Лекция по "История Искусств"

Творчество Гогена

ГОГЕН Поль (1848-1903) -  французский  живописец, скульптор, мастер керамики, гравер, крупнейший представитель постимпрессионизма. Оказавшись в 1886 г. в небольшом провинциальном городке Понт-Авене, пишет серию  картин, воспевающих красоту южного побережья Бретани. В поисках  заработка в апреле 1887 г. уезжает  на Мартинику, затем устраивается простым  рабочим на строительство Панамского канала, заболевает болотной лихорадкой и с большим трудом добирается до Антильских островов, где проводит несколько месяцев. В картинах, написанных в этот период, наметился отход  П.Гогена от импрессионизма в сторону  упрощения формы, большей декоративности и звучности цвета. .Вернувшись в Понт-Авен, продолжил свои творческие изыскания и в 1888 г. оказался во главе группы художников, объединившихся в рамках так называемого цветного синтетизма или клуазонизма (Понт-Авенская школа), характерными чертами которого были обобщенные и упрощенные формы. На холст толстой синей или черной линией наносился контур, который затем заполнялся цветом, образующим красочное пятно. Новый метод позволил П.Гогену создать работы, отличающиеся экспрессивным силуэтом и декоративными цветовыми эффектами ("Борьба Иакова с ангелом", 1888, Шотландская национальная галерея, Эдинбург; "Ночное кафе в Арле", 1888, Собрание И.А.Морозова, ГМИИ, Москва). Провал выставки импрессионистов и "синтетиков" в кафе Вольпини в 1889 г., организованной П.Гогеном и его последователями, нужда и переутомление приводят художника к решению покинуть Францию и укрыться от цивилизации в Океании. Время, проведенное в Океании (на Таити - 1891-1893 и 1895-1901, на острове Доминик - 1901-1903), было самым плодотворным в творчестве Гогена: он создает картины и скульптуры, пишет автобиографическую книгу "Ноа-Ноа", ищет новые художественные приемы, которые позволили бы ему передать своеобразный колорит Полинезии, отличный от Европы ритм жизни и характерный облик маори. Использование ярких и чистых красок создает иллюзию солнечного освещения даже на картинах, где само солнце и даже небо отсутствуют. Полуобнаженные с золотистой кожей маори изображены в естественных непринужденных позах ("Две таитянские женщины", 1892, Картинная галерея, Дрезден; "А ты ревнуешь?"; "Женщина, держащая плод", 1893). Упрощение и стилизация приводят к возникновению произвольных декоративных мотивов ("Под пандановыми деревьями", 1891, Институт изящных искусств, из фонда Уильяма Денвуди, Миннеаполис; "Чудесный источник (Сладкие грезы)", 1894). Располагая почти статичные фигуры на плоском цветовом фоне, художник создает красочные декоративные панно, в которых отражаются легенды и поверья маори. Голодный и нищинй художник пишет картины, в которых воплощает свою мечту об идеальном совершенном мире. Во время своего второго пребывания на Таити доведенный до отчаяния Гоген создает свои лучшие произведения: "Женщина под деревом манго" ("Королева красоты", 1896), "Жена короля" (1896), "Никогда" (1897), "Откуда мы приходим? Кто мы? Куда идем?" (1897). Декоративные по цвету, плоскостные и монументальные по композиции, обобщенно стилизованные по рисунку, картины П.Гогена были близки к складывающемуся в то время стилю модерн и оказали большое влияние на художников группы "Наби" и других мастеров начала XX в.

