Формирование русской национальной композиторской школы

     «Санктпетербургский гостиный двор» - сатирическая и забавная комедия, в которой музыке отведена очень важная роль. В «предуведомлении» к «Гостиному двору» Матинский сообщает, что опера его - «в близком свойстве мельнику Фаддею», иначе говоря - родственна опере Аблесимова, Соколовского и Фомина. Родственна и по народности сюжета и по народности музыки. В опере звучат и народные песни и созданные Матинским и Пашкевичем мелодии народного склада. Выразительны речитативы «Гостиного двора», выросшие из русской народной речи. Вокальные формы в «Гостином дворе» весьма разнообразны. Здесь и арии, и песни, и хоры, и ансамбли. Превосходна чрезвычайно популярная в свое время песня о взятках Крючкодея. Забавен секстет четырех купцов и двух дам: перебивая друг друга, купцы расхваливают свои товары дамам-покупательницам. 

     «Гостиный двор» имел огромный успех у посетителей  театров. Популярность его лишь немногим уступала популярности «Мельника». Соколовский  вошел в историю русской музыки только как автор музыки к пьесе  Аблесимова. Композиторская деятельность Матинского, видимо, ограничилась сочинением музыки к его собственной пьесе «Гостиный двор»

В опере «Скупой» особо ярко проявились характерные  черты дарования Пашкевича,написанной в сотруднечестве с Я.Б.Княжиным. в музыке оперы преобладают черты  сатиры, гротеска и острой комедийности.

Передовые, прогрессивные  тенденции русского музыкального театра 18 века нашли наиболее полное выражение  в творчестве Фомина. 

     В   народно-бытовой   опере    «Ямщики    на    подставе»(1787)   Фомин продолжает традицию   «песенной  драматургии»,положив в основу произведения подлинные народные темы. Однако у Фомина народная песня получает гораздо более глубокую, самостоятельную трактовку, чем у его предшественников: композитор уже не ограничивается простой обработкой народной мелодии, а развивает русскую народную песню в сложной хоровой форме. 

       Текст оперы принадлежит Н.  А. Львову. Сюжет пьесы не давал    композитору   возможности   широкого  драматургического развития. В опере нет ни развернутых  арий, ни сложных ансамблей —  она  состоит  в основном  из  песенных хоровых номеров..

     Однако  Фомину удалось успешно преодолеть недостатки литературного текста. В  «Ямщиках» он создал замечательный  образец  хоровой народнопесенной оперы, и в этом смысле наметил важную линию развития русской оперной школы. Только Фомин сумел сделать хоровую народную сцену основой всей оперной композиции и подчинить весь оперный замысел принципу песеннохоровой драматургии. 

     Другие  стороны, творчества Фомина нашли выражение  в комической опере   «Американцы»   (1788)  на текст знаменитого писателя-баснописца   И.  А.   Крылова.   Обращение к   «экзотическому» миру Южной Америки, само по себе не новое в искусстве XVIII  века, в опере Крылова и Фомина приобретает особый смысл. Пьеса Крылова, рисующая события из времен завоевания 

     Южной Америки испанцами, несет на себе отпечаток популярных в то время  философских идей Руссо: в ней  отразилась характерная концепция  «естественного человека», утверждающая моральное превосходство людей, не тронутых цивилизацией, над «просвещенными» европейцами, с их порочными нравами. Создавая веселую, непритязательную комическую оперу, автор стремится привлечь внимание к ее героям — наивным, простосердечным дикарям, жителям Южной Америки. Этих «детей природы» он противопоставляет   жестоким   завоевателям-испанцам,   охваченным жаждой обогащения. 

     Опираясь  па классические приемы оперы-буффа, Фомин  стремится в «Американцах» к широкому оперному стилю. Арии и ансамбли этой оперы отличаются крупными масштабами и достаточной сложностью вокального письма. 

     Изящество и легкость вокального стиля, сложность ансамблей, тонкая и колоритная оркестровка — вот характерные особенности оперы Фомина, свидетельствующие о том, что русский музыкант сумел блестяще овладеть техникой общеевропейского классического оперного стиля.

Однако в целом  опера «Американцы», при всех ее ценных качествах, стоит все же в стороне от основного пути творчества Фомина. Высшим достижением композитора явилось произведение трагического плана — в своем роде единственное во всей русской музыке XVIII века. В 1791—1792 годах Фомин создает мелодраму «Орфей» на текст Я. Б. Княжнина. Этому сочинению суждено было сыграть важную роль не только в истории музыкального театра, но и в развитии русского симфонизма.

