей для реставрировавшегося францисканского костёла и собора на Вавеле в Кракове (1896—1906) использовал как средства выразительности гибкие, контурные линии и пятна чистых цветов, комбинируя растительные, геральдические и геометрические мотивы.

   Автор пастельных пейзажей и портретов, сочетающиъ обобщённую выразительную манеру рисунка, одухотворённость и тонкую поэзию

   Швейцарский художник Фердинанд Ходлер — один из самобытнейших мастеров модерна. Его творчество, обладая всеми характерными признаками этого стиля, несёт и целый ряд неповторимых черт — огромную внутреннюю силу, эпический размах, стремление отразить в своих работах историко-патриотические темы. Далеко не сразу мастер обрёл и творческий почерк, что было нелегко любому живописцу из Швейцарии, страны, чьё искусство испытывало постоянное сильное влияние соседей — Франции, Германии и Италии. Первые самостоятельные работы Ходлера датируются серединой 70-х гг. Тогда господствующим направлением в швейцарской живописи был бытовой реализм, пришедший из Германии.

   В 80-х гг. Ходлер создал так называемую теорию параллелизма, позднее ставшую одной из основных в стиле модерн. Согласно этой теории, контуры фигур в композиции должны сводиться к ритмическим повторениям немногих почти параллельных линий, что, по мнению художника, является главным источником выразительности. Повторения з Мастер видел в живописи прежде всего средство выражения сильных чувств и мощной жизненной энергии. Его творчество парадоксально сочетает духовный порыв и сильную земную страсть, аскетическую строгость и огромную волю к наслаждению и радости. Именно в этом соединении противоположных начал заключено обаяние стиля Фердинанда Ходлера. (пример «11_Фердинанд Ходлер)

   Мастер  видел в живописи прежде всего  средство выражения сильных чувств и мощной жизненной энергии. Его  творчество парадоксально сочетает духовный порыв и сильную земную страсть, аскетическую строгость и огромную волю к наслаждению и радости. Именно в этом соединении противоположных начал заключено обаяние стиля Фердинанда Ходлера.

   Представителем  нидерландского модерна является Ян Тороп. (пример «12_Ян Тороп») В 1892 году  в Гааге прошла его первая персональная выставка, на которой экспонировались лишь символистские произведения. От символизма Тороп постепенно переходит к модерну. В 1895 году он выполнил свою первую гравюру на дереве, в дальнейшем графика и иллюстрации занимали существенное место в его творчестве. В 1898 году он уже является признанным во всём мире художником

   Представителем  германского модерна является Макс Клингер (1857-1920) – мастер раннего «югендстиля» - поначалу воспринимался как продолжатель Бёклина, с которым был дружен. Получивший образование в Академии художеств в Карлсруэ и в Берлине, он учился всю жизнь, оказываясь в Мюнхене, Риме, Париже. (пример «13_Макс Клингер») Его деятельность многогранна. Клингер – не только рисовальщик, гравёр, живописец, скульптор, но и музыкант, и теоретик (книга «Живопись и рисунок», 1891). В 1897 г. он стал профессором Лейпцигской Академии художеств.

   Фогелер Генрих (1872 - 1942), немецкий художник, представитель символизма и модерна. (пример «14_ Фогелер Генрих»)

   В 1895 обосновался в деревне Ворпсведе (близ Бремена), став одним из основателей Ворпсведской колонии художников. Идиллический модерн пейзажей, портретов и символически-сюжетных картин Фогелера, а также его графики с годами обретал все более драматически-напряженный характер, насыщаясь мечтой о социальной справедливости. С 1931 жил в Москве. В 1941, после начала войны, был как немец выслан из Москвы в Казахстан. Умер Фогелер в колхозе имени С.М. Буденного близ станции Корнеевка (Карагандинская область) 14 июня 1942.  

   МОДЕРН  В РОССИИ 

   Модерн,  стиль модерн, «новый стиль» - так чаще всего именовали в России современники весьма заметное направление в пространственных искусствах 1890-1900-х годов, обнаруживавшее видимое сходство с общеевропейскими исканиями этой эпохи.