Лекция по "История Искусств"

 

Художник очень любил аллегории, так популярные среди представителей политических кругов. Неоднократно Руссо  принимал участие в различных  конкурсах, которые время от времени  устраивают парижские власти с целью  оформления помещений различных  департаментов. Живописцу всегда хотелось получить официальный заказ, хорошо оплачиваемый и престижный, поскольку, во-первых, он постоянно испытывал  нужду в деньгах, а, во-вторых, по-прежнему мечтал о всеобщем признании.

 

Однако Таможеннику так и  не удается завоевать ни того, ни другого. Кроме того, все время  находились люди, которые использовали эту слабость художника и присущую ему наивность, чтобы неоднократно разыгрывать бедного Руссо. Дело доходило даже до того, что живописец  чуть не поехал в Елисейский дворец, чтобы лично выразить благодарность  президенту Французской республики за награждение его главной государственной  наградой – Орденом Почетного  легиона, о присуждении которого сообщили художнику злые шутники.

Экзотика Индии

 

Однажды, мать художника Робера Делоне, поддавшись на уговоры своего сына, решилась заказать Руссо картину. Ее рассказы об экзотической поездке в Индию вдохновили Таможенника на создание полотна, выдержанного в сочных зеленых тонах, характерных для тропических джунглей. В центре картины мы видим фигуру черноволосой женщины - заклинательницы змей, которая очень напоминает древнее мистическое божество. Черные змеи, будто завороженные волшебными звуками её дудочки, неспешно выползают отовсюду, причем если на первый взгляд они едва различимы, то, когда взгляд привыкает к пестрому разнообразию и начинает различать детали, их видишь все больше и больше. Поразительно, но их движение на полотне ощущается почти физически. Мистический оттенок полотну добавляют глаза женской фигуры, являющиеся единственным светлым пятном на картине, их огромная притягательная сила поражает.

 

Освещенная полной луной река, густая и таинственная завеса из растений, переливающихся всеми оттенками  зеленого, экзотическая розовая птица, ярко сияющие желтые цветы - вся сцена  излучает невероятный райский покой  и умиротворение. Вертикальные линии  фигуры и окружающих её растений смягчены горизонтальными лучами света, идущего  от месяца. Это принципиально отличает композицию «Заклинательницы» Руссо  от его «Войны», где горизонтальное построение всего полотна создает  эффект распада и символизирует  разрушение и уничтожение.

 

Произведение «Неприятный сюрприз» чем-то близко к «Заклинательнице змей». На этой картине мы видим женщину, напуганную медведем. Фигура женщины  снова напоминает мифическую богиню, или ветхозаветную Еву, потерявшуюся в райском саду. Ее круглые бедра  чуть прикрыты ниспадающими до колен  волосами. Как и в «Заклинательнице», женщина окружена теми же причудливыми деревьями с яркой листвой, а  на заднем плане – на берегу волшебного озера, изображены густые леса из причудливых  деревьев. А в глубине едва заметна  фигура притаившегося охотника. Когда  видишь её, на душе становится спокойно – он обязательно выстрелит и  спасет женщину от хищника.

 

Современники запишут высказывание одного итальянского критика, посвященное  Руссо: «Он живет в странном мире, фантастическом и реальном одновременно, близком и далеком, иногда забавном, иногда трагическом. Он любит буйство  красок, фрукты и цветы, диких зверей и сказочных птиц. Он живет, работая  до беспамятства, сосредоточенный и  терпеливый, встречаемый насмешками и неприветливыми окриками каждый раз, когда решается нарушить своё одиночество, чтобы представить миру своё творение».