Показателен уже  сам выбор жанра. Фомин подчиняет свой замысел своеобразному синтетическому принципу мелодрамы — так назывался в XVIII веке особый вид музыкально театрального представления, в котором литературный текст произносился с сопровождением оркестровой, симфонической музыки. Реплики   актеров,   как  правило,   чередовались  с  музыкальными вставками, и лишь изредка «накладывались» на оркестровый фон. 

     Произведение  Фомина не удержалось в репертуаре: интерес к жанру мелодрамы,  разгоревшийся в конце XVIII века,  вскоре угас, и мелодрама стала  одним из составных элементов  оперного или драматического спектакля. Но музыка Фомина не утратила своего значения и поныне. В пределах короткой одноактной музыкальной   драмы   русскому   мастеру   удалось  создать  искреннее, волнующее   произведение   большой   трагической   силы. Глубина психологического замысла, цельность и стройность формы, единство симфонического развития делают «Орфея» одним из самых .совершенных классических образцов данного жанра.

     Удачен  и текст Княжнина. Античный миф  о певце Орфее поручил   продуманное,   стройное    воплощение   у   автора   пьесы. В   истолковании   этого  сюжета   русский   драматург стремился пририблизиться к первоисточнику. В отличие от одноименной оперы Глюка в многих других опер на этот сюжет, в которых драма    героев   заканчивалась   традиционной   благополучной   развязкой Княжнин приводит развитие сюжета к трагическому концу. Как и в античном мифе, Орфей безвозвратно теряет Эвридику, его возлюбленная навсегда исчезает в царстве теней.

Действие трагедии предельно сжато и сконцентрировано. В ней участвуют всего два  действующих лица: Орфей и Эвридика . Роль Эвридики, по существу эпизодическая, не получает в драме широкого развития — доминирует образ Орфея. В духе античной трагедии трактована ответственная роль хора. Поющий за сценой в унисон мужской хор («Вещий голос») одновременно и возвещает героям суровую волю богов, и поясняет слушателям смысл событий. Мелодрама заканчивается большой балетной сценой — пляской торжествующих фурий. 

     В музыке мелодрамы со всей полнотой раскрылось большое дарование Фомина-симфониста. Произведение отличается редкой цельностью формы и в то же время внутренней контрастностью тематического развития. Композитор ярко воплощает основной конфликт драмы и с тонким чувством стиля передает возвышенный строй античного мифа. 

     В «Орфее» Фомин решил одну из важнейших  задач, стоявших перед русским музыкальным искусством того времени: ему впервые удалось овладеть большой трагической темой. Этим произведением он показал, что русская музыка уже не ограничивалась жанрово-бытовой тематикой, а смело вторгалась в мир больших идей и глубоких чувств. 

     Дмитрий Степанович Бортнянский – наиболее разносторонний и зрелый мастер среди  русских композиторов 18 века. Его  творчество, по существу. Завершает  весь исторический процесс развития музыкальной культуры этого времени. 

     «Сын-соперник» (1787) — бесспорно лучшая опера Бортнянского. Не выходя за границы традиционного комедийного жанра, композитор сумел вложить в эту оперу новое и своеобразное содержание, проникнуть в мир тонких душевных переживаний героев. Погружаясь в атмосферу интимной лирики, он чутко отразил веяния своей эпохи: в основе оперы лежит характерный для сентименталистской литературы конфликт любви в долга — типичные ситуации гётевского «Вертера» и романов Руссо. 

     Опера Бортнянского отличается высоким композиционным мастерством, богатством вокальных форм и тонким изяществом оркестровки. Большие, развитые арии чередуются в «Сыне-сопернике» с изящными ариеттами или томными элегическими романсами; в патетических моментах композитор не чуждается и драматического речитатива. Важную роль в оперной драматургии Бортнянского приобретают финальные  ансамбли, трактованные в духе развернутых драматических сцен. 

     Молодое искусство оперы XVIII века со всей очевидностью свидетельствует об удивительном разнообразии путей развития русской композиторской школы. 

     Опера, со всей сложностью и многообразием  ее форм, питала всю русскую профессиональную музыку содействовала развитию других жанров.

В ней коренились основы и русского симфонизма, и  русской хоровой классики. Тесно  соприкасаясь с народной песней и  бытовым романсом, она оказывала воздействие и на профессиональную вокальную лирику.

