Эстетическое воспитание средствами гобелена

В дошкольных учреждениях  дети знакомятся с различными доступными их возрасту видами изобразительного искусства, народными промыслами народов России. Используя лучшие образцы народного искусства и произведения мастеров, педагог воспитывает у них интерес и способность эстетически воспринимать картины, скульптуры, предметы народного художественного творчества, иллюстрации в книгах, формируют основы эстетического   вкуса  детей,   самостоятельно  оценивать  произведение  искусства.

Занимаясь изобразительной  деятельностью, дети имеют возможность  выражать свои впечатления, своё понимание  и эмоциональное отношение к  окружающей их жизни в художественном творчестве: рисование, лепке, аппликации.

В.Сухомлимский отмечал: В период детства мышления мыслительные процессы должны быть, как можно теснее связаны с живыми, яркими, наглядными предметами окружающего мира. Эмоциональная насыщенность восприятия - это духовный заряд детского творчества. [40]

Главным помощником учителя в деле эмоционального развития личности ребёнка становится сегодня  искусство, прежде всего народное искусство, во множестве своих проявлений окружающее любовью с ранних лет. К тому же народное искусство по своей наглядно - образной специфике зачастую доступнее восприятию ребёнка, нежели профессиональное.

Невозможно было бы перечислить те благотворные влияния, которое может оказать на ребёнка  народное искусство в процессе его  воспитания и образования, в процессе нравственного формирования его личности.

Начальное изучение языка профессионального искусства, воспитание способности читать образ  в памятниках декоративно - прикладного  искусства и архитектуры, наконец, знание исторической ступени развития русского искусства и искусства своего народа от древнейших времён, изучение многовекового коллективного художественно - нравственного опыта, законов композиционного мышления в частности, композиции на плоскости, композиции в декоративно - прикладном искусстве - все эти задачи педагог может наиболее успешно решать только на материале народного искусства.

И, наконец, народное искусство, народные промыслы, сохранившиеся до наших дней значение, живописного художественного наследия является исторической предысторией народа, выражает духовную культуру на рода,   черты   национального   характера,   представления   о   нравственных идеалах людей, неразрывно связанных с родной землёй, природой, Родиной. И поэтому общение детей с народным искусством необходимо в нравственном личности каждого из них. С помощью произведений народных промыслов удаётся легко помогать детям всех возрастов в их рисовании, получаются содержательные, интересные по художественным качествам рисунки.

Нам известно о  многослойном характере содержания народной игрушки, прочесть которые нелегко. Задача это очень трудная, но мыслимая и желанная. «Глиняные страницы книги народного духа нуждаются в прочтении» - так играведливо говорит о народной игрушке писатель Леонид Ладынин: - народный мастер накоротко замкнут с первоосновой, первоприродой, первоисточником. Для него глина - живая, из которой он создаёт живописного зверя, в свободе от цвета, линии, сюжета, типа, со своей жизнью... Народное искусство материализовалось через дух, кровь, плоть, родовой опыт, обрядовость, естество, а профессиональное искусство - через разум, интеллект, народную культуру и личный опыт художника.

Правильное и  умелое, методически продуманное  использование богатого обучающего потенциала традиционной народной педагогики в дошкольной практике активизирует и развивает интерес детей к культурным и художественным традициям родного народа и народов России и тем самым, несомненно, повышает общий уровень их подготовленности в познании основ народного творчества.

Изучая с детьми дошкольного возраста народные художественные промыслы родного края и народов  России, воспитатель должен привить  им живую заинтересованность, добиться, чтобы они не оставались равнодушными к тому, где и как хранятся произведения народных мастеров, для того, чтобы они могли донести свои эстетические и художественные достоинства грядущим поколениям.

1.2.   Искусство  гобелена    как средство   эстетического воспитания детей дошкольного возраста

          Никогда  не  перестанут  привлекать  людей древние ремёсла.  Никакие блага цивилизации не  заглушат  потребность в творчестве,  удивление перед возможностью  создать нечто самому,  своими  руками,  практически из  ничего. 

           Декоративные  ворсовые,  безворсовые  ковры  знают  почти  все,  старинные  шпалеры  и  современный  гобелен  известны  меньше.  А  ведь  это  тоже  ковры,  только  гладкие.  Кроме  того,  они  часто  имеют  сюжет,  да  и  в  интерьере  используются  как  картины  -  висят  на  стене,  в то  время как ковёр,  гладкий или ворсовый,  утепляет  стены или лежит на  полу,  покрывает мебель  или заменяет  её,  как это принято на  Востоке.

