Портрет как средство познания внутреннего мира человека в условиях пространственной среды общеобразовательной школы

          В XVII веке акварель широко применялась в Голландии и Фландрии. В это время акварельная техника широко использовалась в пейзажной живописи, в портрете, в произведениях бытового жанра.

Но акварельная  портретная живопись как искусство получила развитие во второй половине XVIII века в Англии, а к концу XVIII века во Франции. В творчестве английских художников Р.Козенса, Т.Гертина, а также французских О.Фрагонара и Ю.Робера были заложены основы европейского акварельного миниатюрного портрета. [7, с. 210].

 

Интересны акварели Якоба Иорданса, применявшего смешанную технику: акварель, сангину и гуашь. Акварель использовалась при создании архитектурных проектов, разработке планов городов, парков и т.д. В XIX веке художниками разных стран создано очень много акварельных работ, показывающих широкие возможности акварели,  как живописного материала. В Англии были организованы первые в истории искусства выставки акварельной  живописи.   Представители английской школы акварельной живописи Д.Констебл и Тернер.

Дальнейшее  развитие акварельный портрет получил  и в России в конце XVIII - начале XIX века. В это время в области миниатюрного портрета работали такие известные русские художники, как Ф.Алексеев, А.Иванов, А.Брюллов, П.Соколов. В работах последнего этот жанр достиг своего расцвета. П.Соколов обладал широким прозрачным     акварельным     мазком, виртуозной техникой и вместе с тем отточенной ювелирной формой. В его портретах раскрываются красота и богатый духовный мир человека. В 40-е годы XIX века в Италии появилась акварельная живопись методом лессировки, представляющая собой многослойную живопись по сухой бумаге, когда художник стремится к передаче материальной пластической формы, звучным контрастам светотени, насыщенному цвету, к выявлению богатства рефлексов и цветных теней. Акварельная живопись методом лессировки быстро распространилась по всему миру и выдвинула своих ярких представителей. В Италии это были К.Росси и М.Фортуни, в Англии - У.Тёрнер и Д.Констебл, во Франции - О.Домье и Э.Делакруа, в Гегнии - А.Менцель, в США - Д.Уистлер. В России - К.Брюллов, А.Иванов и другие. Своим творчеством мастера внесли большой вклад в развитие техники акварельной живописи.  [7, с. 102-103].

 

Развитие акварельной  техники продолжалось в конце XIX и в начала XX века. В это время значительна вклад в становление акварельной портретной живописи внесли русские художники. Они не удовлетворялись чистой акварелью, активно смешивали ее с белилами, гуашью, темперой пастелью, углем, бронзовой краской добивались монументальности,  декоративности цвета, новых средств выразительности. Большое значение приобрел портретный жанр, в котором художники стремились выразить тему яркой творческой личности, тему таланта и гражданственности.

Значительный  вклад в развитие акварельной живописи внесли художники, объединившиеся вокруг журнала "Мир искусства": А.Бенуа, М.Врубель, А.Остроумова-Лебедева А.Головин, К.Сомов. Плодотворно в технике акварели работали В.Серов, И.Репин, А.Архипов, Ф.Малявин и другие художники.  [6, с. 210].

 

Особое внимание хотелось обратить на акварельные портреты В.Сурикова и М.Врубеля. Эти художники занимали разные творческие позиции, но их объединяло удивительное чувство акварельного пятна, требовательность к своему творчеству. В.Суриков артистически владел акварельной техникой.  В.Суриков работал мягким живописным пятном очень убедительно моделируя форму,  но сохраняя цельность большого объема. Акварели М.Врубеля представляют  волшебный сплав сияющих цветосочетаний, переливающихся одна в другую, имел определенную цветовую идею. Цветовой замысел акварели имел для Врубеля   решающее   значение.   Он умел цветовой образ акварелей сохранить до окончания работы и всегда выдержать единую цветовую гамму.

 Многие мастера советского 
искусства внесли большой вклад в развитие акварельного портрета          Герасимов,    М.Сарьян,    А.Дейнека, П.Кончаловский и др. Их акварели полны правды жизни, в них пульсирует    убедительная    достоверность, живет любовь к человеку.  [6, с. 210].

 

Ни литературное произведение, ни труды историков, ни даже достоверно написанные мемуары не смогут дать такого яркого представления о характере  человека и даже целых эпох и народов, как правдивый портрет.

Потрет стал официальным жанром только в эпоху Возрождения. Первым художником, известным в этом жанре, стал Джотто.

Прежде чем начать самостоятельное существование, портрет медленно и с трудом неуклонно завоевывал себе право гражданства в религиозных сюжетах.