Активное развитие оперной драматургии в XVIII веке во многом заранее обусловило ту важную роль, которую суждено было играть оперному жанру в творчестве композиторов-классиков.

ХОРОВАЯ МУЗЫКА 
 

     Хоровая музыка - наиболее древняя, устойчиво  сложившаяся область русского музыкального искусства. Высокие традиции хорового исполнительства с давнего времени  прочно установились в древней Руси. Этими историческими условиями  в значительной мере был подготовлен высокий расцвет хоровой культуры в XVIII веке в творчестве таких мастеров, как Бортнянский и Березовский. 

     Однако  по сравнению с предшествующим периодом хоровое искусство XVIII века отмечено новыми чертами. Тенденции «обмирщения» глубоко затронули профессиональную хоровую музыку и значительно расширили ее жанровую сферу. Наряду с более традиционными формами культовых песнопений композиторы XVIII века создают хоровые обработки народных песен, разрабатывают новые жанры праздничной, торжественной музыки — панегирические канты, гимны, кантаты и оратории. В условиях века Просвещения и бурного роста светского искусства профессиональная хоровая музыка испытывает новый подъем. 

     Богатой и плодотворной почвой для развития хорового творчества служила народно-бытовая онёра XVIII века. Напомним, что уже в первых несложных операх русские композиторы уделяли большое внимание народным хоровым сценам, а в опере Фомина  «Ямщики на подставе»  народная песня определяет собой весь драматургический замысел.

К концу XVIII века появились самостоятельные обработки  народных песен для хора с оркестром. Среди них следует отметить интересную обработку популярной украинской песни «На бережку у ставка», изданную в 1794 году анонимно. Автором этой достаточно сложной партитуры был, по-видимому, известный композитор О. А. Козловский, большой знаток и любитель украинского и русского фольклора. 

     Широкое распространение в быту получили также и хоровые произведения «малых форм» — простые куплетные  песни для солистов с припевом хора. К числу популярных жанров принадлежат застольные, военно-патриотические, приветственные и поздравительные песни, исполнявшиеся в домашнем кругу.

Наряду с этими  жанрами бытовой, музыки большое  место в общественной жизни занимала официальная, торжественная «музыка празднеств». Различные виды хоровых песнопений, начиная от  петровских  панегирических  кантов  и  кончая  грандиозными хоровыми кантатами екатерининских дней, прочно укоренились в общественном обиходе XVIII столетия. Здесь и монументальные оратории  Сарти, исполнявшиеся  при  дворе  по торжественным дням при блеске фейерверков, под грохот пушечной стрельбы; здесь и кантаты Бортнянского, и торжественно-парадные полонезы с хором — вроде, например, знаменитого полонеза Козловского «Гром победы раздавайся» (слова Г. Р. Державина), получившего в конце века значение государственного гимна Российской империи. 

     Большие изменения произошли в специфической  области церковного пения.  Ранний XVIII век не порывает еще связи с прежними традициями древнерусской культуры. Высокого расцвета достигает в петровскую эпоху торжественное, монументальное, но и несколько обобщенное, лишенное яркого индивидуального отпечатка партесное пение. К первой четверти XVIII века относятся лучшие образы русских партесных хоровых концертов, созданные П. Титовым и его современниками.  

     Примерно  в середине XVIII столетия в сферу  церковной хоровой музыки начинают проникать новые веяния. Традиционные жанры   культовых   песнопений    испытывают   заметное   влияние  светского искусства — оперы и раннеклассического инструментального стиля. Торжественное «благолепное» пение насыщается новыми   интонациями,   приобретает   черты  драматической экспрессии, открытого человеческого чувства. Расширяется круг настроений культовой музыки; в творчестве крупнейших мастеров ,хорового жанра Березовского и Бортнянского она вступает новый путь развития. 

     Искусство Березовского и Бортнянского ознаменовало новый этап в истории русской хоровой музыки а сарреllа. Опираясь на традиции знаменного распева и партесного пения, эти композиторы создали свой индивидуальный хоровой стиль, отличающийся глубокой выразительностью, многообразием содержания и блестящим вокальным мастерством. Их сочинения носят печать большой торжественности, присущей данному жанру; но они уже по-своему согреты личным чувством художника, по-своему экспрессивны и человечны. Как новое художественное явление, хоровое творчество Березовского и Бортнянского выходит далеко за рамки «служебной» культовой музыки и является важным шагом на пути развития русской хоровой классики.