Русский народ. Художественные промыслы и ремесла

Резьбу по бересте русские мастера применяли довольно широко. Но, пожалуй, наиболее виртуозной была прорезная или просечная береста на русском Севере. По праву первое место среди традиционных народных художественных промыслов резьбы по бересте занимает г. Великий Устюг в Вологодской области. Промысел возник здесь во второй половине XVIII века и получил название по имени реки Шемоксы, на берегах которой он развивался. В ХVIII-ХIХ вв. на городской ярмарке можно было купить изящные берестяные табакерки, шкатулки для рукоделия и хранения игр, портсигары с рельефными пейзажами, сюжетными сценами.

Изделия с лаковой живописью в Росси начали изготовлять в конце 18-начале XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостове, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Первым лакировальным заведением в Подмосковье была фабрика купцов Коробова-Лукутиных, основанная в конце XVIII века в селе Федоскине, в 7 км от Жостова. В тематике федоскинской  лаковой живописи преобладали сценки из крестьянского быта – тройки, чаепития, хороводы. Создается в Федоскино и немало портретных и пейзажных миниатюр. Федоскинцы правдиво и с большим чувством передают очарование русской снежной и морозной зимы, золотой осени, неповторимую прелесть живописных поэтических уголков Подмосковья.

Своим художественным строем палехская живопись отличается от федоскинской. Палехские художники свои миниатюры пишут не масляными, а темперными красками, разведенными эмульсией на яичном желтке. Лаковая живопись в Палехе (Ивановская область) связана с искусством древнерусской живописи. Пытаясь перенести его на современные изделия, бывшие иконописцы расписывали матрешки, посуду, ларцы и другие деревянные изделия. Отличительные особенности палехских миниатюр – живопись по черному фону, обработанному прозрачным лаком  до зеркального блеска, сложность многофигурных композиций, подробное раскрытие сюжета. Излюбленные мотивы росписи – былины, «Слово о полку Игореве», произведения русских писателей.

Наряду с табакерками и другими небольшими предметами портсигарами, кошельками, коробочками и другими, в 1830-1840-х годах в отдельных мастерских стали изготавливаться и подносы, овальные или круглые, орнаментированные довольно скромно - чаще всего лишь золотыми бордюрами. Материалом для них служило папье-маше. Папье-маше – бумажная масса, смешанная с клеем, мелом, гипсом. Во второй половине XIX века производство подносов в Жостове и окрестных селениях увеличилось, причем папье-маше заменило железо. Распространенный мотив росписи – букеты и натюрморты, цветы, вазоны, гирлянды.

В русском декоративном искусстве художественная обработка  металла также занимала видное место. Неизвестные мастера России - ювелиры Киева, Новгорода, Владимира, Суздаля Х-ХII вв. умели создавать тонкую скань, знали чернение по серебру, перегородчатую эмаль.

Образование промыслов по художественной обработке металла относится  к XVII в. Многие из них, сохранившие присущее им своеобразие, существуют и в настоящее время, творчески развивая древние традиции в Великом Устюге, в Ростове Ярославской области, в районе села Красное Костромской области, в поселке Мстера Владимирской области.

К концу 18 века в Великом Устюге сложились основные черты искусства великоустюжских мастеров, заключавшееся в сюжетной черневой гравюре, расположенной на золотом, декоративно разработанном фоне. Изделия, выполненные мастерами Великого Устюга, — табакерки, коробочки, миниатюрные флакончики для духов - отличались изяществом форм, красотой и изысканностью силуэта.

Украшение металлических предметов эмалью было известно в России уже в Х-Х1 вв. Город Ростов в Ярославской области - центр живописи по эмали - финифти. Искусство эмали в Ростове было тесно связано с оформлением церквей и монастырей. Ростовские мастера расписывали эмалевыми красками кресты, иконы, украшали оклады Евангелия. В XIX в. в ростовской эмали появляются геометрические портретные изображения, что можно объяснить влиянием станковой живописи того времени.

В 14-15 вв в России появилось гончарное  искусство. Повсюду, где имелись природные запасы глины, пригодной для обработки, мастера-гончары изготавливали разнообразные по формам и декору миски, кувшины, блюда, фляги и другие предметы, широко использовавшиеся народом в быту.

Теперь художественные изделия  из обожженной глины называют керамикой. К керамике относятся майолика, терракота, фарфор, фаянс, которые отличаются друг от друга составом глин.

