Драматические театры Минска

    Одновременно с Невием и после него писали трагедии и другие поэты. Знаменитыми римскими трагиками III – II вв. до н. э. были Энний, Пакувий и Акций. Они брали для переработки произведения всех трех великих греческих трагиков, но наиболее любимым оригиналом был для них Еврипид. Его стремление к реализму, элементы семейно-бытовой драмы в некоторых его произведениях делали их доступнее для римских зрителей, чем пьеса Эсхила и Софокла.

    В римской трагедии не могли ставиться во всей своей сложности политические, религиозно-философские и моральные проблемы, которые затрагивала греческая трагедия. Слишком велико было различие и в социально-политическом строе, и в культурном уровне Греции V в. и Рима III – II вв. до н. э. Поэтому греческие оригиналы приходилось перерабатывать; эта переработка шла по линии насыщения трагедии событиями, запутанности действия, усиления внешней патетики и чисто зрелищной стороны. Драматурги стремились также придать римскую окраску некоторым эпизодам греческих трагедий и чисто римские черты – характерам героев. Например, в трагедии “Ифигения” (автор – римский драматург Энний) Агамемнон похож скорее на римского патриция. Это прежде всего царь, он не может предаваться скорби как простой человек. Народ, по его словам, в этом отношении имеет преимущество перед царем: ему позволено плакать. Роль хора в римской трагедии значительно уменьшилась сравнительно с греческой трагедией. Хоровые партии перелагались в монодии и дуэты актеров.

    Несмотря на попытки драматургов приспособить греческую трагедию к римским вкусам, она оказывалась для значительной части римской публики сложной по своему содержанию.

    Простой народ в Риме с большим удовольствием смотрел комедию, которая была ему понятнее, так как ближе стояла к жизни. Ни трагедии, ни комедии этой поры до нас не дошли.

 

1.6.Римский театр императорской эпохи

      В I в. до н. э. республика в Риме пала. После убийства Цезаря и победы над Антонием в 31 г. до н. э. императором в Риме стал Октавиан, получивший впоследствии почетное прозвище Август ("Священный"). Август хорошо понимал общественное значение театра и всячески содействовал его развитию. Прежде всего, Август хотел возродить на римской сцене трагедию греческого типа, видя именно в ней средство улучшения и воспитания нравов своих граждан. Эти стремления Августа были поддержаны одним из выдающихся римских поэтов, Горацием, и нашли отражение в его "Науке поэзии".

    Проводя политику Августа, Гораций выступает за идейное, содержательное искусство, основой которого являются мудрость. Поэт, с одной стороны, должен быть человеком высокообразованным, так как он выступает как воспитатель и наставник граждан. С другой - его искусство должно быть эмоционально, изящно, поэтому ему нужно шлифовать свои произведения, прежде чем выставлять их на суд публики.

     Однако все усилия Августа возродить на римской сцене серьезный жанр не увенчались успехом. Хотя представления устраивались часто, они носили главным образом развлекательный характер. Общественная роль театра заметно снизилась. Такая тенденция особенно усилилась при преемниках Августа.

     Снижение идейной роли театра сказалось прежде всего на его репертуаре. После установления диктатуры Октавиана трагедия пришла в упадок. Если трагедии и ставились во времена империи, то только в виде отдельных эффектных сцен, дававшим возможность актерам показать свое мастерство. Эти актеры (их называли трагедами) надевали костюмы и маски, как для выступления в трагедии, однако их роль сводилась в основном к пению, так как актерские арии составляли главную часть представления. Исполнение арий из трагедий заимствуя их сюжеты из греческой мифологии. По своему строению трагедии Сенеки тоже мало отличаются от греческих: партии хора чередуются у него с партиями героев, на сцене находятся не более трех актеров одновременно. Но под влиянием социальных и политических условий трагедии Сенеки получили новую направленность. Мрачная эпоха Нерона, с ее жестокостями и угрозами кровавой расправы, как дамоклов меч висевшей над каждым, определила разработку тем.

    Герои Сенеки - люди, наделенные сильными, испепеляющими страстями. Изображение этих страстей, невольно приводящих героя к гибели, изображение сильных аффектов, чудовищных пороков, состояний, близких к патологии, - все это становится главным для поэта.

    Среди героев Сенеки - жестокосердные тираны, попирающие все законы человечности, способные на любые преступления ради удовлетворения своей страсти. Героини, женщины с мужской душой, тоже не останавливаются ни перед чем ради удовлетворения своих желаний.

   Персонажи трагедий Сенеки однолинейны: драматург выделяет какую-либо одну черту в характере и доводит ее до предела. В драмах Сенеки как самостоятельное представление сохранилось в Римской империи вплоть до последних дней ее существования.

    От трагедии императорской эпохи до нас не дошло ничего, кроме трагедий философа Сенеки.