Портрет приятеля

 

Герой картины «Бричка отца Жюньета» (1908 год) – реальный персонаж – продавец овощей, бывший приятелем Руссо (правда, его настоящее имя было Клод Жюньер). Его магазин на Монпарнасе располагался всего в нескольких метрах от мастерской живописца. Жуньер всегда помогал художнику, которому часто не хватает на продукты денег. Иногда Жуньер вместе со своими приятелями забирал Руссо покататься на своей бричке, служившей ему  для перевозки товаров. Тянула бричку питомица Жуньера - кобыла Роза. Продавец овощей имел большую слабость к лошадям  и собакам, одна из которых изображена на картине рядом с бричкой.

 

При создании полотна, художник использовал  фотографию, сделанную в в Кламаре в 1908 году. Руссо перенес на холст композицию фотографии, добавив к ней собаку на дороге и несколько фигур. Во время работы живописца над картиной, его мастерскую посетил американский художник Макс Вебер (1881- 1961). Рассматривает работу, Вебер обратил внимание автора на диспропорцию размеров между собаками и остальными предметами и персонажами. Руссо ответил: «Все должно оставаться так, как есть».

 

Быть может, художник и прав, полагаясь  только на собственное видение, потому что, когда долго смотришь на эту  работу, начинает казаться, что именно эта, абсолютно непропорциональная, и оттого какая-то загадочная собака и придает картине оттенок  сказочности. Именно измененные пропорции  и нарушенная перспектива, обильно  дополненные элементами фантасмагории, придают бытовым сценам Руссо  этот элемент притягательности и  таинственности.

 

В бричке сидят пятеро людей и  пес. Все они изображены лицом  к зрителю, словно выстроенные в  шеренгу, подобно группе с полотна  «Крестьянская свадьба», но под четким углом по отношению к сиденьям брички и направлению дороги. Полотно  имеет внушительный размер, очень  характерный для произведений декоративного  искусства, и это, по мнению критиков, делает его схожим с «гобеленами  тысячи цветов» - бывшими популярными  в XV веке великолепными коврами, на которых были вытканы красочные  орнаменты из причудливых растений.

 

В картине художник впервые использует абсолютно гладкий холст, благодаря  которому мазки получаются практически  невидимыми. Весь колорит картины  четко разделен на две гаммы: чёрный, белый и красный на переднем плане, и охра, зеленый и голубой –  на «заднике».

Городские пейзажи

 

Менее известную, но не менее значимую часть творческого наследия Руссо  составляют городские пейзажи. Многочисленные виды Парижа и его предместий пользовались повышенным коммерческим спросом, поэтому, художнику, постоянно стесненному в средствах, приходилось писать их без устали. В те далекие времена окраины Парижа были пока ещё мало застроены и буквально утопали в первозданной зелени лесов. Художник делал этюды для будущих картин сразу масляными красками, не используя гуашь или уголь. Он уверенно пишет с натуры, непосредственно на холсте, лишь время от времени делая наброски.

 

Прописывая на пленэре отдельные  фрагменты размашистыми резкими  движениями кисти, Руссо завершает  картину уже в мастерской, тщательно  дорабатывая детали каждого компонента. Двумя наиболее известными примерами  городского пейзажа в творчестве Руссо являются полотна «Мебельная фабрика в Альфортвиле» и «Вид с моста Севри». На них живописец  изобразил вольную трактовку  фабрики по производству кресел и  стульев в Альфортвиле и один из районов Севри на юго-западных окраинах французской столицы.

 

«Мебельная фабрика в Альфортвигле»  была написана на десять лет раньше, чем «Вид с моста Севри». При  взгляде на картину, сразу бросается  в глаза небо, с причудливыми облаками на нем. Слева видна река, а на заднем плане изображен мост. Но оба элемента имеют, скорее, второстепенное значение. Все композиционное построение картины идет от волнистого тротуара, неожиданно создающего редкое для картин Руссо впечатление правильной перспективы. Само здание фабрики сильно напоминает картонный домик из театральных  декораций, также неестественно  выглядят фигурки людей вокруг. Все  это делает сцену очень условной, почти сюрреалистической.