Поиски обобщённых образов, таинственного смысла явлений, интерес  к издавна застылому укладу жизни, который Гоген искал в Бретани, Арле и на Мартинике ("Видение  после проповеди", 1888, Нац. гал. Шотландии, Эдинбург; "Жёлтый Христос", 1889, Гал. Олбрайта, Буффало), сближают программу Гогена с символизмом и приводят его и группу близких к нему молодых художников (т. н. понт-авенская школа) к созданию новой живописной системы ("синтетизма"), использующей обобщение и упрощение форм и линий. Светотеневая моделировка объёмов, световоздушная и линейная перспектива вытесняются ритмичным сопоставлением отдельных плоскостей чистого цвета, целиком заполняющего формы предметов и играющего ведущую роль в создании эмоционального и психологического строя картины ("Кафе в Арле", 1888, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). Система живописи Гогена получает дальнейшее развитие в его произведениях, созданных на о-ве Таити (Океания). Он едет туда в 1891, увлекаемый творческими исканиями и мечтой об идеальном обществе. Как казалось Гогену, здесь, вдали от европейской цивилизации человек живёт в гармонии со щедрой тропической природой, дарящей ему свободу от борьбы за существование. В 1895 после кратковременного возвращения во Францию Гоген навсегда уезжает в Океанию (сначала на Таити, а в 1901 на о. Хива-Оа). Хотя колониальная действительность отнюдь не отвечала утопической мечте Гогена, он создаёт в своих полотнах ощущение первозданного рая, который насыщен солнцем и населён духовно цельными людьми, живущими в единстве с природой ("Таитянские пасторали", 1893,; "Брод", 1901; "И золото их тел", 1901). Картины, написанные в Океании, словно несут в себе экзотический аромат незнакомого мира и поэтический строй полинезийской культуры и мифологии, открывшиеся Гогену первому из европейских художников. Эмоциональная насыщенность цвета, плоскостность и статичность композиции, органический сплав декоративного и монументального начала, новизна и значительность образов, характерные для произведений Гогена, во многом стимулировали творческие поиски живописцев начала 20 в. Гоген работал также в области скульптуры, графики, керамики.

Творчество Винсента Ван  Гога

Для импрессионистов одним  из главных объектов отображения  являлся человек. Его образ интерпретировался  таким образом, что он утверждал  себя в борьбе с окружающей его  средой и самим собой мучительно, тяжело, напрягая до предела свои внутренние силы. Эта сторона в искусстве  постимпрессионистов лучше всего  видна в творчестве Винсента Ван  Гога.

Винсент Ван Гог (1853 - 1890) считается  великим голландским художником, который оказал очень сильное  влияние на импрессионизм в искусстве. Его произведения, созданные в  десятилетний период, поражают своим  цветом, небрежностью и шероховатостью мазка, образами измученного страданиями  душевнобольного, который покончил жизнь самоубийством. Винсент Ван  Гог родился в 1853 году в Голландии. Его назвали в честь умершего брата, родившегося за год до него в тот же самый день. Поэтому  ему всегда казалось, что он заменяет кого-то другого. Робость, застенчивость, слишком чувствительная натура отдалила его от его одноклассников, и единственным другом для него стал его старший  брат Тео, с которым ещё в детстве  они поклялись не расставаться. Винсенту было 27, когда он наконец понял, что жаждет стать художником. "Не могу выразить как я счастлив, что снова стал рисовать. Я часто думал об этом, но считал, что рисование выше моих возможностей." Так Винсент писал Тео.

Голландец по национальности Ван Гог приехал во Францию  сложившимся художником, изображавшим людей и природу своей родины. Практически Ван Гог был самоучкой, хотя и пользовался советами А. Мауве. Но в ещё большей мере, чем рекомендации современного голландского живописца, в формировании Ван Гога сыграло  знакомство с произведениями и репродукциями  Рембрандта, Делакура, Домье и Милле. Саму живопись, к которой он обратился, перепробовав разные профессии (продавец в салоне, учитель, проповедник), он понимал как нечто, несущее народу уже не слово проповеди, а художественный образ.

Одна из известных картин Ван Гога - “Едоки картофеля” (1885 г.). В тёмном мрачном помещении сидят  за столом пять человек: двое мужчин, две  женщины и видимая со спины  девочка. Свисающая сверху керосиновая  лампа освещает худые, усталые лица и большие натруженные руки. Скудная  трапеза крестьян - тарелка с вареным  картофелем и жидкий кофе. В образах  людей сочетается монументальное величие  и сострадание, живущее в широко открытых глазах, напряженно вздёрнутых треугольниках бровей, морщинах, ясно читаемых даже на молодых лицах.