     Трагедии Сенека начал писать в последние годы жизни, когда отношение к нему Нерона изменилось и он вынужден был более осторожно высказывать свои взгляды на существующие порядки. Всего он написал 9 трагедий, постоянно встречаются сцены страшной мести, кровавых преступлений. Очевидно, это было отражением тогдашней жизни с ее атмосферой жестоких репрессий.

    До сих пор остается спорным вопрос о сценической жизни трагедий Сенеки. Скорее всего они предназначены для чтения, но не для постановки: трагедии лишены динамики, некоторые сцены технически невозможно исполнить.

 

1.7.Организация театральных представлений.

     Представления устраивались в Риме во время различных государственных праздников. Пьесы шли на празднике патрициев-Римских играх, проводившихся в сентябре в честь Юпитера, Юноны и Минервы; на празднике плебеев - Плебейских играх, происходивших в ноябре; на Аполлоновых играх - в июле.

    Постоянного театрального здания в Риме не было вплоть до середины  I в. до н. э.; сооружению его противился консервативный сенат. Для представления обычно на форуме воздвигался деревянный помост высотой в половину человеческого роста. На сценическую площадку вела узкая лесенка в 4-5 ступенек, по которой актеры поднимались на сцену. В трагедии действие происходило перед дворцом. В комедиях декорации почти всегда изображали городскую улицу с выходящими на нее фасадами двух-трех домов, и действие развертывалось перед домом. Зрители сидели на скамейках перед сценой. Но иногда сенат запрещал устраивать места в этих временных театрах: сидеть на представлениях, по мнению сената, было признаком изнеженности. Все построенное для театральных игр сооружение ломалось сразу же после их окончания.

    Играли в постановках уже не любители, а артисты-профессионалы. Их называли актерами или гистрионами. Римские актеры происходили из среды вольноотпущенников или рабов и по сравнению с греческими занимали гораздо более низкое общественное положение. Актеры объединялись в труппы во главе с хозяином-антрепренером, который по договоренности с властями организовывал театральное представление, где сам обычно играл главные роли. Все женские роли исполнялись мужчинами, женщин в труппы не брали. Актеры-профессионалы, выступавшие в трагедиях и комедиях в III-II в. до н. э., играли без масок. Маска появилась в этих жанрах довольно поздно - в 130 г. до н. э. Поэтому, в отличие от греков, римляне могли следить за мимикой актеров. Маски использовались и раньше, но лишь в особых случаях - когда надо было, например, обыграть мотив двойника в комедии. В масках также играли актеры-любители, принадлежавшие к высшим слоям общества.

    Важным событием в театральной жизни Рима было появление первого постоянного театра, построенного из камня. Этот театр был сооружен в 55 г до н. э. Гнеем Помпеем Великим и вмещал до 40 тысяч человек. В конце I в. до н. э. в Риме было построено еще два каменных театра: театр Бальба и театр Марцелла. От последнего до сих сохранились остатки наружной стены, разделенной на три этажа, что соответствует трем внутренним ярусам.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ГЛАВА 2      Драматические театры Минска.

 

2.1.Национальный академический театр имени Янки Купалы.

      Национальный академический театр имени Янки Купалы, старейший театр Беларуси, по праву носит имя "первой сцены республики" и является символом белорусской театральной культуры, художественной летописью истории. На сцене театра создавался фундамент национальной актерской школы, режиссуры и сценографии. Тут проходила испытания национальная драматургия.

    История театра берет свое начало в 1887 году. Тогдашний губернский театр Минска был сценической площадкой для гастролирующих антреприз. Здесь выступали Давыдов и Комиссаржевская, Варламов и Савина, Южин, Петипа, в 1908 году ставил блоковский "Балаганчик" Всеволод Мейерхольд.

     В сентябре 1920 года театр открылся в качестве первого в Беларуси государственного театра. В программу торжественного открытия Белгостеатра вошли инсценировка повести Э.Ожешко "Рысь" в исполнении белорусской труппы, пьеса Шолом-Алейхема "Люди" (еврейская труппа) и "Свадьба" А.Чехова (русская труппа). В труппе молодого театра в то время играла легенда белорусского театра - великая Стефания Станюта.

    Среди первых постановок преобладали спектакли с ярко выраженной национальной тематикой. Это постановки "Павлинка" (1920 г.) и "Разоренное гнездо" Я. Купалы (1921 г.), "На Купалле" М.Чарота (1921 г.), "Дом за деревней" М. Старицкого (1921 г.), "Безродный" В.Голубка (1921 г.) и др. Театр, руководимый Ф. Ждановичем, организовывал специальные этнографические экспедиции для сбора материала. Так постепенно складывался колорит национальной театральной школы.