           Когда  в  1601  году  фламандец   Франсуа  де  ла  Планш,  ещё   не  мог  предположить,  что их  фамилия   превратится в обозначение стенных ковров  не  только  во  Франции,  но  и во  многих  других  странах.[20]

         Работы  мастерской  Планша  и   его  совладельца  были  столь   высокого  уровня,  что  через  60  лет  мастерская,  объединив все шпалерные мастерские  Парижа,  превратилась  в Королевскую мануфактуру   Гобеленов.   В 80-е годы  ХVII  века  копировали  картины итальянских и фламандских художников.  После пятилетнего перерыва  Гобеленовая мануфактура начала  работать  вновь  в  1669  году.

          Известными  художниками  создавались   изящные  гротески,  иллюстрации   к  известным  литературным  произведениям,  сюжеты  из  древней   и  новой  истории,  библейские,  мифологические  и  исторические  композиции.

          Эскизы  того  времени  уже   утрачивают  декоративные  особенности   и  ткачи  обязаны  просто  копировать  представленные  живописные  произведения.  Вместо  декоративных  бордюров  гобелены  заключают   в  тканые   рамы,  имитирующие   багет.

             Искусство  шпалеры,  потеряв   свою  самобытность,  приходит  в  упадок  не  только  во  Франции,  но  и  в  других  странах  Европы.

              В  России  шпалерное  дело  появилось  гораздо  позже,  чем  в  Европе  -   в   начале  ХVIII  века.  Да  и  то,  если  бы  не  энергия  Петра  Великого,  возможно,  и  не   развилось  бы  вовсе.

              Шпалеры,  в  качестве  посольских  даров,  привозили  в  Россию  со  второй  половины  ХVII  века.  Будучи  за  границей,  Пётр I  обратил  на  них внимание  уже в 90-е годы.  В России  привозные шпалеры,  как признак необычайной   роскоши,  были  очень дороги.  Решение завести у себя  шпалерную фабрику,  видимо,  созрело во  время посещения Петром   I  Гобеленовой  мануфактуры  в  Париже  в  1716  году.  Тогда  же  велено  было  завербовать  французских  мастеров  для  организации  в  России  шпалерного  дела  и  обучения  русских  учеников.  С  того  времени  и  началась  сложная  история  развития  российского  шпалерного  искусства.  Трудно  налаживалось  «коверное  художество»  в  России.  Не  было  постоянного  помещения  для  мануфактуры,  один  за  другим  сменялись  директора.  Шёлк,  шерсть,  красители  -  чернильный  орех,  сандал,  индиго  и  другие,  -  всё  везли  из-за  границы.  По  всей  России  искали  шерсть,  пригодную  для  шпалер.  Мастера-французы  по  большей  части  не  спешили  раскрывать  секреты  русским  ученикам.  Тем  не  менее,  в  20-е  годы  ученики  постепенно  осваивают  ковровое  мастерство.  Русские  шпалеры  развивались  в  общем  русле  с  европейскими,  постепенно  меняя  стили  соответственно  эпохам.[22]

            После  смерти  Петра  положение   мануфактуры  было  тяжёлым,  но  работы  продолжались.  Русские   ученики  становились  мастерами.

              В 1732 г. мануфактуру перевели из Екатерингофа в Санкт-Петербург в более удобное помещение за Литейным двором. Эта улица со временем стала называться Шпалерной. Здесь находились 10 ткацких станков и красильня. Большинство ткачей уже были русскими.

Серия декоративных шпалер этого времени говорит о высоком мастерстве ткачей, создавших пышные композиции с фонтанами, архитектурными фрагментами, букетами, птицами и пейзажами на дальнем плане. Обычно одну шпалеру ткали несколько ткачей, причем каждый специализировался на своем. Самым простым считалось ткачество цветов, архитектуры, наиболее сложным — лиц и фигур. Соответственно работе и жалованье получали. На ткачество одного квадратного аршина (51 см²) шпалеры четырьмя мастерами требовался месяц.

           Значительна серия «Индийские ковры» 1730-1740 гг. Образцами для нее послужили известные гобелены Королевской мануфактуры в Париже. Близки по сюжетам к этой серии шпалеры на тему борьбы зверей.

О внимании к  развитию шпалерного дела в России говорит и создание в 1741 г. школы рисования при мануфактуре. Несмотря на несомненные успехи русской шпалерной мануфактуры, шпалеры почти не использовались и гнили на складе.

            Со второй половины 40-х гг. ХVШ в. производство шпалер замирает. На мануфактуре в голоде и холоде работают лишь два ткача, остальные нищенствуют. Здание разрушается.