Майоликой называют изделия из гончарных  глин, покрытые цветными непрозрачными  глазурями – эмалями. Терракота - это изделия из обожженной глины, не покрытые глазурями. Фарфор отличается составом массы, в которую входит белая глина — каолин высокой температуры плавления, или полевой шпат, придающие фарфоровым изделиям белизну, тонкость стенок, прозрачность. Фаянс близок к фарфору, но не обладает его белизной и прозрачностью, имеет более толстый черепок.

Уже в XVII в. гжельские мастера славились гончарными изделиями, а глины, которые они употребляли, отличались высоким качеством. В середине XVIII века гжельские мастера начали выпускать изделия в технике майолики, с росписью по сырой эмали. Блюда, квасники, кувшины они украшали нарядной росписью зеленых, желтых, фиолетовых тонов. На них изображались цветы, деревья, архитектура, целые сюжетные сцены. Сосуды украшались также скульптурой: условно переданными человеческими фигурками, птицами, животными.

Впоследствии, когда русским ученым Д.И. Виноградовым в середине XVIII века был открыт секрет состава фарфоровой массы, гжельские мастера начинают создавать изделия из фарфора. Это, прежде всего, разнообразная посуда: масленки, чашки, молочники, кружки, украшенные яркой, свободной кистевой росписью.

Во второй половине XVIII века работы гжельских мастеров перестраиваются на сдержанную гамму росписи с господством в ней синего кобальта. Его сочетание с белым фарфором, подкрепленное золотыми отводками стало типичным и для современных мастеров.

Основной вид орнамента, украшающий гжельские изделия — растительный: цветы, травы, колосья, изогнутые стебли с листьями.

Скопинская  керамика. Город Скопин Рязанской области - известный центр народного гончарства. В середине XIX века в Скопине насчитывалось свыше 50 мастерских. Но известность Скопину создали выполняемые местными гончарами сосуды сложных причудливых форм, подсвечники в виде фигур фантастических зверей, птиц. Сосуды обильно украшались скульптурными изображениями фантастических зверей, львов, драконов. Эти образы были нередко заимствованы с лубочных картинок - рисунков с близкими простому народу темами и сюжетами, продававшихся обычно на ярмарках.

Скопинские изделия  обычно покрыты зелеными и желто-коричневыми  потечными глазурями. Интенсивный  цвет, обилие скульптурных украшений  и причудливость форм сообщают искусству  Скопина выразительность и яркое  своеобразие.

Гончарным промыслом издавна занимались крестьяне в Архангельской области. Город Каргополь - это центр традиционного русского народного художественного промысла глиняной игрушки. Зарождение промысла связано с давним производством гончарной посуды. О старой каргопольской игрушке можно составить представление по работам И.В.Дружинина (1887-1949), хранящимся в местном музее. Его расписные игрушки отмечены единством стиля; крестьянки, охотники представлены с поразительной остротой характера; животные - кони, коровы и т.д. - наделены индивидуальными признаками. Они приземисты, сдержанны по расцветке. Суровая первобытная архаика не присуща современной каргопольской игрушке. Сохраняя традиционные формы, нынешняя каргопольская игрушка стала более яркой, хотя лучшие мастера обычно избегают излишней пестроты. Если попытаться определить, чем каргопольские игрушки отличаются от прославленных дымковских, следует сказать – своей сказочностью. В витрине Каргопольского краеведческого музея, где выставлены работы лучших мастеров, среди разносюжетных игрушек выделяется одна - бородатый кентавр, лубочный богатырь Полкан. О создательнице этой игрушки - бабушке Ульяне, Ульяне Ивановне Бабкиной, рассказывают всем туристам.

Большую известность  получила игрушка из слободы Дымково, расположенной около Кирова. Зарождение этого промысла связывают с древним народным праздником «Свистунья», к которому в течение всей зимы мастерицы готовили разнообразные свистульки в виде коней, всадников, коров, птиц. Весенний праздник сопровождался торговлей свистульками.

Лепились игрушки из местной красной глины, обжигались, затем покрывались меловым грунтом, разведенным на молоке. По белому фону игрушка расписывалась анилиновыми красками, разведенными на яйце. Цвета этих красок поражают своей силой, праздничностью. Яркая малиновая, желтая, синяя роспись на белом фоне обогащается орнаментами в виде точек, кружочков, кисточек. Сочетание нескольких цветов в одном изделии требует от мастерицы особого умения. Иногда узор покрывался кусочками сусального золота, придававшими изделиям еще большую нарядность.

Образы дымковских игрушек  отражают городской быт. Дамы и кавалеры, кормилицы, няньки, модницы, удалые всадники отличаются яркостью красок, особой выразительностью, яркой праздничностью и юмором. Форма  изделий, так же, как и роспись, условна.