     В 1921-31 годы театром руководил Евстигней Мирович, с приходом которого молодой коллектив начинает стремительно набирать профессиональное мастерство. Вырастает целая плеяда артистов, ставших впоследствии гордостью национальной актёрской школы: Г. Глебов, Б. Платонов, Л. Ржецкая, В. Крылович, В. Пола, О. Галина, В. Владомирский, С. Бирилло, В. Дедюшко. В режиссуру приходят Л. Рахленко, М. Зорев, К. Санников, Л. Литвинов. Спектаклем "Вильгельм Телль" Заяицкого в обработке Мировича театр в 1926г. основал детский репертуар.

     Творческие принципы, заложенные в театре в первое десятилетие, стали основополагающими и на последующие годы и составили понятие, которое зовётся сегодня "традициями" Купаловского театра: качественная актёрская школа, высокий уровень драматургического материала и постановочной культуры, и в целом - лидирующая роль в национальном белорусском театре.

    Всесоюзное признание театру принесло участие в Декаде белорусского искусства, проходившей в Москве в 1940 году.

     В годы Великой Отечественной войны театр работал в Томске. Бригады актёров выезжали на фронт, играли в госпиталях. В Томске же в 1944 году была поставлена и знаменитая "Павлинка" Я.Купалы, спектакль, который уже 62 года идёт на сцене Купаловского театра с неизменным успехом, является его визитной карточкой и открывает театральные сезоны. Сейчас в "Павлинке" занято уже пятое поколение артистов.

    В 1944 году театру было присвоено имя великого белорусского поэта и драматурга Янки Купалы. В 1948 году театр отмечен Государственной премией СССР за спектакль "Константин Заслонов" по пьесе А.Мовзона.

     Первое послевоенное десятилетие отмечено насыщением репертуара русской классикой (в основном это пьесы А.Островского). В это же время дебютирует драматург А.Макаёнок, именем которого в столице сейчас названа улица. В 1952 году Государственной премии СССР удостаивается спектакль "Поют жаворонки" К.Крапивы. В 1955 году театр получает высокое звание "Академический" и официально объявляется одним из пяти лучших театров в Советском Союзе.

     Знаменитая "оттепель" 60-х годов принесла и Купаловскому театру новое дыхание. Постановки режиссёра Бориса Эрина, а также талантливых режиссёров новой волны Бориса Луценко и Валерия Раевского сочетают в себе лучшие традиции театра и яркое новаторство. Настоящими событиями не только в театральной, но и в общественной жизни Беларуси стали спектакли "Лявониха на орбите" А.Макаенка, "Чудак" Н.Хикмета, "Люди на болоте" И.Мележа, "На дне" М.Горького, "Что тот солдат, что этот" Б.Брехта и многие другие. Постепенно сменяются актерские поколения, и в театре появляются новые яркие звезды: Г.Овсянников, Г.Гарбук, Л.Давидович, М.Захаревич, Г.Толкачева, Н.Еременко, Н.Пискарева, Г.Орлова и другие.

     В 1973 году художественным руководителем театра становится В.Раевский, который привносит в театр новый стиль, основанный на философии свободы убеждений и выражения. Яркий театральный язык, раскрепощённая форма, острая проблемность постановок сочетаются в творчестве В.Раевского с высоким классическим стилем самого театра. Шекспир, Достоевский, Гоголь, Чехов, Дюрренматт - жемчужины классики приобретают новое звучание благодаря современной форме исполнения. На стыке академизма и эксперимента рождается неповторимость Купаловского театра, а также творческий почерк самого В.Раевского, вот уже более тридцати лет стоящего во главе коллектива. В 70-е в театр приходит очередное талантливое поколение артистов - А.Владомирский, Т.Пузиновская, А.Подобед, Ю.Аверьянов, В.Кин-Каминский. Появляется и ряд этапных для театра спектаклей, таких как "Трибунал" и "Затюканный апостол" А.Макаенка, "Последний шанс" В.Быкова, "Характеры" В.Шукшина, "Эшелон" М.Рощина, "Святая святых" И.Друце.

    Восьмидесятые и девяностые годы - очень насыщенное для театра время. Во время общественных и политических перемен театр не потерял ориентиры. Напротив, Купаловский ощутил свою мобильность и жизнеспособность, причастность и потребность в философском осмыслении действительности. Большой общественный резонанс имели постановки В.Раевского: "Плач перепелки" И.Чигринова, "Рядовые" (1984 г. - отмечен Государственной премией СССР), "Порог", "Князь Витовт" А.Дударева, "Страсти по Авдею" В.Бутромеева. Спектакли режиссера Н.Пинигина "Гарольд и Мод" К.Хиггинса, Ж.К.Карьера, "Тутэйшыя" Я.Купалы, "Идиллия" В.Дунина-Мартинкевича, "Костюмер" Р.Харвуда котируются до сих пор.