 

Ярким элементом картины является фигура рыбака на переднем плане. Изначально его изображение было лишь композиционной необходимостью. Однако после того, как персонаж был закончен, художник обнаружил, что этот рыбак, ожидающий клева символизирует некое существование вне времени и пространства, воплощая, таким образом, на картине вечность. Именно этот самобытный подход к изображению времени резко отличает Руссо от импрессионистов, которым было свойственно любование отдельно выхваченным из жизни моментом.

 

Композиционным центром второй картины является мост над Сеной, который соединяет её лесистые берега. Черно-белый кораблик, расположенный  на переднем плане, очень выразителен, его корпус странным образом похож  на лицо человека. Маленькие фигурки  пешеходов сливаются с домами, оттеняемыми рыжей листвой. Красные  и серо-зеленые крыши прекрасно  соответствуют гамме осеннего пейзажа. Воздушный шар, дельтаплан и самолет  символизируют три эпохи покорения  неба, о которых часто упоминалось  в прессе того времени, и которыми восхищался сам Руссо.

Сновидения

 

В 1910 году Анри Руссо создает свой величайший шедевр – полотно «Сон», выставленное им в том же году на 26-м Салоне Независимых. Все его  друзья и коллеги единогласно  утверждают, что произведение достойно самых наилучших отзывов. Поэт Гийом  Аполлинер пишет о ней в  одной из своих статей: «Я думаю, что в этом году никто не осмелится  смеяться. Вы можете спросить у художников - все единогласны, все их восхищает, даже эта софа в стиле Людовика - Филиппа, затерянная в девственном  лесу. И они правы».

 

Руссо снабжает работу следующими комментариями: «Ядвиге снится волшебный сон. Она  спокойно уснула под звуки флейты неизвестного соблазнителя. Когда месяц  отбрасывает свет на цветы и зеленые  деревья, звери, и даже хищники, замирают, прислушиваясь к чудесным звукам музыки». Андре Бретон (1896 – 1966) заметит, несколько лет спустя: «Я близок к тому, чтобы утверждать: это  великое полотно впитало в  себя всю поэзию и все тайны  нашего времени. Для него характерна неисчерпаемая свежесть открытий...»

 

Картина «Сон», ставшая одной из последних произведений Руссо, считается  завещанием художника. Переплетаясь, растения создают на холсте иллюзию пространства, чему вторит и все цветовое решение  картины. Ощущение глубины подчеркнуто  переливающимися оттенками зелени. Мартышки резвятся в ветвях причудливой  формы, где повсюду виднеются  яркие экзотические птицы, а внизу, под ними, в траве рыщут хищники. Лишь чернокожий музыкант стоит в  густой траве и играет на своей  флейте, будто не замечая ничего вокруг. И персонажи, и растения вырваны  из реального пространства, характерной  формы и своего подлинного состояния, однако все они выписаны настолько  тщательно, что выглядят невероятно правдоподобными. Словно предчувствуя свою кончину, Анри Руссо оставляет  нам в наследство изображение  подлинного рая. Своим «Сном» художник осветил грядущему поколению  дорогу в сюрреалистическое искусство, опередив своё время.

 

В том же 1910 Руссо пишет ещё  одну картину - «Нападение ягуара на лошадь», купленную впоследствии меценатом  Амбруазом Волларом. Сам художник гордился работой. «Двадцать два  зеленых оттенка!» — гордо  сообщил живописец известному итальянскому критику Арджендо Соффиччи, пришедшему к нему посмотреть на новую работу. Соффиччи был потрясен живописной манерой  Руссо. После прорисовки карандашом всех контуров экзотических растений, художник наносил различные оттенки  зеленого цвета отдельными мазками, по нескольку раз прописывая каждый фрагмент, и тщательно очищал палитру  при каждой смене цвета.

