Лекция по "История Искусств"

Автор работы: Пользователь скрыл имя, 30 Января 2014 в 23:56, лекция

Краткое описание

В сентябре 1916 года писатель-сценарист Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию.[9] Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы.

Вложенные файлы: 1 файл

istoria_iskusstv.docx

— 160.69 Кб (Скачать файл)

Па́бло Пика́ссо 25 октября 1881, Мáлага, Испания — 8 апреля 1973, Мужен, Франция) — испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер.

Основоположник кубизма (совместно  с Жоржем Браком и Хуаном Грисом), в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как  ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

«Голубой» и «розовый»  периоды[править | править исходный текст]

 

В 1900 году Пикассо со своим  другом, художником Касахемасом уехал  в Париж. Именно там Пабло Пикассо  познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касахемаса глубоко подействовало на молодого Пикассо.

 

При этих обстоятельствах  в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном  «голубым периодом». Стиль этот Пикассо  разработал по возвращении в Барселону  в 1903—1904 годах. В работах этого  периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с  пучком волос», 1903; Пикассо считал —  «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901 г; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

 

Произведение переходного  периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных  искусств, Москва).

 

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии  для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому  и розово-серому тонам, а персонажами  стали в основном бродячие артисты  — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества  обездоленных, романтической жизни  странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Кубизм

 

 Портрет Пикассо, выполненный  Хуаном Грисом (1912)

 

От экспериментов с  цветом и передачи настроения Пикассо  обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

 

Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает  их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно  ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма  состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо  зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы  — обои, куски газет, спичечные  коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками  из-под табака, нотами, бутылками  с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные  номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Техника коллажа соединяет грани  кубистической призмы в большие  плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и  юмористической манере открытия, сделанные  в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В «синтетический»  период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами  вписываются в овал. Собственно кубистический  период в творчестве Пикассо заканчивается  вскоре после начала Первой мировой  войны, разделившей его с Жоржем Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).

Русский балет

 

 Пабло Пикассо, карикатура  на Эрика Сати. (1920 год)

 

В сентябре 1916 года писатель-сценарист  Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать  в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского  балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию.[9] Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «…более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве.[10] Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Произошло именно так, как он намечал. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле, немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши!»[10] Дело дошло даже до потасовки. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны.[10] Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур»…

Антигармоничный, психованный  композитор пишущих машинок и  трещоток, Эрик Сати ради своего удовольствия вымазал грязью репутацию «Русского  балета», устроив скандал, <…>в  то время когда талантливые музыканты  смиренно ждут, чтобы их сыграли… А геометрический мазила и пачкун Пикассо вылез на передний план сцены, в то время как талантливые художники смиренно ждут, пока их выставят.[10]

 

— Leo Poldes, «La Grimasse», 19 мая 1917

 

 

Дягилев остался чрезвычайно доволен произведённым эффектом. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после «Парада» (декорации и костюмы для «Треуголки» Мануэля де Фальи, 1919). Новая форма деятельности, яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов.

 

Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с  балериной Ольгой Хохловой, которая  стала его первой женой. 12 февраля 1918 года они заключают брак в русской  церкви в Париже, свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто, Макс Жакоб  и Гийом Аполлинер. У них рождается  сын Пауло (4 февраля 1921 года).

 

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе —  все это отчасти объясняет  этот возврат к фигуративности, временный  и притом относительный, поскольку  Пикассо продолжает писать в то время  ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924).

Сюрреализм[править | править исходный текст]

 

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского  изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт  атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что  можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в  некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части  существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрёл в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

«Герни́ка» и пацифизм[править | править исходный текст]

 

В 1937 году симпатии Пикассо  — на стороне республиканцев, борющихся  в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрáнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герни́кa — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Герни́ку» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребёнком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.

 

Ужас, охвативший Пикассо  перед угрозой варварства, нависшего  над Европой, его страх перед  войной и фашизмом, художник не выразил  прямо, но придал своим картинам тревожную  тональность и мрачность («Рыбная  ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и  её кукла», 1938). И вновь женщины  стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

 

В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения  Пикассо проявляются в его  работах: в 1950 году он рисует знаменитого  «Голубя мира»

 

Фовизм

 

Характерные особенности  фовизма: предельно интенсивное  звучание открытых цветов; сопоставление  контрастных хроматических плоскостей, заключенных в обобщенный контур; сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки  и линейной перспективы. Плоскостная  трактовка форм, насыщенность чистых цветов, энергично подчеркнутый контур обусловливают декоративность фовистской живописи. Группа заявила о себе на парижских выставках 1905,1906, 1907 гг. Однако вскоре объединение распалось, и творческие пути его участников разошлись. Название отражает реакцию  современников на поразившую их экзальтацию  цвета, "дикую" выразительность  красок. В фовизме были общие черты  с одновременно возникшим экспрессионизмом.

 

 Фовизм (от фр. les fauves —  дикие (звери)) Локальное направление  в живописи нач. XX в. Наименование Ф. было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников (А. Матисс, А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, Э.-О. Фриез, Ж. Брак, А.-Ш. Манген, К. ван Донген), совместно участвовавших в ряде выставок 1905-1907 гг., после их первой выставки 1905 г. Название было принято самой группой и прочно утвердилось за ней. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго, оставив, однако, заметный след в истории искусства. Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Развивая художественные достижения постимпрессионистов (см.: Постимпрессионизм, Сезанн, Гоген, Ван Гог), опираясь на некоторые формальные приемы средневекового искусства (витражи, романское искусство) и японской гравюры, популярной в художественных кругах Франции со времен импрессионистов (см.: Импрессионизм), фовисты стремились к максимальному использованию колористических возможностей живописи. Природа, пейзаж служили им не столько объектом изображения, сколько поводом для создания экспрессивных, напряженных цветовых симфоний, не порывающих, однако, связей с увиденной действительностью. Основные цветовые отношения и мотивы фовисты брали из природы, но предельно усиливали и обостряли их, нередко использовали цветной контур для отделения пятен цвета друг от друга. Повышенная светоносность («краски буквально взрывались от света», — писал впоследствии А. Дерен) и выразительность цвета, отсутствие традиционной светотеневой моделировки, организация пространства только с помощью цвета — характерные черты Ф. От Ф. оставался один шаг до абстрактного искусства, но ни один из его представителей не сделал этот шаг. Все они после 1907 г. пошли своими путями в искусстве, используя Ф. как некий этап на пути экспериментальных поисков в области живописных средств. Выразительные возможности цвета, выявленные фовистами, активно использовались многими живописцами XX в., начиная с экспрессионистов, абстракционистов и кончая появившимся в 50— 60-е гг. движением «Новые дикие».

Лит.: Chasse С. Les Fauves et leur temps. Lausanne, 1963; Diehl G. Les Fauves. P., 1975; Duthuit G. The Fauvist Painters. 1977, Giry M. Der Fauvismus. Wuerzburg, 1981. В.Б.

 

Фовизм (от фр. fauve – дикий) – название течения во французской  живописи 1905-1907гг., которое представляли А.Матисс , А.Марке, А.Дерен, Р.Дюфи, Ж.Руо, М.Вламинк. Когда на парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна экспериментировавших художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков заклеймил авторов словом les fauves – “дикие звери”. Случайное высказывание вошло в историю, закрепившись как название за течением. Художественной манере фовистов были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема.

Информация о работе Лекция по "История Искусств"