В своей знаменитой росписи капеллы дель Арена в Падуе Джотто смело отказался от иконографической схемы и передал библейскую историю совершенно по-новому. Люди Джотто простоваты и угрюмы, но не безучастны к происходящему как фигуры-символы на византийских иконах, на глазах зрителя они грустят, радуются, удивляются как живые.

Последователями Джотто были такие художники как Мазаччо, Гирландайо, Донателло.

В 1434 году Ян ван Эйк написал семейный портрет четы Арнольфини. Они стоят посреди своей спальни под люстрой с зажженной свечой. Не смотрят друг на друга. Не смотрят и на зрителей. Лицо женщина напоминает лицо мадонны. По - видимому на картине изображено обручение.

Итальянские художники раннего ренессанса восславили и возвеличили человеческую личность, портретный образ человека, портретный образ человека, властного над природой. Ян ван Эйк положил начало исследованию и изображению индивидуальности человека в его отношении с самим собой и с другими людьми.

Художники Италии в эпоху Высокого Возрождения размышляли уже не только о земном, но и о мировом предназначении личности. Они

соизмеряли образ человека, и в частности портретный образ, с образами вселенной.

Леонардо да Винчи интересовали в людях их сложные душевные движения, но и все начиная с развития в утробе матери и кончая строением скелета и черепа. В записях Леонардо можно найти руководство к тому как следует изображать детей, стариков, женщин, как запомнить форму лица, как изображать его в профиль с одного раза и с одного взгляда и так далее.

Проблема выражения внутреннего мира, психологии человека складывается у него в целую теорию.

Все характеры Леонардо подметил в жизни и затем перенес на свои фрески. Но все в его работах подчинено логосу. Ни что не возникает спонтанно. Подтверждением этого становятся самые знаменитые произведения «Тайная вечеря» и «Джоконда».

Особое место в искусстве портретного жанра занимает творчество голландского художника В.Ван-Гога.

Вот портрет почтальона из Арля. Как самодовольно расчесаны штрихами его баки, как радостно светятся на фоне обойные цветочки! В одном из писем Ван-Гог пишет о нем, что этот господин очень доволен и горд, так как он только что стал счастливым отцом.

А вот и отнять нечто  противоположное: автопортрет самого Ван-Гога, мазки которого подобны обнажившимся" нервам. Здесь уже не внешнее сходство, не маска лица, но сама напряжённая и вскрытая душа.

Но еще большим фактом выразительности у Ван-Гога, нежели его Техника, является колорит. Он выявляет характерное в человеке не только утрировкой рисунка, но и символикой красок. Я хочу сделать портрет моего друга, художника, которому грезятся чудные сны,— пишет он в письме к брату. Я хотел бы вложить в этот портрет всю мою любовь к нему и совершенно произвольно выбираю краски. Я утрирую светлый тон его волос до степени оранжевого цвета. Затем, в виде фона, вместо того чтобы изобразить банальную стену убогой квартиры, я напишу бесконечность, самый интенсивный синий тон, какой только имеется на моей палитре. Благодаря этой комбинации золотистая голова на синем фоне будет казаться звездой в глубокой синеве неба.

Точно так же поступаю и в портрете крестьянина, представляя себе этого человека при полуденном солнце, в разгар жатвы. Отсюда эти оранжевые отблески, сверкающие как раскаленное железо; отсюда этот тон старого золота, горящего в потемках.

Таким образом, в противоположность большинству портретистов, которые думают, что сходство исчерпывается лицом,  краски фона были для Ван-Гога не случайным украшением, до таким же фактором выразительности, как и рисунок. Его рыбацкая нянька».  написана звучными лубочно-цветистыми колерами. Одна из его арлезианок - злостная провинциальная сплетница, выдержана в черно-синем, как воронье крыло, и поэтому еще более похожа на каркающую птицу. Так каждый  цвет имел в глазах Ван-Гога свой определенно-лаконичный смысл, был для него символом душевного переживания, вызывал у него аналогии. Он не только любил многокрасочность мира, но и читал в ней слова целого тайного языка искусства. Но из всех красок-слов его больше всего чаровали две: желтая и синяя. 
Желтая мажорная гамма, от нежно-лимонной и до звонко-оранжевой, была для него символом солнца, ржаного колоса, благовестом христианской любви.

Синяя гамма, от голубой и. до черно-вороньей, казалась ему цветом бесстрастной вечности, холодной необходимости, ночного неба.

[7, с. 189-192].

 

 

2.2 Методика  рисования портрета в условиях  пространственной среды общеобразовательной  школы.