4. Матисс был гениальным колористом. Одна из «констант» его творчества поиск гармонии и чистоты цвета и формы.  Матисс разнообразен. Временами его художественный мир напоминает мозаику, составленную из элементов разных техник и стилей. Начинал художник с вполне реалистических работ, в которых он выступал верным последователем Шардена и Коро, но очень быстро отправился открывать новые художественные «материки». Лоуренс Гоуинг, биограф Матисса, заметил, что «каждая его картина написана в новой манере».  Учитывая непостоянство художника, превратившееся в одну из примет его творчества, его не получится уместить в «ячейке» какого-то одного направления (то же можно сказать и о жанровых предпочтениях мастера — он занимался буквально всем). Если уж и попытаться как-то обозначить такую «ячейку», то это будет, как это ни общо звучит, поиск гармонии. Вот этому поиску Матисс и посвятил свою жизнь.

 

Когда смотришь на скромные домашние сценки, написанные молодым  Матиссом, трудно поверить в его  грядущие художественные «зигзаги». Со временем его техника стала выказывать следы учебы у импрессионистов. Интерьеры картин явно «посмелели».

 

Пуантилизм. Слепое копирование реальности надоело художнику. Появилась потребность не «отобразить» реалии, а выразить свое отношение к миру. В начале 1900-х годов его манера — под влиянием идей Сера и Синьяка — вновь резко поменялась. Матисс на короткое время превратился в «пуантилиста». Увлечение оказалось небесплодным, увенчавшись настоящим шедевром: мы имеем в виду картину «Роскошь, покой и наслаждение» (1904). Название работе дала строчка из стихотворения преданно любимого Матиссом Бодлера. Но на дивизионизме художник не остановился. Чуть позже он уже критиковал его: «Разложение цвета, — писал Матисс, — ведет к разрушению формы и линии. Покрытое цветными точками полотно остается плоским и способно лишь раздражать сетчатку глаза». Его влекли к себе движение и музыкальный ритм. Тесные рамки пуантилизма сковывали этот порыв. И он без сожаления от пуантилизма отказался.

"Дикое" творчество (Фовизм) . Матисса и его друзей Алъбера Марке, Андре Дерена, Мориса де Вламинка и Жоржа Руо назвали в Осеннем Салоне 1905 года фовистами, то есть «дикими». Их принято рассматривать как членов одной художественной группировки, хотя такое представление является очевидной натяжкой. Они были разными, сходясь лишь на своем отношении к цвету. Фовизм утверждал преобладание цвета над формой. Среди предшественников фовизма нужно, прежде всего, отметить Гогена; в дальнейшем же его идеи развили экспрессионисты.  «Исходный пункт фовизма, – писал Матисс, – решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым жёлтым – первичным элементам, которые будоражат наши чувства. Матисс отказался от смешения цветов светотени и мелких деталей – ничто не должно было снижать звучность краски. Другим выразительным средством в его картинах была точно отработанная линия. Художник подчёркивал каждое движение, каждый контур линией; она иногда выглядела своеобразной рамкой, в которую заключена форма. Сам термин «придумал» критик Л. Воксель, который, сравнивая выставленную в Осеннем Салоне бронзовую фигуру Альбера Марке с расположенной по соседству работой скульптора XV века Донателло, воскликнул: «Бедный Донателло! Он оказался в окружении дикарей!» Картина «Молодой матрос», 1906 была создана Матиссом в годы его увлечения фовизмом. Позже художник писал: «Фовизм был кратковременным течением. Мы придумали его для того, чтобы показать значение каждого цвета, не отдавая предпочтения ни одному из них».

6. Фовизм (вместе с кубизмом) можно считать началом абтракционизма. Абстракционизм (от лат. abstractus-отвлеченный), беспредметное искусство, конфигуративное искусство, конкретное искусство - направление в искусстве ХХ в., ставящее во главу угла формальные элементы - линию, цветовое пятно и отвлеченную конфигурацию. Среди его крупнейших российских представителей можно назвать В.В.Кандинского и К.С.Малевича.