Со временем дымковская игрушка находит широкое применение в быту как декоративное украшение. В связи с этим значительно  укрупняется и размер изделий  дымковских мастериц. Часто встречаются  многофигурные композиции, изображающие народные гулянья, праздники.

Среди изделий народных промыслов Тульской области выделяется своей оригинальностью глиняная игрушка деревни Филимоново Это игрушки, в основном свистульки, в виде фигурок животных, украшенные геометрическим орнаментом. Традиционная филимоновская игрушка основывается на пластических качествах жирной глины «синики». После высыхания глины игрушки трескаются; трещины на них заглаживаются, придавая фигуркам более вытянутую форму. Особенно заметно это проявляется в лепке коней, коров, у которых получаются очень длинные шеи. При обжиге природный сине-черный цвет меняется на белый. Поэтому фон у игрушки расписывается анилиновыми красками, разведенными на яйце: красной, желтой, зеленой, синей, фиолетовой. Геометрический орнамент состоит из полосок, солярных знаков. Нередко женские фигуры расписывают не только полосами, но и цветами, розетками, треугольниками. Современные мастера сохранили в своем творчестве традиционные формы сочетания цветов и орнамент. Тематика развивается в русле традиционного отражения городского и деревенского быта, полусказочных образов.

Кружевоплетение.

Русские кружева ручного  плетения известны в истории наших  народных художественных промыслов  с конца XVIII века. Ручное кружевоплетение возникло и сформировалось сразу как народный промысел, не проходя стадии домашнего ремесла. Западноевропейское кружево стало проникать в Россию во второй половине XVII - начала XVIII вв.; оно служило отделкой одежды дворян и помещиков. С распространением моды на кружева и кружевные отделки многие дворяне заводят у себя крепостные мастерские по кружевоплетению Ранние кружева, относящиеся к XVIII - первой половине XIX вв., нередко выполнялись из золотых и серебряных ниток с добавлением жемчуга.

Кружева ручного плетения выполняются при помощи коклюшек-бобинок, выточенных из дерева. Перед кружевницей находится плотно набитый валик - подушка. На подушке закрепляется рисунок будущего кружева, нанесенного на плотную бумагу. На рисунке-сколке точками обозначаются места пересечения и переплетения нитей. В руках у кружевницы от 6 до 12 пар коклюшек с льняной хлопчатобумажной или шелковой нитью.

По способу плетения кружева делятся на парные и сцепные. Парные кружева выплетаются несколькими  парами коклюшек. Сцепными кружевами  называются кружева, отдельные части  которых соединяются при помощи вязального крючка. Парные кружева - это обычно мерные, т.е. такие, которые можно отмерять в нужном количестве и пришивать к одежде, белью.

Кружево обычно состоит  из «полотнянки», с помощью, которой  обозначаются, как бы рисуются, основные формы узора и решетки - ажурного линейного построения из переплетенных нитей, узор которого действительно напоминает решетку. Основными районами производства кружев являются Вологодская область, Елецкий район Липецкой области, Михайловский район Рязанской области

Вологодское кружево. Своей плотностью, белизной и узорчатостью они очень напоминают морозные узоры на стеклах и иней в лесу на деревьях в разгар зимы, в тихий морозный день.

Основу вологодского кружева составляет плотная «лента-полотнянка», которую за то, что она так прихотливо вьется, обрисовывая разнообразные формы кружевного орнамента, называют еще «вилюшкой». Для вологодского кружева типичен растительный орнамент. Мотив симметрично развернутого пышного куста с широкими лапчатыми листьями и фронтальными шести, восьми — и более лепестковыми цветами-розетками образует широкую узорную кайму кружевного изделия. Решетки имеют стройный, ритмически совершенный характер, производят впечатление прочности, надежности. Ассортимент вологодских кружев очень разнообразен, он включает в себя круглые салфетки, дорожки, скатерти, декорированные настенные панно, оконные занавески, портьеры.

Елецкое кружево в  отличие от вологодского нежнее и  воздушнее. Оно выплетается преимущественно  из тонких катушечных ниток. Растительный узор с включением птиц и других изобразительных мотивов, как и в Вологде, выкладывается узкой полотнянкой - вилюжкой. Однако в отличие от вологодских, елецкие мастерицы делают эту полотнянку то плотной, то ажурной, придавая орнаменту еще большую невесомость.

Большое место в елецком  кружеве занимают геометрические мотивы - «гречишка», «паучки», «бабочка», «снежинка». Наряду со снежно-белыми или чуть кремовыми  изготавливают кружево из серых, серебристых нитей с примесью современных синтетических волокон и элегантное черное кружево, изготовлявшееся в России еще в XIX в.