           Новый расцвет ожидал мануфактуру с середины ХVШ в. По указу 1755 г. императрицы Елизаветы Петровны надлежало привести мануфактуру в порядок для производства   шпалер  в будущий Зимний дворец.   Но  увы,  уже нет ни  ткачей,  ни  живописцев,  ни  красильщиков.  И вся история повторяется заново. Снова вербуют мастеров в Париже, а в ученики отправляют детей тех, кто работает на петербургской мануфактуре, «гарнизонных школьников», солдатских детей. Особенно заботилась о мануфактуре Екатерина П: отпускались деньги на содержание 117 учеников, закупались лучшие заграничные сорта шерсти и шелка. Мастеров обучали рисунку. Частные заказы пополняли казну мануфактуры. В 80-х гг. штат ее состоял из 150 человек, причем только русских.[25]

         Вплоть до начала ХIХ в. отмечается расцвет шпалерного дела. В это время были сотканы шпалеры по картинам известных живописцев, находящихся в Эрмитаже, портретам, повторяются «Индийские ковры», аллегорические композиции, гарнитуры, включающие «обои» и обивку для мебели.

        В конце 20-х гг. XIX в. шпалеры выходят из моды, продаются плохо и дохода мануфактуре не приносят. С 1827 г. производятся главным образом ковры и утилитарные изделия. Убыточность мануфактуры все время растет и в 1858 г. она была закрыта. За 140 лет на петербургской мануфактуре было создано 205 шпалер.  Познакомимся с тремя из них. Как и в русской живописи начала XVIII в., портреты занимают большое место и в шпалерном деле. Первыми были изображения Петра I, Екатерины I и других государей, позднее — великих князей, генералов и прочих деятелей.

          Впервые изображение Петра появляется в двух вариантах «Полтавской баталии», сотканных еще по воле Петра в 1722 и 1723 гг. Мечта государя о прославлении Российской империи во всех видах художественного творчества сбылась. В центре композиции — Петр на скачущем коне, со шпагой в руке. Вдали — Полтава и эпизоды яростного сражения. Портреты Петра I ткали по живописным оригиналам во все периоды истории петербургской шпалеры. Так, портрет 1783 г. был соткан по картине Ж.-М.Натье 1717 г. В отличие от более ранних изображений Петра в шпалере этот портрет привлекает легким, светлым колоритом, удачной композицией, поэтичным настроением, хотя, возможно, образ Петра и передан не столь точно.

           Полны экзотических мотивов четыре шпалеры серии «Страны света». Созданные в 1743-1747 гг., они имели большой успех и были повторены дважды в прямом и зеркальном отражении. Сложные многофигурные композиции представляют аллегории четырех частей света. В центре каждой шпалеры — женская фигура, олицетворяющая континент. По представлению русских художников, все дамы, даже аллегория Африки, европейского происхождения.[20]

          Перед нами — «Азия». На первом плане — воинские атрибуты, цветы, плоды, множество мелких предметов Востока. На Китай намекает фарфоровая ваза, с синим орнаментом, за верблюдом виднеется высокая пагода. Амуры дополняют пеструю композицию. В шпалере присутствуют все черты искусства барокко: пышная театральность, яркие цвета, динамичность композиции. В то время вошли в моду тканые бордюры, изображающие резную деревянную раму с богатым орнаментом. Мало того, в дворцовых интерьерах шпалерам отводилось специальное место, которое также оформлялось растительным барочным орнаментом. Таким образом, шпалеры составляли единое целое с остальным убранством интерьера.

           Шпалеры,  созданные  по  живописным  произведениям, не  предназначенные  для  копирования  в  ткачестве,  были  обычным  явлением.  Картины  брали  на время   из  Эрмитажа  на  мануфактуру.  Их  копировали,  внося  соответствующие  технике  поправки.

           Сегодня  гобелен  признан   украсить  жизнь  и согреть уже не  столько стены,  как в средние века,  сколько наши  души  радостными  яркими  красками  и образами. [38]

            Успешное  развитие   гобелена  во  Франции  вызвало  интерес   у  художников  многих  стран.  Кроме  сюжетно-изобразительного  направления  в  гобелене,  появились  и  чисто  декоративное.  Они  могли  быть  построены  на  красочных  цветовых  пятнах,  линейных  ритмах,  простых  или  сложных  ассоциациях.  В  60-е  годы  интерес  к  гобелену  вырос  настолько,  что  многие  художники сами  сели  за  ткацкий станок.  Это привело к необыкновенным  превращениям  гобелена.  Сначала он  обрёл преувеличенную  рельефность за  счёт  настилов,  обвивок,  ворса.  Затем начал терять  классическую  прямоугольную форму,  заменять  перегородки  и  даже  потолки  и,  в  конце  концов,  превратился  в  мягкую  скульптуру.  Все  течения  модернизма  и  постмодернизма  отразились  в  искусстве  гобелена. 

          Гобелен  -  синтетическое  искусство.  В  его  основе  лежит  крепкий  рисунок,  строгий  расчёт  всех  декоративных  эффектов,  а  потом  -  долгое,  терпеливое  воплощение  в  материале.