 

Портрет — один из сложнейших жанров изобразительного искусства. Игорь Грабарь, известный советский художник и искусствовед, писал: «Как никогда прежде, я понял, что высшее искусство есть искусство портрета, что задача пейзажного этюда, как бы она ни была пленительна,— пустячная задача по сравнению со сложным комплексом человеческого облика, с его мыслями, чувствами и переживаниями, отражающимися в глазах, улыбке, наморщенном челе, движении головы, жесте руки. Насколько все это увлекательнее и бесконечно труднее!»

Ни литературные произведения, ни труды историков, ни даже достоверно написанные мемуары не могут дать такого яркого представления о характере человека и даже целых эпох и народов, как правдивый портрет.

Как писать голову человека акварелью? Специфика этой техники  требует иной, чем для масляной живописи, последовательности и приемов.

Прежде всего подберите  модель с хорошо обозначенными скулами, лобными буграми, краями нижней челюсти, глазными впадинами, конструктивно ясным устройством надпереносья. Нежелательны лица с замельченными или расплывчатыми чертами, слишком морщинистые.

Затем определите общую  цветовую гамму и характер освещения. Для фона подбирайте спокойные, сдержанные по цвету, не очень темные драпировки, с тем, чтобы легко читались цветовые и тоновые соотношения лица и фона.

Не рекомендуются ткани  слишком резких расцветок: ярко-синих, зеленых, фиолетовых. Отдайте предпочтение фонам, которые по цвету и в тональном отношении звучат мягко и благородно.

Для начала можно сделать  постановки «на сближенных» тонах, чтобы колорит их был четко выражен. Допустим, блондинку с загорелым лицом поместить на золотистом или сиреневом фоне, модель с лицом более смуглым — на коричневато-сером или коричневом, натурщицу с бледным лицом и темными волосами — на серо-голубом или сером. Следует продумать характер одежды портретируемого. Она ни в коей мере не должна акцентировать на себе внимание чрезмерной яркостью и пестротою. Лучше всего, когда костюм натурщика по цвету близок к фону, но светлее или темнее его. Тогда все внимание будет уделено лицу. Не следует забывать, что можно очень выгодно использовать некоторые детали одежды для передачи формы. Например, правильно написанный воротничок платья помогает понять и подчеркнуть объем шеи в пространстве.

Когда цветовой образ постановки сложился, переходим к следующему, также весьма ответственному этапу — поиску наиболее характерного положения и освещения головы.  [4, с. 255].

 

Выбор освещения зависит  от самой модели. По этому поводу признанный рисовальщик Энгр писал: «Одни требуют много света, другие производят больше впечатления, когда есть тени, особенно худые лица, которым нужно положить тени в углубления глаз, что придает голове более эффекта и выразительности. Для этого надо дать освещение сверху и в небольшом количестве».

Прежде всего позаботьтесь о том, чтобы ясно читалась «большая форма», а свет помогал выявить характер лба, носа, объем глазных яблок. В общем надо делать так, чтобы лицо не казалось «слепым» и плоским. Избегайте чрезмерно резких падающих теней от носа.

Сама поза, наклон головы должны быть естественны для данной модели.

Замечательный русский  портретист В. Тропинин говорил: «Нужно стараться сохранить в посадке, в движении головы, рук натуральную грацию: всякое натянутое, изысканное положение фигуры действует неприятно для глаз; оно в натуре не так замечается, потому что бывает большею частью минутное, временное, а на полотне оно остается навсегда».

Итак, модель выбрана, фон, освещение продуманы. Приступаем к следующим этапам учебной работы над акварельным портретом.

Первая стадия — определение  формата работы и композиционное решение. Предельно ограничьте ее размер, максимум до 18 см по большой стороне. Затем определите формат. Какой он будет — квадратный, вертикальный, горизонтальный,— это решает автор, исходя из характера постановки, конструкции модели, своего отношения к поставленной учебной задаче.

Надо продумать, сколько места в формате листа займет голова, сколько плечевой пояс, сколько фон, как это распределить по массам, пятнам и силуэтам. Здесь желательно сделать композиционные поиски (кроки) в тоне черной акварелью, размером вдвое меньше будущего оригинала (9 см по большой стороне).

В выборе композиции не останавливайтесь на самом примитивном варианте, когда  голова берется крупно в центре или  почти в центре, не оставляйте много  фона сверху, снизу, сбоку под тем  предлогом, что хочется найти композицию «поострее».

Выразительность композиции зависит от точно выверенных, логически  оправданных пластических масс, уравновешенных между собой и передающих определенное состояние.

Нужно постараться почувствовать  характерные особенности модели, понять ее, настроиться на серьезный творческий процесс, на поиск. Что перед нами за человек: молодой или пожилой, высокий и стройный или плотный и приземистый, веселый или грустный, бодрый или усталый, какова его осанка?