Приезд в Париж в 1886 г. вносит в творчество Ван Гога существенные коррективы, не меняя его основной сути. Художник по-прежнему исполнен сочувствия и любви к маленькому человеку, но этот человек уже иной - житель французской столицы, сам художник.

Изменение стиля Ван Гога в известной мере было продиктовано изменением его мировоззренческой  позиции. В самом общем виде его  взгляд на мир в то время можно  считать более радостным, светлым, чем в Голландии. Эта сторона  его творчества особенно хорошо раскрывается в пейзажах и натюрмортах. Обычные  монмартовские рестораны с их ресторанами и кафе, тонкие безлистные деревья - всё это приобретает  у Ван Гога импрессионистическую трепетность, окрашивается в светлые  мягкие тона. Некоторые произведения можно сравнить по изысканности и  точности красочных сочетаний с  полотнами соотечественника Ван  Гога - Вермеера Дельфтского.

Новый период творчества Ван  Гога начинается после переезда в  Арль в 1888 г. Поначалу художник видел  в природе Прованса, в населяющих этот край людях воплощение своей  мечте о “земле обетованной”, ассоциировавшейся  в его воображении с Японией. Именно в Провансе Ван Гог надеялся создать “Южное ателье”, мастерскую, где сообща трудились бы художники-братья, противостоящие власти денег, диктатуре торговцев картинами.

Чувство радости, переполнявшее  Ван Гога заставляло его неустанно  работать. Художник изображал цветущие фруктовые деревья, перекинутые  через каналы мостики, море, покрытое созревающими хлебами равнины. Он писал, вспоминая подчас любимые японские гравюры. Однако вскоре все ассоциации с виденным отошли в прошлое, не ища проторенных путей, открывал Прованс для себя и людей. И совершенно естественно, что в этот мир природы вошла органичная для Ван Гога тема труда. На фоне вспаханной нивы и огромного солнечного диска появился разбрасывающий семена крестьянин (“Сеятель”, 1888 г.), затерялись в осеннем винограднике собирающие урожай женщины (“Красный виноградник”, 1888 г.). Пристальное внимание художника стали привлекать образы скромных тружеников (“Доктор Рей”, 1889 г.; “Колыбельная”, 1889 г.; Портрет почтальона Рулена”, 1889 г.). Если рассматривать созданные в Арле произведения, то можно заметить, как художника покидает постепенно ощущение гармонии бытия.

Быть может, ничто не характеризует  так ярко состояние художника  в эту пору, как его автопортреты. Он видит себя каждый раз новым, изменившимся. В посвящённом Гогену автопортрете “Поклонник Будды” (1888 г.) в почти  аскетическом облике художника с  акцентированными раскосыми глазами  и выступающими скулами, с бритой головой и обросшей колючей щетиной  подбородком есть черты парии, отщепенца, отвергнутого обществом, которые видели в себе Ван Гог и Гоген. В  “Автопортрете с отрезанным ухом”  Ван Гог как бы обретает новые  силы. Страдания физические словно бы сняли страдания духовные. И  вот уже художник, перевязав ухо, спокойно попыхивает трубкой. Шапка  с куском меха впереди уверенно надвинута  на лоб.

Голландская традиция чувствуется  у Ван Гога в его приверженности интерьеру, но интерпретируется им совершенно по-новому. Написанные друг за другом в 1888 г. “Ночное кафе” и “Комната в Арле” в равной мере очеловечены  художником. Он не подчиняется логике расставленных предметов и льющегося  искусственного или естественного  света. Он заставляет их служить себе, выражению своего внутреннего состояния. Активно втягивающее, словно засасывающее зрителя внутрь композиции пространство, нереальность мерцающего света, отдалённые, изолированные друг от друга маленькие фигурки - во всём этом есть “загнанность” Ван Гога, его трагедия, предельное напряжение сил.

Пребывание в больнице для душевнобольных в Сен-Реми на юге Франции и два месяца в  Овере под Парижем, - так проходит последний год жизни Ван Гога, оборвавшейся трагическим выстрелом. Он по-прежнему всё время в труде: цветы, фигуры надзирателей появляются на холстах, говоря о неумирающей  любви к жизни и одновременно о нарастающей внутренней трагедии.

Иногда в этот колеблющийся мир врываются повседневность и  просветленность, но в том же Овере  рождаются такие трагические  композиции, как “Портрет доктора  Гаше” или “Церковь в Овере”, в которой всё говорит о  близком конце художника.

На “Портрете доктора  Гаше” изображён врач-гомеопат Поль Фердинанд Гаше, специалист по душевным болезням и автор исследования, посвящённого меланхолии. По поручению брата художника, Тео, он лечил Ван Гога во время  его жизни в Антверпене. Постепенно между ними установились отношения  не пациента и врача, а друзей, глубоко  уважающих друг друга.

Одним из характерных  документов эпохи, богатый всякого  рода дневниками, воспоминаниями, письмами являются письма Ван Гога, прежде всего  к брату Тео. Величие оставленному Ван Гогом рукописному наследию придают человечность, сострадательность  его души, выплеснувшейся на Тоталитарное искусство

Тоталитаризм — драма  ХХ века. И не только людская. Тоталитаризм проник в сознание, в душу. И в  этом не последнюю роль сыграло искусство.

Не следует думать, что  тоталитарное искусство — это  примета искусства ХХ века. Тоталитарным было искусство древних цивилизаций: Египта, Вавилона, Ассирии и т.д. В  этом столетии — это искусство  России, Германии, Китая, Италии, Испании, Португалии и других европейских  государств. Сам термин “тоталитарное (целиком, полностью) ввел Муссолини, утверждавший, что “все в государстве, ничего кроме государства, ничего против государства. Рефрен этих слов очень напоминает монолог горьковского Сатина, произнесенный в 1902 году, в самом начале нового века со сцены МХАТа: “Все — в человеке, все для человека! Существует только человек ... Не прошло и двух десятилетий, как ориентиры в корне меняются. Теперь на первом месте — государство.

Уже укрепилось мнение, что  после известного постановления  ЦК ВКП(б) “О перестройке литературно-художественных организаций от 23 апреля 1932 года, когда были распущены различные организации и объединения художников, число которых к тому времени достигло пятидесяти, стали складываться основы тоталитарного искусства, которое с 1934 года окончательно обрело свою завершенную форму. Признание этого равносильно тому утверждению, что после революции в России произошел поворот к новому искусству. То, что 1917 год, по мнению искусствоведов, “решительно разделил ход художественного процесса, не совсем правильно. В стране лишь изменилась социальная ситуация. Но все художественные открытия (форма, мышление) перешли в новое время с рубежа XIX и XX веков. Действительно, в конце 10-х и в 20-е годы продолжали действовать и вести выставочную деятельность и передвижники, и представители русского импрессионизма, и “мирискусники, и “голуборозовцы, и “бубнововалетцы, и беспредметники. Символизм, кубизм, конструктивизм, лучизм, супрематизм, футуризм, кубофутуризм и прочая и прочая — сплетались в единый пульсирующий комок энергии, дающий толчок поискам и находкам.

Многочисленные споры  о том, с кого из представителей этих течений “есть и пошла революционная  струя в искусстве, и по сей  день не утихают. То, что именно в  среде интеллигенции взошла мечта  о революции, уже не вызывает сомнений. А раз так, то заманчиво найти  художника, который бы первый призывал к бунту своими работами. Извечное русское “кто виноват? не обошло этот вопрос, а также и вопрос о том, кто именно способствовал и становлению  того искусства, которое стало называться тоталитарным и берет начало с 1934 года, когда было официально объявлено  о едином методе — социалистическом реализме — в СССР. Исследователи  видят в этой дате резкий разрыв с искусством русского авангарда.